jueves, 30 de junio de 2022

DIRECTISIMO 42

Hay mucha gente que no sabría nombrar cuatro canciones popularizadas por el Killer, pero eso es apenas una muesca en su reputación; lo que la cimenta es que casi todo el mundo sabe por qué el escándalo que se cernió sobre la gira británica de 1958 torpedeó su carrera.

Por fortuna, la boda con su prima de trece años Myra no acabó con Jerry Lee. Simplemente lo soterró, de manera que al margen de los ojos del gran público pudo grabar uno de los conciertos más salvajes de la historia del rock’n’roll.

Llegó al Star Club en abril de 1964, mientras la mejor banda que jamás había tocado en ese local hacía las Américas. Lewis venía de una gira en Gran Bretaña con otro grupo de Liverpudlian, los Nashville Teens; a estos los contrataron en Hamburgo, y él se les unió por una noche.

Los años de la larga travesía por el desierto se le caen de golpe a este veterano de treinta años desde que arranca con «Mean Woman Blues». Cómo no, el taburete del piano quedó hecho astillas ya al final de la primera canción. ¿Entradas y finales a tiempo? Ni por asomo.

La banda apenas puede tocar al ritmo de Lewis durante los veinte minutos iniciales, que también incluyen «High School Confidential» y quizá la versión definitiva de «What I’d Say», donde desaparece cualquier rasgo de gospel para dar cancha libre a una lujuria anfetamínica.

El final del show es pura anarquía destilada: «Hound Dog», «Long Tally Sally» y «Whole Lotta Shakin». ¿Sobrecargado? Esto es rock como Dios manda: más aprisa, sin el menor respiro y más poseído y frenético que cualquier otra cosa en el mundo, casi hasta la llegada de los Ramones. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Lo que se hace evidente inmediatamente al escuchar el debut en solitario de Keith Richards, Talk is Cheap, es que muchas de las características que a la gente le encantan de los Stones en su mejor momento provienen principalmente de él.

Ese espíritu clásico de rock and roll que Richards encarna es lo que hace que la banda sea tan genial. Pero entonces, lo que también se hace evidente es cuánto necesita Keith a Mick Jagger. No porque no sea el vocalista más fuerte que hay (que ciertamente no lo es), sino porque lo que Mick trae a la mesa son los ingredientes más exóticos, experimentales y oscuros.

Cuando se le permite entrar y explorar algunos de sus propios intereses, hace que los Stones se conviertan en un grupo más distintivo y original que un simple combo de rock and roll.

Pero eso lleva a por qué Mick necesita a Keith, porque sin Keith para basar las cosas en el espíritu de rock conduce a muchos callejones sin salida y oportunidades perdidas. 

Pero todo eso se relaciona con la única verdad que subyace a todo lo demás, que es que no importa cuánto Keith y Mick se necesiten mutuamente, más que nadie, los dos necesitan a The Rolling Stones. 

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miércoles, 29 de junio de 2022

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Debo decir que siempre tuve debilidad por Collins, que nunca fue genial o una gran estrella en primer lugar, podría haber sido una pequeña estrella centelleante en la era folclórica de la década de 1960 y haber trazado ocasionalmente, pero nunca tan grande como Báez, por ejemplo, pero para mí es maravillosa y siempre disfruté de todas sus grabaciones.

Este fue un álbum folclórico interesante y muy hermoso, grabado como un puente entre su temprana obra folclórica tradicional y la música artística a la que recurrió más tarde: cubre tres canciones de Bob Dylan, algunos Gordon Lightfoot, Phil Ochs y Richard Farina, siempre muy serias pero mágicas de escuchar y su voz me hace tararear .

Sus primeros álbumes al principio era mucho más contundente y más tarde cambió su enfoque, se adelantó y descubrió que no siempre es necesario gritar: la gente realmente escucha más si susurras y es en esta dulzura que su voz suena mejor.

Su quinto álbum comienza alegre y alegre con rasgueo suavemente , pero el resto del disco es más lento e inquietante con algunos aspectos destacados realmente geniales como "So early, early in the spring", "Early morning rain" o "Thirsty boots", música muy bonita perfecta para escuchar por tu cuenta y sí, incluso podría tener algún efecto curativo, ya que aporta calma y tranquilidad al oyente.

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CLÁSICOS DEL ROCK 102

Billy Paul , uno de los grandes vocalistas del Sonido de Filadelfia. "Me and Ms Jones" es casi un Himno de mi infancia . Pero me quedo con el trance de "Am I Black Enought for You" , un Manifiesto Negro , politico , frontal , Irreverente , Genial , con instrumentaciones funky de altos vuelos.

Es una producción de Gamble and Huff, pero el álbum para mí tiene más en común con algunas de las grandes producciones de los Isley Brothers desde principios hasta mediados de los 70 que con mucha alma de Filadelfia.

Las voces de Paul son buenas, puede cantarlo con pasión, así como darle los suaves tonos de amante... a menudo en la misma canción como en el clásico "me and mrs jones" Pero también parece igualmente feliz de perderse en las canciones más duras aquí como "i'm a prisoner" y "am i am i enough black for you"? O fusionando jazz,y soul en versiones como "es demasiado tarde" y Eltons "tu canción".

Un álbum de soul bien organizado e interpretado de principio a fin.


¿Alguna vez te encuentras con un álbum que te gusta, un álbum que sabes que te debería gustar, pero parece que no puedes superar el hecho de que el artista es uno que no te importa? Este es el problema con el que me encuentro con este álbum. Si este álbum fuera interpretado por alguien que no fuera Rod, o si hubiera estado vivo para escuchar esto cuando se lanzó por primera vez, probablemente me encantaría. Pero desafortunadamente, cada vez que escucho la voz de Stewart, todo lo que puedo escuchar es "Da' Ya' Think I'm Sexy?" Y me mata todo el álbum. Tal vez algún día pueda superar el sesgo negativo que tengo para Rod Stewart que fue creado por una sola canción, pero hasta entonces...


Parachute es mi primera experiencia auditiva Pretty Things de larga duración (sí, siempre estuve más interesado en esto que en S.F. Dolor). Es parcialmente en blanco y negro, mientras que algunas de las canciones son prácticamente hard rock y no me gusta mucho ese tipo de música. Por suerte, algunas de las canciones son muy buenas. Mis canciones favoritas incluyen "In the Square", "Letter", "Grass", "She's a Lover" y "Parachute", mientras que "The Good Mr. Square", "She Was Tall, She Was High", "Rain" y "What's the Use" también son bastante agradables. En general, Parachute es del Reino Unido de los 70: combina un par de pistas de Reflections of The Marmalade, un par de números del álbum homónimo de T'Rex, un número de los Rolling Stones y algunas grabaciones excéntricas de una banda de covers llamada The Black Sabbeatles.


