DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Creo que solo he escuchado este álbum una vez antes (si no, nunca en su totalidad).

Es una de esas cosas que he evitado durante un tiempo porque es probablemente uno de los álbumes más débiles de Claypool en toda su discografía hasta la fecha.

Y creo que estoy de acuerdo. Sigo pensando que este fue un proyecto interesante para él, y entiendo que Les quería hacer esto como una especie de proyecto de pasión.

Honestamente, creo que este habría sido un álbum mucho mejor como un álbum en solitario o un álbum de Fungi Ensemble que un álbum de Primus.

Ser etiquetado como Primus aumenta las expectativas de los fans para esto, ya que Primus es más conocido por el funk rock y la estupidez experimental 

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1972’s #1 USA ALBUM

3.6.1972-16.6.1972 

Este disco es una de las piedras angulares del rock progresivo de los setentas.

Excesivo, pulcro, elaborado,intelectual, imaginativo, pleno de recursos y cuidadosa producción.

Jethro Tull son de los mejores haciendo eso y este Thick As a Brick contiene la médula de la música que la banda de Ian Anderson se encargó de vovler famosa, agregándole una fuerte carga de folk.

Este disco, entre experimento y seguro desempeño los colocó en un lugar más privilegiado del que el mismo Aqualung pudiera haberlos situado en realidad. Esto ya implica una descripción de su tiempo y de sus resultados musicales para explicar, pero esta obra, una de las más excesivas los estableció en una especie de competencia con bandas como Genesis y Yes para ver quién se aventaba la canción más kilométrica y con menos sentido.

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Este multiinstrumentista pertenece al grupo de artistas cuyo álbum debut fue el mejor.

Su sonido de rock con órgano recordaba al soul de finales de los 60 y al rock hippie. Let Love Rule trae un mensaje de paz con el canto de estilo libre sobre una cerveza funky.

I Built This Garden for Us comparte la misma filosofía, con el violín y el violonchelo añaden una calidad clásica.

Su estilo vocal es libre, conmovedor y apasionado. Does Anybody Out There Even Care es una canción contra la guerra. The Mr Cab Driver se basa en su experiencia con un taxista racista que se negó a llevarlo.

El ritmo estimulante está dictado por un bajo muy activo. Termina con un solo de guitarra blues.

Rosemary, con guitarra acústica, armónica y órgano, tiene un punto de vista religioso sobre una niña que fue abandonada por sus padres.

Este es un álbum inspirado en el frente lírico y musical. 

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OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (1986)

Round Midnight no es realmente un álbum de Hancock; es una banda sonora que él produjo, y uno de los mejores discos de jazz de los años 80, que fueron tiempos oscuros para el jazz. Aquí, una buena película fue acompañada por una buena banda sonora - era casi imposible equivocarse con esta alineación: Chet Baker, Trompeta y Voz; Lonette McKee y Bobby McFerrin, Voz; Ron Carter y Pierre Michelot, Bajo; Tony Williams y Billy Higgins, Batería; Bobby Hutcherson, Vibraphone; John McLaughlin, Guitarra; Herbie Hancock y Cedar Walton, Piano, Wayne Shorter y Dexter Gordon, Sax (Soprano y Tenor), y Freddie Hubbard, Trompeta. Herbie Hancock hizo un buen trabajo como productor. Lonette McKee da una maravillosa actuación en la canción de Gershwin How Long Has This Been Going On?, al tiempo que Bobby McFerrin en la canción principal y Chet Baker en Fair Weather.

La pista absolutamente más destacado del álbum es una interpretación emocionante de la canción de Jimmy Rowles, The Peacocks: con el apoyo de Ron Carter y Tony Williams, el equipo de ensueño Herbie Hancock/Wayne Shorter es un sueño hecho realidad aquí, especialmente la actuación de Wayne Shorter es uno de sus mejores momentos registrados: retrata al pavo real, puedes verlo literalmente y como una alegoría: payaso, burlón y profundamente triste. Pulsa aquí

DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Sorprendentemente, esto es en realidad de la misma calidad que Red Headed Stranger y sin duda se clasifica como uno de sus mejores álbumes de todos los tiempos.

Es un testimonio de lo mucho que un productor puede mejorar a un intérprete: Daniel Lanois acababa de ayudar a Dylan a hacer su disco de regreso Time Out of Mind y la calidad de eso todavía se muestra aquí (aunque Teatro no es un regreso como tal ya que Spirit era tan bueno). 

La voz de Willie todavía suena tan bien como siempre y la instrumentación de este álbum es probablemente una de las mejores que he escuchado en un entorno country, especialmente la batería.

La batería es completamente un punto culminante aquí y los fanáticos del tambor casi pueden ignorar el resto de la música y centrarse en los ritmos.

¡Pero no lo hagas! Este es un gran álbum con algunas de las mejores canciones que Willie ha hecho y también tiene algunas de las mejores producciones de la historia. Pulsa aquí

ROCK&ARTE 10

La portada del álbum "Appetite for Destruction" de Guns N' Roses es conocida por su impacto visual y ha generado cierta controversia a lo largo de los años.