Gil Scott-Heron fue un poeta y músico estadounidense, conocido principalmente por su trabajo de finales de la década de 1960 y principios de la década de 1970 como intérprete de palabra hablada, asociado con activistas militantes afroamericanos. Heron es quizás más conocido por sus poemas/canciones "The Revolution Will Not Be Televised" y "What's the Word - Johannesburg", un movimiento golpeado durante el movimiento universitario y nacional de desinversión de Sudáfrica de la década de 1980 en los Estados Unidos de América.


Fiel a la fuente y a una enciclopedia de R&B/rock'n'roll totalmente devota y caminante que la caminó como si lo hubiera hablado desde que llevaba pantalones cortos, John Malcolm Rebennack (alias conocidos: Mac, Dr. John, Dr. John Creaux, The Night Tripper) estaba tan intensamente alimentado por la sed de música y todo lo demás que comprendía el freewheelin',  la renombrada y loca escena musical de edredón de su ciudad natal de Nueva Orleans que a principios de los años sesenta ya había tocado en una sucesión de grupos, así como escribiendo, produciendo y arreglando innumerables pistas a pequeños sellos.

Dr.John realmente tenía una sed insaciable, como si su constante soplo de una fuente muy abundante de rock and roll solo se evaporara instantáneamente una vez que golpeaba su cerebro musical ardiente.


La banda ha cambiado su estilo a una dirección aún más sinfónica. Todavía hay algunos elementos psicodélicos, pero no tanto como sus tres álbumes anteriores incluidos. "Holy Are You", "General Confessional" y "The Adoration" son los aspectos más destacados. Todas esas son muy buenas pistas. El resto del material es más débil, pero no llamaría mala a ninguna de estas canciones.

Release of an Oath, pero este álbum tiene aspectos más destacados. Ambos están bien y son bastante entretenidos, pero el mejor disco que hizo este grupo fue su segundo álbum Underground. 

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martes, 28 de junio de 2022

1968’s # 1 UK ALBUM

Mientras otros grupos como los Kinks, Zombies, Tomorrow o Pretty Things recibían la total indiferencia por parte del público lanzando algunos de los mejores discos de la historia, los Small Faces llegaban al número uno con este Ogdens, su álbum más experimental y logrado, lejos eso sí del nivel de los nombres mencionados. “Afterglow” es su tema más memorable, “The Journey” es por lejos lo más psicodélico y atmosférico que jamás hicieron, pero hay también toques más duros y el inevitable music hall. En cuanto a la idea conceptual en la segunda mitad, las narraciones cómicas más que aportar distraen, aunque eso aquí poco importa si la música sigue siendo igual de inventiva.

Una mezcla totalmente psicodélica y delirante que suena a algo intermedio entre Nirvana (la banda de los '60) y el Zappa de esa misma década. Con canciones muy interesantes, y cosas que dependen de nuestro humor (aunque es música que tiende naturalmente a mejorarlo). Un descubrimiento muy interesante... 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Para la grabación de Release of an Oath ya no quedaba ningún integrante de la formación original del grupo, siendo más un proyecto conjunto de David Axelrod, Dave Hassinger y Lenny Poncher, quienes mantuvieron el nombre Electric Prunes reclutando músicos nuevos y otros de sesión. Siguiendo con el concepto religioso iniciado en el genial Mass in F Minor, en esta oportunidad usan una oración judía (Kol Nidre) para crear esa original fusión de rock con textos religiosos, ahora cantados en inglés en vez de latín.

A diferencia de su anterior álbum, aquí las cuerdas, bronces y órganos resaltan más en detrimento de las singulares guitarras que caracterizaban a Mass, lo que no significa que no esté exento de brillantes y ácidos solos en “General Confessional”, “Closing Hymn” y sobre todo en “Holy Are You”. Si alguien deliró con la extrañeza de Mass in F Minor esto es más de lo mismo, un cuarto de hora un poco más estilizado y tranquilo, claro precedente de los primeros trabajos solistas de Axelrod, que mantienen una base rock pero dándole mayor importancia a los arreglos y las atmósferas. 

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lunes, 27 de junio de 2022

1964’s # 1 USA ALBUM

Meet the Beatles fue el debut de los Beatles en el mercado estadounidense, al menos en el sello discográfico Capitol. Presentando... los Beatles habían sido emitidos un año antes por Vee-Jay, y como resultado, Capitol no tenía los derechos para publicar esas grabaciones en ese momento. (Más tarde compensarían esto con The Early Beatles de 1965). Como resultado, Meet the Beatles deriva principalmente del segundo álbum de la banda en el Reino Unido, With the Beatles. Sin embargo, hay algunas otras diferencias clave entre estos álbumes.


La primera y más obvia diferencia es la lista de canciones. Meet the Beatles comienza con el sencillo extremadamente exitoso "I Want to Hold Your Hand", una canción que no aparece en ningún álbum en el Reino Unido debido a que se grabó poco después de las sesiones de With the Beatles. Esta canción es un clásico absoluto y funciona muy bien como el tema que abre el álbum 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

El álbum debut de Arcade Fire, me ha dejado impresionado desde su calidad letrística hasta su imaginación musical, por el concepto del disco, hasta lo conmovedor de su perspectiva acerca de la muerte, que, lejos de ser un oscuro pasadizo de lágrimas camino a la resignación, se vuelve un viaje de conocimiento y entendimiento. 


A mi parecer, si así fuera todo el pop (y como el de Talking Heads, Bowie, Elliott Smith, Beck, Pulp, etc.) yo sería un enamorado del pop y sin pedos estaría inundado de sus producciones. De mientras, estoy contento de haber descubierto a Arcade Fire y ya espero poder checarme sus otros discos, los cuales, no dudo que también me traigan algo chingón que vivir. Viva Funeral. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Después de haber perfeccionado sus primeros pasos como guitarrista y pianista en los clubes nocturnos y estudios de música de su ciudad natal de Nueva Orleans, el joven Mac Rebennack se dirigió al oeste a Los Ángeles y comenzó una carrera como músico de sesión.

Trabajando con otro trasplante de Nueva Orleans, el director musical de Sonny & Cher, Harold Battiste, Rebennack, aprovechó el tiempo de estudio no utilizado que el exitoso dúo de pop había donado y grabado amablemente Gris-Gris, un álbum de rock pantano psicodélico lanzado bajo el disfraz de "Dr. John Creaux, el Viajero Nocturno".

Rebennack se tomó en serio el seudónimo, inspirado en un verdadero sacerdote vudú del siglo XIX, y comenzó a actuar con túnicas y tocados emplumados escandalosamente coloridos.

Incluso en medio de los experimentos musicales de finales de los años 60, el disco se destacó, atrayendo la atención de personas como Mick Jagger, Eric Clapton, Van Morrison, Mike Bloomfield, Art Blakey, The Band y otros que fueron invitados a los álbumes de Rebennack o lo invitaron a tocar en los suyos. 

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domingo, 26 de junio de 2022

SALÓN DE LA FAMA 21 (2006)

José Sánchez y Antonio Martínez 


La primera década de existencia del Hall no tuvo un sesgo cultural tan abrumador evidente y vio incorporados de la mayoría de los orígenes y estilos de rock 'n' roll, como cabría esperar, ya que mucho más había aparecido en las ondas AM con todo incluido que dominaban esas épocas, permitiendo que toda la música se exponga por igual a una generosa muestra representativa de oyentes, incluidos los votantes. Pero desde que los artistas de los años 70 se convirtieron en elegibles hace diez años, esta tendencia de omitir candidatos calificados ha golpeado desproporcionadamente a los artistas negros, tal vez el resultado de las listas de reproducción duraderamente racistas de la radio FM que han sesgado la atención sobre los artistas basados en guitarras blancas desde entonces a expensas de todas las demás. Los votantes varones predominantemente blancos reflejan esta visión estrecha y miope del rock en sus elecciones de este año.


En particular, tres de los candidatos más cualificados en la boleta electoral de este año que se quedaron inexplicablemente excluidos eran negros. La leyenda del soul y el funk, Joe Tex, él de 28 U.S. Éxitos en la lista pop (¡o diez éxitos más que el total combinado de TODOS los inscritos de este año!), las superestrellas de la discoteca Chic, que además de definir un sonido y una era como intérpretes también produjeron numerosos éxitos para otros, y los pioneros del rap Grandmaster Flash & The Furious Five, cuya falta de votos necesarios el año pasado plantearon al angula  polémica. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA


Un álbum fantástico de Gil Scott-Heron, que nos regala Reflections 


Gil Scott, en 1981, estaba en rancha, y su confianza se muestra. Aunque los instrumentales pueden ser un poco habituales, siguen siendo resbaladizos y geniales. "Storm Music" es la toma de Gil (tanto instrumental como líricamente) sobre el reggae, y comienza el álbum con información. "Grandma's Hands" es una versión conmovedora del Bill Withers, con el canto sutil y amoroso de Gil. "Is That Jazz" es otra pista sólida, con una sensación suave y, bueno, jazzística. "Pensamientos de la mañana" termina el primer lado en una nota cansada pero pacífica. "Inner City Blues" comienza con el mismo tono, con el funk vadeando en la mezcla. Sin embargo, en medio de esta portada de Marvin Gaye, Gil gira en un poema excelentemente cínico, lanzando las primeras notas de descontento al álbum. Este tema continúa en "Gun", otra melodía funk, esta vez criticando a los defensores de los derechos de las armas. 

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sábado, 25 de junio de 2022

SUREÑOS DEL NORTE AL SUR 102

El bluegrass (literalmente, "hierba azul") es un estilo musical incluido en el country que, en la primera mitad del siglo XX, se conoció como Hillbilly. Tiene sus raíces en la música tradicional de Inglaterra, Irlanda y Escocia, llevada por los inmigrantes de las Islas Británicas a la región de los Apalaches, aunque sufrió también influencias de estilos musicales afroamericanos, principalmente el jazz y el blues.

El nombre bluegrass procede del nombre del área en que se originó, llamada "región Bluegrass" (Bluegrass region), que incluye el norte del estado de Kentucky y una pequeña parte del sur del estado de Ohio. A su vez, la región tomó su nombre de la palabra "bluegrass" ("hierba azul"), nombre común de la poa de los prados, una gramínea del género Poa, frecuente en la zona. Bill Monroe, llamado el "padre del bluegrass" fundó en 1939 el grupo Blue Grass Boys, cuyo nombre era un homenaje a su estado natal, Kentucky. Este es el origen de la utilización del término para designar el estilo musical. El término no se popularizó en Estados Unidos hasta los años 50, siendo conocido anteriormente como Hillbilly. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Terminan los 60’s y atrás queda el tremendo S.F. Sorrow, pero en el intervalo los Pretty Things no han perdido el tiempo como lo demuestran las excelentes canciones que grabaron bajo el seudónimo Electric Banana. Con Parachute el grupo logra lo que parecía imposible, igualar a su predecesor con un sonido que deja atrás la psicodelia y muestra la madurez que han alcanzado, apostando por un eclecticismo que como pocas veces funcionó de manera brillante. 


El álbum arranca con un notable medley conformado por breves canciones cuyos mejores segmentos muestran el lado más pop del grupo ya expuesto sin éxito en el fallido Emotions. Tras la inquietante “Scene One” vienen “The Good Mr. Square” y “She Was Tall, She Was High”, dos joyas con impresionantes armonías y melodías. “The Letter” se mantiene en la misma dirección pop, mientras la delicada “In The Square” vuelve a asombrar por su perfección. Le siguen un par de canciones en un tono hard rock más convencional para terminar con la atmosférica “Cries From The Midnight Circus”, remanente de psicodelia con densas guitarras.

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viernes, 24 de junio de 2022

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS



El debut homónimo de Van Hunt nos presenta uno de los talentos más emocionantes del soul. Olvídate de la etiqueta 'Neo-Soul' con la que a menudo lo encasilla- para estos oídos está lo más lejos posible de ese género. Claro, es suave. Pero también es conmovedor, jazzístico, blues, funky... También está lleno de grandes melodías y música real. 'Dust' me recuerda a Lewis Taylor en su mejor momento, el trío de baladas ('Seconds of Pleasure', 'What Can I Say' y 'Who Will Love Me In Winter') son todas preciosas, 'Highlights' es... bueno, un punto culminante, y el cierre 'Out Of The Sky' es un profundo funk - creo que Sly conoce a Shuggie. Unas palabras sobre las derivaciones de este álbum: seguro que hay indicios de todo tipo de influencias aquí, pero Van se las arregla para crearlas juntas para crear su propio cóctel único y sabroso. Y cuando las influencias son de tan alta calidad como lo son, ¿qué es lo que no te gusta? Uno de los mejores álbumes de soul desde los noventas hasta ahora, que no te puedes perder. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Sí, es muy fácil de escuchar, pero ¿te imaginas este álbum sin Maggie May? 