Fue diseñada por el artista Robert Williams y presenta una ilustración provocativa que representa un robot metálico con rasgos humanoides que ha sido atacado y derrotado por una especie de monstruo mecánico.

El cuadro elegido es de 1978, tiene un estilo similar al de los cómics y se titula Appetite For Destruction. Williams retrata a una mujer que supuestamente fue violada por un robot. Por encima de los dos, un monstruo de metal se lanza para castigar el crimen.

Aunque con cierta perplejidad, el álbum se pone en el mercado, pero muchas tiendas se niegan a venderlo debido a esa imagen demasiado explícita. Poco después, la cuchilla de la censura cae y el disco se retira.

La elección de esta portada fue motivo de disputas con la discográfica Geffen Records en ese momento. Algunos consideraron que era demasiado gráfica y ofensiva, lo que llevó a la discográfica a lanzar una versión alternativa con una cruz y calaveras que se convirtió en la portada oficial durante algún tiempo.

La portada original, diseñada por Robert Williams, finalmente se restableció como la imagen principal del álbum en 1988. Aunque inicialmente polémica, ha llegado a ser reconocida como parte integral de la identidad del álbum y ha dejado una marca duradera en la historia del arte y la cultura del rock.Pulsa aquí

DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Cuando los Ramones finalmente terminaron en 1996, después de

más de 20 años como la banda más trabajadora y menos afortunada del punk/rock, ¿quién podría haber previsto la tragedia que se avecina? En 2004, Johnny, Joey y De De estaban muertos; las verdades feas surgieron en los libros y las películas; y en una ironía típicamente cruel, su legado en la muerte supera con mucho su éxito en la vida real.

El sendero se enfrió mucho. Pero aquí, después de interminables disputas legales y trucos de estudio.

Es un recordatorio de los días de gloria y de lo que podría haber sido.

Dulce vulnerabilidad y creciente himno, sentimentalismo y guitarras de ametralladora,... ¿sabes? Cortes profundos, con el mejor canto y las melodías más astutas de su carrera. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Uno de los mayores ídolos adolescentes de finales de la década de 1950 y principios de la década de 1960, Paul Anka se mudó a la esfera adulta varios años más tarde y se convirtió en un exitoso intérprete, compositor, empresario de la música y artista de grabación, permaneciendo hasta bien entrado el nuevo milenio. Tuvo su primera canción de éxito con "Diana" de 1957, que llegó al número dos en los EE. UU. Hot 100 y todo el camino hasta la cima de la lista de sencillos en el Reino Unido. Después de una serie de éxitos posteriores, finalmente encabezó la lista de sencillos de EE. UU. con "Lonely Boy" de 1959 antes de perderse en el primer puesto con "Put Your Head on My Shoulder" el mismo año. Pulsa aquí

DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Uno de los principales grupos  de rock del sur de los años 70, la Marshall Tucker Band combinó rock, country y jazz, y presentó pasajes instrumentales extendidos en los que brillaba el guitarrista principal Toy Caldwell.

La banda se formó en Spartanburg, Carolina del Sur, en 1971 por el cantante Doug Gray, el guitarrista Caldwell, su hermano bajista Tommy Caldwell, el guitarrista George McCorkle, el baterista Paul Riddle y el reedista Jerry Eubanks.

El grupo de seis miembros firmó con Capricorn Records y lanzó su álbum debut, The Marshall Tucker Band, en marzo de 1973. Obtuvieron reconocimiento a través de una gira con la Allman Brothers Band y encontraron un éxito significativo durante el transcurso de los años 70, con la mayoría de sus álbumes entrando en oro.

Su punto máximo llegó con el álbum millonario Carolina Dreams y su sencillo Top 15 "Heard It in a Love Song" en 1977. Pulsa aquí

DIRECTISIMO 117

ESPECTACULAR directo con momentos verdaderamente mágicos donde Leonardo (a sus nada menos que casi 75 años) demuestra tanto su gran capacidad interpretativa como que, pese a lo discreto de sus últimos discos, tiene un fondo de armario de canciones impresionantes y de una calidad poética absolutamente anonadante .

Además incluye algunos sutiles arreglos interesantes sobre temas clásicos que dan una nueva perspectiva a canciones eternas (nada del nivel de la deconstrucción dylaniana que nunca me gustó pues siempre pensé que era mero narcisismo).Pulsa aquí

DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Grabado en dos sesiones de 1958 y 59, "Home Cookin'" encuentra al organista Jimmy Smith haciendo lo suyo en arreglos de trío y cuarteto. La sección rítmica consiste en los colaboradores comunes de Smith, el guitarrista Kenny Burrell y el baterista Donald Bailey, mientras que el saxofonista tenor Percy France también aparece en tres de las pistas.