Puedo vivir sin Amazing Grace, él hace un "Reason To Believe" bastante convincente y nunca vas a hacer una versión mejor que Elvis cuando se trata de "That's Alright". Su versión de The Temptations' (I Know) I'm Losing You es una versión decente. Se parece mucho a lo que cabría esperar de un número de Rocking Faces.

Es un buen álbum sólido, puedes escucharlo todo sin ganas de saltarte algunas pistas. Para mí, sin embargo, todo se trata de Maggie May; una canción de la que no me canso, a pesar de que probablemente todos la hayamos escuchado más de mil veces. 

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jueves, 23 de junio de 2022

DIRECTISIMO 41

Un sueño húmedo de los fans con una lista de canciones, una banda más apretada que nunca y, lo que es más importante, que suena como si les encantara tocar el material. La voz de Robert Smith es uno de los elementos más sorprendentes. Puede que sean los efectos de eco que siempre ha usado, pero su voz suena mejor que nunca.

Sin embargo, lo he oído, y realmente todo esto es maravilloso, tal vez la grabación en vivo sancionada que mejor suena de The Cure. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Este álbum también contiene la canción que, a pesar de una década de álbumes y sencillos, Paul nunca pudo superar en términos de popularidad, siendo "Me and Mrs. Jones". La canción es su mejor muestra de voces, ya que un instrumental simplista en 3/4 de tiempo permite al oyente centrarse en el esfuerzo vocal empapado del alma. La canción, que introdujo al público en la música de Billy Paul, vendió más de dos millones de copias y le valió un merecido premio Grammy.

360 Degrees of Billy Paul" sin duda tiene mucho más que ofrecer aparte de la única canción que todo el mundo conoce de ella. De hecho, su única mancha es una versión de "Let's Stay Together" de Al Green, que desmonta el arreglo original hasta los huesos desnudos, lo que lo convierte en seis minutos y medio bastante aburridos. Sin embargo, reelabora inteligentemente "Your Song" de Elton John adoptando un enfoque opuesto a lo que hizo en "Let's Stay Together" al aumentar significativamente el tempo de la canción y aumentar el arreglo. 

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miércoles, 22 de junio de 2022

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

La verdadera tragedia de Tupac no es el hecho de que fue asesinado; es que alguien tan inteligente como Tupac se conformaría con un acompañamiento tan apenas adecuado. Ritmos genéricos, amigos: por eso 2 Pac se permite que Biggie incluso esté en debate. Así que seamos muy claros, ahora mismo: Tupac era inequívocamente un MC más grande y talentoso que Biggie; es el más grande de todos los raperos de gángsteres y tenía un dominio del lenguaje tan impresionante como los grandes letristas de Broadway. 

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CLÁSICOS DEL ROCK 101



Cada vez que escucho a la juventud sónica, lo disfruto, pero no sé si puedo superar totalmente el aire suave de pretensión que envuelve la música. He oído a la gente describirlos como una banda divertida y supongo que puedo ver cómo son "divertidos", pero cuando escucho un álbum de ellos, se siente como si alguien me dijera lo geniales que son durante 40 minutos 

¿Estoy loco / es este un complejo de inferioridad que se filtra? No me malinterpretes, no los odio, me gustan en general, pero siento que mis exploraciones de sus álbumes están más impulsadas por "bueno, supongo que es mejor que me familiarice con esta banda porque son importantes e influyentes" que "¡realmente me gusta esta banda!"


Estamos en 1967, el último gran año, y los Buffalo Springfield se reúnen para grabar el que sería su segundo Lp. Las relaciones personales entre distintos miembros de la banda no eran entonces idílicas. Neil, peregrino de sus "pájaras" habituales, entra y sale del grupo a su antojo, sin dar previo aviso ni razón a los demás miembros. Bruce se pasa más tiempo en las comisarías del condado que en los ensayos de la banda, sus continuas detenciones por posesión de drogas hacen de él carne de próxima deportación. Richie no se encuentra demasiado satisfecho con la deriva musical del grupo, él ya pensando en una aproximación más country-rock que aplicaría claramente en su próximo proyecto, Poco. Dewey, un mandado, ni sabe ni contesta..., no crea mayores complicaciones. ¿Y Stephen, qué pasaba con él entonces?

Independientemente del conocido "pique creativo" que siempre mantuvo con Neil (y que se manifiesta nítidamente también en este "BS Again"), Stephen era entonces el único que mantenía la llama unitaria de grupo.


A principios de los 80, en plena recesión punk, surgió en Inglaterra el movimiento denominado New Romantics. Esta etiqueta fue sinónimo para muchos de “música comercial”, “música para quinceañeros” y en muchas bocas se calificó a este movimiento de “música basura”, casi siempre visto desde la perspectiva de la obra de dos grupos adscritos; “Duran Duran” y “Spandau Ballet”. 

Muchos otra bandas que supuestamente pertenecieron a este movimiento han sido durante años denostadas sin el menor remordimiento. Siempre se ha achacado a estos grupos el abuso de sintetizadores y cajas de ritmo, las infantiles letras, una forma de vestir absurda y en general una estética recargada. 

Se puede estar más o menos de acuerdo en estas cuestiones, reconozco que en mi época odiaba a los Spandau como el que más, tampoco tragaba a los Duran Duran, con el tiempo me he dado cuenta del valor de algunos discos de aquellos.


Eurythmics debutó como una explosión a principios de los 80 y con sus vídeos creativos y un sonido oscuro sobre ritmos dance pop fue un éxito instantáneo. Sweet Dreams era como una canción definitoria de esa época cuando MTV y los vídeos se hacían cargo de la escena musical.

Por supuesto que nunca escuché sus álbumes, ya que tuvieron suficientes éxitos durante ese tiempo y mucha otra música para elegir. Ahora, 37 años después, tratando de explorarlos un poco más, decidí escuchar este álbum.


Seré sincero, me gustan los Eagles. Desperado ha sido uno de los favoritos durante mucho tiempo. 

Créame.

Pero entonces, tratar de escuchar este álbum en su conjunto es una experiencia horrible. Incluso se puede escuchar el lubricante en sus instrumentos.

Sin ofender, eran los años 70. Nadie recuerda esa mierda. Por eso venden tantos discos, ¿verdad?.

Grandísimas canciones aquí como Tequila Sunrise, Saturday Night, Desperado o Doolin Dalton.

Para muchos, el mejor disco de los Eagles, incluso mejor que Hotel California.


Después de esto... bueno, ¿qué es peor que los rockeros blandos vaya envejeciendo ? "Home on a Monday" y "Happy Anniversary" son un poco fuertes, empapados en cuerdas y armonías, pero se están sumergiendo en terrenos tibios en el mejor de los casos.

Si te gusta la música más suave de los años setenta, como tal vez más tarde Eagles o Chicago, probablemente estés conectado para LRB. Sin embargo, la mayoría de nosotros, no somos así. ¿Por qué los chicos más felices y simpáticos hacen el Rock más aburrido? Sin embargo, si te gusta el pop clásico de los años setenta, podrías probar los primeros cinco mencionados.

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martes, 21 de junio de 2022

1968’s # 1 UK ALBUM

El primero de toda una serie de álbumes póstumos de Otis Redding, que consiste en toda una serie de sencillos más antiguos, caras B, pistas inéditas.

Oh, sí, y por supuesto la canción principal, ciertamente en su simplicidad y franqueza, una de las canciones más inusuales de Redding, más folk que soul.

Las pistas restantes, por otro lado, en realidad parecen un poco sobrantes y no están entre las mejores de Otis, con la excepción del "Tramp", una divertida batalla de palabras entre Otis y Carla Thomas (a la "Say Man" de Bo Diddley). Por encima de todo, sin embargo, se puede decir que las canciones se reunieron de diferentes fuentes, lo que realmente nunca pone en marcha el álbum. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Little River Band fue uno de los primeros grupos australianos en lograr un gran reconocimiento internacional, anotando trece éxitos en el Top 40 de EE. UU. y vendiendo más de 25 millones de discos en todo el mundo. En honor a estos notables logros, Little River Band fue incluida en el Salón de la Fama de la Asociación Australiana de la Industria de la Grabación (ARIA) en 2004.


Las primeras semillas de Little River Band se sembraron en Londres a finales de 1974, cuando los expatriados australianos y los miembros de Mississippi Beeb Birtles, Graeham Goble y Derek Pellicci conocieron a Glenn Shorrock y al ex bajista de The Masters Apprentices Glenn Wheatley, que ahora se había trasladado a la gestión. Con los cinco planeando regresar a Melbourne, acordaron reunirse de nuevo a principios de 1975 con vistas a formar un nuevo grupo. 

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lunes, 20 de junio de 2022

1963’s # 1 USA ALBUM

En la década de 1960, los terrenos más fértiles de Estados Unidos tendrían que ser Greenwich Village, un barrio del oeste de Manhattan. Había un montón de beatniks y artistas hambrientos viviendo y trabajando allí, todos buscando hacer algún tipo de declaración generacional en una de las décadas más tumultuosas de la historia de los Estados Unidos. Se podría argumentar que la contracultura de los años 60 surgió de Greenwich Village, al igual que muchos de los actos musicales más grandes de la década, siendo uno de los más talentosos Bob Dylan. No deja de repetir que, como letrista, Bob Dylan es básicamente incomparable. Ha escrito letras agudas y cortadas sobre todo, desde males sociales en los años 60 hasta su propio amargo divorcio, ha pasado por toneladas de fases diferentes y cambios de estilo, y tampoco fue poco apreciado en su tiempo. Sus álbumes se vendieron bien, y "Like A Rolling Stone" llegó al #2 en el Hot 100 en 1965. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

The Score fue uno de los álbumes de rap crossover de mayor perfil de la década de 1990 en la línea socialmente consciente a la Digable Planets, pero aparentemente más amigable con el consumidor con las versiones de Roberta Flack y Bob Marley. "Ready or Not", con sus voces fuertes y distinguidas de Lauren Hill y su ritmo rápido, encajaban perfectamente para el ambiente musical de la jungla, ya que era un enorme bootleg luego un remix legítimo, y la memoria personal más indeleble de este álbum, que ya no forma parte de mi colección de escucha regular debido a mi reciente alejamiento del rap/hip hop 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Un sólido clásico del country-rock. Es difícil negar el talento que tenía esta banda; todos músicos altamente competentes que podían cantar y escribir grandes canciones álbum tras álbum. Puede que este no sea mi conjunto favorito de canciones de Eagles, pero la música resiste la prueba del tiempo, especialmente cuando Desperado se escucha en su totalidad, de principio a fin. Esto se erige como una especie de álbum conceptual, con un flujo interesante desde las pistas más suaves/lentas, hasta los rockeros de medio tiempo y de ida y vuelta. La naturaleza acústica de este, el segundo álbum de los Eagles, es lo que crea una atmósfera occidental clásica. 

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domingo, 19 de junio de 2022

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS 65 (Quincenal)



Autoproducido, el álbum encontró a Hardin y Fenwick responsables de la mayor parte del material. El homónimo Davis contribuyó con dos canciones, mientras que el baterista York añadió una. El resultado encontró que la banda actualizaba su sonido para reflejar una mezcla fortuita que cubría el espectro desde el blues hasta los movimientos teñidos de country y los movimientos de boogie y rock más convencionales.


Discoteca muy, muy sabrosa de grupo Space. De alguna manera, siento que el frío y exitoso sencillo "Magic Fly" no es la mejor pista del grupo y no hay una pista que no entregue desde el malhumorado "Ballad for Space Lovers" hasta el altísimo "Fasten Seat Belt" sea de misma calidad. Incluso la pista vocal fuera de lugar, "Carry On, Turn Me On", tiene un ritmo de piano eléctrico orgánico, sofisticado y muy satisfactorio. En gran medida exagerado y muy irónico, Magic Fly logra transportarme a otro estado de ánimo.


Este es el álbum de Muse que pasó de ser un fenómeno del Reino Unido a un grupo reconocido mundialmente, es decir, que es definitivamente más accesible que los dos anteriores, pero de ninguna manera comprometedor.

De hecho, me atrevería a llamarlo su álbum más progresivo cuando se trata de estilo y composición, con muchos fans del Progresivo y artistas modernos de Progresivo que también lo aprecian.


El álbum debut de Seal es uno de fuerte nostalgia infantil por mí, pero también uno que he llevado activamente conmigo a lo largo de mi vida porque realmente creo que es genial fuera de los recuerdos adjuntos a él.

La mezcla de R&B, soul y pop de Seal a veces está impulsada por el bombeo de ritmos electrónicos (que dan un promedio en la casa en los puntos), mientras que en otros lugares las cosas están más desmontadas, con guitarras y cuerdas que proporcionan la base. La constante central es la voz distintivamente terrosa pero conmovedora de Seal, que muestra un rango impresionante tanto en tono como en intensidad.