Como es de esperar, Smith se adhiere al blues y a las progresiones simples sobre un swing profundo. Burrell y Bailey parecen conocer sus papeles y desempeñarse bien, por lo general se adhieren al fondo y simplemente ayudan a la interpretación profundamente oscilante de Smith. Francia toca el estilo razonablemente bien, aunque parece muy limitado a las licks y frases de tipo blues, tipo "jump jazz". Sin embargo, él y Smith hablan el mismo idioma y la simplicidad y previsibilidad de su juego atractivo y divertido intercambio de frases entre él y Smith. Pulsa aquí

LA MALDICIÓN DE LOS “ONE HIT WONDER” 12

Steve Forbert, nacido en Mississippi, ganó reconocimiento con su álbum debut "Alive On Arrival" en 1978. Su canción "Romeo's Tune", inicialmente excluida de ese álbum, se convirtió en un éxito en 1980, alcanzando el puesto 11 en las listas. Grabada varias veces, finalmente se incluyó en su segundo álbum, "Jackrabbit Slim". Forbert, comparado a menudo con Dylan, es un prolífico compositor y intérprete en los géneros folk y americano, con una carrera que continúa desde entonces. La canción sigue siendo memorable y ha sido versionada por artistas como Keith Urban. Su autobiografía, "Big City Cat: My Life in Folk Rock", se publicó en 2018. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Puedes sintonizar con ellos o no, que te gusten, a secas, esperar devotamente su próximo disco, admirarlos ciegamente y besar por donde pasan.

O no poder con ellos, que te parezca siempre lo mismo, la misma letanía pomposa, la misma impostura de quien pretende pasar por interesante. Pero es necesario reconocer que saben hacer las cosas.

Podían haber aprovechado el momento mainstream para lanzarse en los brazos de la industria, convertirse en omnipresentes de todos los premios y portadas de revistas, encontrarnos hasta en la sopa la cara rota de Yorke, hablar de su influencia con tono sesudo y sentirte que entiendes con tus amigos.

Pero no creo que sea eso lo que buscan.

Ni siquiera el oro que todos pretenden. Buena prueba han dado de ello, compartiendo discos de forma gratuita y ofreciendo streamings de sus directos.

De acuerdo, dan esa imagen de estar por encima del bien y del mal que a veces repele o tiende a no caer simpática.

Aunque tampoco creo que sea eso lo que persiguen.

De acuerdo, lo están, más allá de todo, pero da la impresión que lo hacen porque juegan en otra liga.

La que les permite preservar su estilo. Tienen hecha su afición, que les sigue y adora allí donde vayan, y con eso ya tiran. 

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1974’s # 1 UK ALBUM

5.1.1974-18.1.1974 

El disco no fue bien recibido por la prensa, que lo catalogo como uno de los más grandes excesos del Rock Progresivo, pero el disco fue éxito de ventas, al igual que su tour, donde los medios destrozaron su impronta experimental con malas reseñas. Rick Wakeman era el más descontento en esos años, tanto así que se dice que durante uno de los conciertos el tecladista dejo sus labores para comer curry en pleno concierto. Pero al paso de los años dijo haberse encantado con el disco después de muchas escuchas, un disco que cuesta digerir al principio, pero que termina por encantar. En 1974, Wakeman abandona la banda al finalizar la gira, lo cual da paso a otro tiempo de cambio en la banda, cuya credibilidad pendía de un hilo, aun cuando su disco doble es una de sus joyas mas debatidas, a opinión mía, el autor, es un disco maravilloso que como bien dijo el tecladista, es difícil de digerir

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

La etiquetita parece que le sobra a la Badu. Eso del neo soul nunca lo compartió ni lo entendió. Pero es que de alguna forma hay que llamar a esta barbaridad de bajos tersos como la noche y percusiones calientes, espaciadas y absolutamente perfectas. Y qué decir de su gracia vocal, que la emparenta con las más grandes. Nombrar a Billie Holiday o Aretha Franklin no es ningún pecado, a pesar de que no impresione tanto como ellas. Erykah tiene la sutileza, el control y la pureza necesarias para sonar como las grandes cuando y como quiera. Punto.

Dicho esto, me gustaría indicar una vez más que no hace falta llegar a la hora y cuarto para expresarse. Es cierto que poco sobra aquí. Casi todo está más que justificado, pero me repito, lo sé, y tengo que hacerlo cuando raspo unas décimas a su tasación y le quito la posibilidad de instalarse entre mis obras maestras. Algo que no le importa a nadie y con razón. Más si cabe con este discazo que ruge entre unas músicas que perrean con el jazz y el R&B del nuevo milenio con una gracia y un empuje inmaculados.

"Mama's Gun" es una prueba apabullante de talento en todas sus facetas. Su sonido negro y moderno, cortesía de una pléyade de productores demasiado amplia como para ser glosada, es un triunfo del trabajo de estudio. Pero es que su detallismo compositivo y arreglístico, sin entrar nunca en lo rebuscado o lo ampuloso, lo hacen un clásico contemporáneo en toda regla. Hay quien dice que no es su mejor álbum. Esta obra tiene que batirse el cobre con el debut, "Baduizm" (1997) y con "New Amerykah Part One (4th World War)" (2008). Para mí ha sido mi primera inmersión y no puedo esperar a seguir buceando entre sus otras maravillas.

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