Los instrumentales que respaldan la fantástica voz de Dionne Warwick también son bastante buenos. Los aspectos más destacados de Make Way para los instrumentales de Dionne Warwick vienen en forma de las secciones de metales y cuerdas utilizadas en todo el mismo. La sección de cuerdas es casi tan esencial para este álbum como la propia Warwick. Tomemos las canciones "I Smiled Yesterday" y "Land of Make Believe", por ejemplo. Por sutiles que puedan ser en ciertas partes, las cuerdas de este álbum realmente se suman al disco. Mientras tanto, el latón añade otra dimensión al lanzamiento en cortes como "Wishin' and Hopin'" y "A House is Not a Home".


Uno de los trabajos clásicos del ambient, filtrado por el kraut e incluso con algunos elementos tribales (sobretodo en la percusión). Sólo dos temas, uno por cara del vinilo: el homónimo "In den Gärten Pharaohs" con diversos momentos bucólicos, muy rítmico; "Vuh" es una extraordinaria pieza de ambient con un in crescendo absolutamente genial. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Al combinar sonidos de sintetizador con potentes melodias y una enérgica prestación vocal, el guitarrista Dave Stewart y la expresiva cantante Annie Lenox die ron la puntilla a todo el monótono electropop de in fluencia alemana de los 80. Si bien los primeros singles ( «This Is The House» y el jazzy «The Walk») no lograron prender la mecha, el asombroso corte del titulo, con su ritmo de batería, se convirtió en un éxito mundial (n. 1 en Inglaterra, n.º 2 en Estados Unidos). La base del exito fue el video. Con una Lennox de aspecto andrógino en mitad de un campo de vacas, se trataba de una clara  subversión de la cultura sexista de los 80, solo atenta a los beneficios. El efecto fue sorprendente, pues transformó a la timida pero descarada cantante en estrella de las portadas (Newsweek, The Face). 

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sábado, 18 de junio de 2022

MIRANDO LAS ESTRELLAS 3 ( VANGELIS )

Hace un mes le llegó el día de su último viaje. Partió con su nave rumbo a algún lugar entre las estrellas donde no se sentirá un extraño, les dedicó gran parte de sus creaciones, todos esos momentos de música celestial que no se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia.


Evángelos Odysséas Papathanassíou, más conocido como Vangelis (29 de marzo de 1943  Volos, Grecia -- París, 17 de mayo de 2022)


Teclista, compositor y productor de música electrónica, orquestal, ambient, new age y rock progresivo. 


Fue autor de decenas y decenas de grabaciones de música electrónica de la que se le considera un iniciador, aunque sus obras más conocidas son las bandas sonoras, Carros de fuego (ganadora del Oscar), Blade Runner, La conquista del paraíso, El año que vivimos peligrosamente, Alejandro Magno...


La banda sonora de 'Carros de fuego' fue la primera realizada exclusivamente con sintetizadores en conseguir un oscar. Su éxito  llegó hasta tal extremo que la música perdura en nuestra memoria con más intensidad que la propia historia del film.


Pero su talento se desarrolló también en otras facetas.


Creó composiciones para obras de teatro y ballet.


Fue un asiduo colaborador de la NASA  poniendo música a numerosos documentales. En su honor la Unión Astronómica Internacional dio su nombre a un asteroide.


Completó su faceta artística con la pintura realizando varias exposiciones internacionales.


Se dio a conocer a mediados de los sesenta, creando con Demis Roussos el grupo Aphrodite’s Child, una banda de pop psicodélico y rock progresivo. El joven aportaba una de sus posesiones más preciadas: su primer sintetizador con el que se formó de manera autodidacta y que marcaría toda su carrera. Su primo Demis Roussos tuvo en aquella época mayor popularidad, al ser vocalista aparecía en primer plano, pero  Vangelis, en la sombra, fue en gran parte el responsable del éxito del grupo 


El grupo pop Aphrodite's Child se le quedó pequeño y comenzó su carrera en solitario. 

A pesar de que no le gustaba exponerse a los focos y desarrollar una obra mayoritariamente instrumental, obtuvo una gran popularidad en todo el mundo.


Un artista pionero, creador de los sonidos del futuro. Nos dejó, pero por muy alejado que se encuentre , él y su música cada vez estarán más cerca de nosotros.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Para mi gusto, el mejor sonido de Japan, recordando fuertemente a Roxy Music, más que a T Rex. Japan se hicieron de un sonido emparentado al new wave británico con la voz radiante de David Sylvian en su propio camino a transmitir esas sensaciones de las que habla y las posibilidades de su guitarreo pulcro, ideal acompañante de la solidez de una base rítmica con Mick Karn y Steve Jansen que ya hace casi treinta años, dominaba rítmica complejas que tanto influyeron sobre los ejecutantes no del llamado art pop de esa década. 

Ese aire sofisticado de banda ochentera con un pop que rompía el esquema con un finito fretless en el bajo y los teclados sutiles y hasta bellos como piano en Nightporter, eran la antítesis de la moda pop te teclados cíclicos, bajos insistentes y vocalizaciones agudas y timbrantes. 

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viernes, 17 de junio de 2022

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Make Way for Dionne Warwick es el álbum más famoso de la artista pop soul Dionne Warwick. Warwick fue bastante popular durante el lanzamiento de discos como este. Realmente sorprende ver lo olvidada que está en el siglo XXI.

El principal atractivo aquí son, obviamente, las voces. Dionne Warwick debería pasar a la historia como una de las mejores vocalistas de R&B de todos los tiempos. No solo tenía una voz magníficamente suave, sino que también tenía un gran rango vocal. Canciones como "People" la ven adoptar un enfoque vocal muy suave. Otras canciones como "Land of Make Believe" ven a Warwick tomar volúmenes más fuertes y/o tonos más altos. También se las arregla para pasar de los estilos de canto muy bien. Warwick hace un trabajo realmente hermoso en Make Way for Dionne Warwick.

En general, el ambiente de todo el álbum es muy relajado. Canciones como "Reach Out for Me", "Make the Night a Little Logner" y "The Last One to Be Loved" suenan relajadas y angelicales. 

Los instrumentales que respaldan la fantástica voz de Dionne Warwick también son bastante buenos. Los aspectos más destacados de Make Way para los instrumentales de Dionne Warwick vienen en forma de las secciones de metales y cuerdas utilizadas en todo el mismo. La sección de cuerdas es casi tan esencial para este álbum como la propia Warwick.

La composición aquí también es genial. Como muchos intérpretes de la época, Warwick no escribió sus propias canciones. En su lugar, el legendario dúo de compositores Burt Bacharach y Hal David intervienen tanto con canciones originales hechas para Warwick como con canciones que habían escrito para artistas como The Carpenters. " 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Un poco más de una década desde que se lanzó el emblemático Little Richard de 1958, The Rill Thing encuentra al cantante explorando nuevos límites musicales: la canción principal, por ejemplo, es una jam de pantano de más de diez minutos, vacilando entre el doble y el medio tiempo, se ralentiza y se acelera como debería hacer cualquier acto exitoso de procreación, con un solo de "Freedom Blues" es un surco conmovedor que encuentra a Richard implorando a la gente que "actualice a nuestro gobierno", lo que suena extrañamente político, pero en realidad se trata solo de abrir tu mente y encontrar satisfacción espiritual a través del rock n' roll (tal vez como un sutil reconocimiento al movimiento hippie de finales de los años 60). Tampoco suena como el frenético wailer de los años 50, y, a pesar de que Richard tiene una de las voces más distintivas del rock n' roll, no serías un completo tonto por pensar que esta pista podría deslizarse muy bien en un disco de Joe Tex. 

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jueves, 16 de junio de 2022

DIRECTISIMO 40

No es tal vez la obra maestra y de culto que tan a menudo se quiere mostrar, ni parece verosímil la exaltación y refriegas que genera entre los fans acérrimos del grupo estadounidense. En cambio, es de recibo reconocer que Untitled presenta algunos momentos gloriosos de esta singular formación, que ni remotamente se cuenta entre las mejores de los Byrds. Destaco dos: de un lado la amputada versión en directo de "eight miles high" (aquí, en cd, son 16 minutos, originalmente... a saber, ¿el doble?, ¿el triple?), a medio camino entre unos Crazy Horse estirando "cinnamon girl", una jam cuaqluiera de Grateful Dead y los destartalados Soft Machine de mediados de los 70; por otra parte el tema que abre la sección de estudio, "chesnut mare", está a la altura de los verdaderos y, para entonces lejanos, Byrds. 


Con todo, es un disco que se disfruta sólo, las escuchas se repiten sin oposición pese a lo desbaratado de la selección y el desorden entre directo y estudio. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Sonic Youth se había convertido en sinónimo del sonido arenoso, disonante y sin ondas después de una década de lanzamientos clandestinos de rock alternativo.  Sin embargo, en junio de 1990 sorprendieron a sus fans con el lanzamiento de "Kool Thing", su primer sencillo para un sello importante.  

Pero la edición de cuatro minutos de "Kool Thing" se convirtió en una de las canciones más radiable de New York.

Renunciando a las raíces del ruido artístico de la banda en favor de un riff de guitarra melódico.

La colaboración de Chuck D surgió por casualidad, cuando Sonic Youth se encontró trabajando en el mismo estudio de la ciudad de Nueva York que Public Enemy, quienes estaban grabando su tercer álbum Fear of a Black Planet. 

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miércoles, 15 de junio de 2022

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Seal es un cantante nacido en Londres de ascendencia nigeriana y en menor medida brasileña (por parte paterna). A pesar de su difícil infancia y desestructuración familiar, se diplomó en arquitectura y poco a poco se labró una carrera como cantante, entre otras cosas por su espectacular voz. De su debut "Seal" muchos citarían las famosas Crazy y Killer, aunque no debemos olvidar Future Love Paradise y Deep Water. El estilo sería pop-soul con elementos dance, con Trevor Horn como productor, que en los años siguientes sería uña y carne con Seal. Las cicatrices en la cara de Seal son producto de un lupus. A partir del segundo álbum cortaría sus rastas y pasaría a lucir una calva, mejorando sustancialmente con "Seal II". 

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CLÁSICOS DEL ROCK 100

Un disco que habré escuchado como mil veces y que aún no me ha cansado.

Este disco representa la epoca de cambio de Coldplay, dejando a un lado los sentimientos más profundos y decantandose por las composiciones en sí, logrando un excelente trabajo en absolutamente todas ellas.

Momentos muy emotivos son las dos canciones que introducen al disco o mi favorita Lovers in Japan . La cosa continua con positivismo, que es lo que hay en todo el disco salvo algunos momentos melancolicos. Viva la Vida es un temazo como Dios manda.

El final lento y algo misterioso cierra este estupendo disco que demuestra que Coldplay tiene mucho que decir y así espero que sea por mucho tiempo.


Este cuarto LP de Magna Carta continúa de la misma manera que sus tres predecesores. El disco incluye momentos buenos y débiles. Pero este álbum contiene tal vez la mejor canción de Magna Carta de todos los tiempos, que es la canción que da título a 10 minutos de duración. Es una gran canción y fácilmente lo más destacado aquí.

El resto del material es más débil, pero sobre todo bastante escuchable y decente.

The Lord of the Ages obtiene tres estrellas de mí. Es un poco mejor que su tercer álbum Songs From Wasties Orchard y casi tan bueno como sus dos primeros álbumes. En su totalidad, no es nada excepcional, pero incluye una canción realmente impresionante.


Sigúr Rós parece poner el énfasis de su música en el crecimiento de una canción, canalizando todo hacia su crecimiento, guiando cada movimiento hacia los picos culminantes, ya sea desde un contorno embrionario hasta barridos orquestales plenamente realizados, o desde susurros de nivelación hasta explosiones dramáticas altísimas. Las series de "pequeñas aventuras" de Takk se entrelazan para formar capítulos de un todo claro y tangible; desde el sencillo "glósóli", una historia de un personaje que se despierta para descubrir que falta el sol, y luego emprende un viaje para encontrarlo (mientras suena no muy diferente al de "Con o sin ti") que deja con una resonancia limpiadora.


Se trata de música de raíces suaves de la más alta calidad. La gruñida entrega del Lower East Side de Willy Deville, el toque punky pero profesional de su banda y un álbum lleno de baladas fuertes y urbanas lo confirman. Las pistas clásicas son "Cadillac Walk", "Venus Of Avenue D" y, por supuesto, el fabulosamente atmosférico rap callejero latino "Spanish Stroll".

¿Cómo podrías fusionar rhythm & blues, funk y new wave? Pregúntale a Willie, tiene la receta para hacer que tus pies se muevan y que tu "corazón " se pare.


Si bien Vanilla Fudge puede haber reconstruido algunas versiones bien conocidas del mismo período o por ahí, la conclusión es que las canciones siguen siendo versiones, ya que la banda parece forjar una carrera de repetirlas una y otra vez hasta el punto de exagerar, se hizo casi obvio lo que la banda haría con los estándares a medida que los ralentizaban y vertían una atmósfera psicodélica ya hecha en ellos.


El gospel, el blues, el soul y el rock suenan en este disco de Aretha con una autoridad, una sabiduría y un amor de los que cuesta encontrar. Por eso después de más de cuarenta años sigue sonándonos como nos suena, sigue impresionando y sigue siendo, por derecho propio, una de las piezas más fundamentales para entender la evolución del soul moderno. Y dejándonos de paparruchas, una de las grabaciones más emocionantes que se puedan disfrutar en esta vida.

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martes, 14 de junio de 2022

1968’s # 1 UK ALBUM

Uno de los álbumes más populares de Andy, este contiene principalmente versiones versionadas de canciones populares por otro artista. Aunque estas canciones no están realmente asociadas con Andy, los arreglos suaves hacen que estas canciones sean propias de Andy. Con una versión relajada del éxito de Frank y Nancy "Something Stupid" para comenzar el álbum, crea un buen estado de ánimo para que las canciones sigan. "Kisses Sweeter Than Wine" se interpreta en un arreglo extraño y minor al que tardó un poco en acostumbrarse, en comparación con la versión original de Jimmie Rogers, que sigue siendo la mejor. "The More I See You" se interpreta en un ritmo suave de bossa nova que permite una actuación suave.

Un álbum muy satisfactorio. Bueno si eres fan de Andy.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

"Lady Soul" es un apelativo, un guante que se ajusta a una artistaza irrepetible. Un título gigantesco que no pesa ni un o cantante que haya abierto la boca. O al menos una de las más grandes, Aretha Franklin, que con este disco disolvió cualquier duda que pudiera haber sobre su valía. De todas formas no las había después de una carrera rutilante con bombazos inapelables. "Lady Soul" simplemente redondeó la jugada y la arrimó a la perfección.


Esta obra maestra se despliega sin pudor, como la interpretación vocal de la hija del predicador, de las mejores de su carrera. 

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lunes, 13 de junio de 2022

1963’s # 1 USA ALBUM

Esencialmente, lo que hace que este álbum destaque en la discografía de Wonder es que es el primero en disco que incluye voces y chico, ¿marca la diferencia? Desde el principio nos recibe la versión en vivo ampliada de "Fingertips", que resultaría ser el primer éxito de Stevie, una mermelada de soul de big band bastante contagiosa con Wonder haciendo de todo, desde cantar hasta tocar armónica y tocar los bongos. Es una canción tan animada, y evidentemente muestra a Stevie como todo un intérprete. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Uno de los grupos más significativos y de mayor evolución a lo largo de su larga carrera son el Popol Vuh de Florian Fricke.  Desde sus comienzos , a principios de los años setenta, asumieron una clara identidad con el objetivo de convertirse en un grupo atmosférico, flotante, dentro de los parámetros que muchos años después se conocerían como new age.  Esto ha hecho que muchos de sus discos hayan tenido una “doble vida”, despertando el interés del público en el momento de su publicación y casi década y media después, coincidiendo con la efervescencia de la nueva música.  Este compacto, editado a principios de los ochenta por el sello Celestial Harmonies, originalmente en formato de doble LP, refleja en cierto modo lo que ha sido su trayectoria.  In the Gardens of Pharaoh fue originalmente su segundo álbum, lanzado en 1971, una experiencia sonora extraordinaria que recuerda a los pasajes más ambientales de King Crimson o A Saurceful of Secrets de Pink Floyd.   Un excelente disco que, en cerca de una hora y media, recoge un hábil testimonio de uno de los músicos más interesantes del rock cósmico alemán, o de un precursor de la nueva era si eso es lo que se quiere entende.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

 Musicalmente, estamos tratando con el rock psicodélico que no está muy lejos de lo que la mayoría de las bandas del género estaban haciendo en 1966 y 1967. Aunque las jam sessions y el aumento de la experimentación aún no se habían convertido en la norma, el uso intensivo del órgano Hammond y las melodías vocales influenciadas por los Beatles son abundantes aquí; Vanilla Fudge también estuvieron a la vanguardia de los comienzos de rock duro , y algunas de las secciones de órganos aquí claramente allanaron el camino para artistas pesados como Deep Purple.

Aunque no llamaría a Vanilla Fudge una observación terriblemente innovadora, es fácil entender por qué este disco fue tan influyente, ya que solidificó todo lo que se trataba el rock psicodélico en su comienzo. 

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domingo, 12 de junio de 2022

SALON DE LA FAMA 20 (2005)

Fue en diciembre del 2004 cuando se anunció de manera oficial que la legendaria banda irlandesa U2, liderada por Bono, tendría su lugar en el Rock and Roll Hall Of Fame, una de más máximas distinciones a la música. Meses màs tarde, se hacìa oficial y U2 se volvìan inmortales en marzo del 2005. 

Con una carrera de entonces más de 30 años en la escena, la banda recibía este reconocimiento en medio de la nominación que ese año también le hicieran a Bono para recibir el Nobel de la Paz por su labor humanitaria. El principal requisito que se debe cumplir para ingresar a este exclusivo círculo es que hayan pasado -al menos- 25 años desde la edición de su primer disco.

El evento se realizaría meses más tarde en marzo del 2005 en la ceremonia que la Fundación del Salón de la Fama del Rock and Roll en el Hotel Waldorf Astoria de Manhattan, donde también ingresaron al salón el grupo The Pretenders y el guitarrista de blues Buddy Guy, quien influyó en generaciones de artistas, entre los que se cuentan Jimi Hendrix y Eric Clapton. 

Además de ellos fueron The O’Jays y Percy Sledge.

En esa emblemática velada Bono, The Edge, Adam Clayton y Larry Mullen Jr. interpretaron uno de sus más grandes éxitos, “I still haven't found what i'm looking for”, al lado de Bruce Springsteen.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Con esa portada tan horrenda y que quizás el año 1977 no era el más propicio para debutar con su rock clásico (estilo que se quedaba sin balas con el punk en la recamara apuntado directo a la cabeza del movimiento juvenil), no llegó a calar en el subconsciente colectivo, pero ahí esta, para que generaciones posteriores lo ubiquemos con los grandes de siempre. 

Un trabajo excelente en general. Muchas buenas canciones, con varios destacados: "Mixed Up, Shook Up Girl", "Cadilac Walk" y "Spanish Stroll" entre ellas. Uno de mis álbumes favoritos de la época. 

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sábado, 11 de junio de 2022

SUREÑOS DEL NORTE AL SUR 101 (Quincenal)

Southern Soul. El Soul que se plasmaba en la zona sur de los EEUU y que recorrió el planeta gracias a sellos como Stax, Fame, Goldwax o Atlantic. Viajamos a los dorados años 60 para rescatar algunas de las más grandes figuras y canciones del género.


El soul sureño, o “Southern Soul” es un tipo de música procedente del Sur de estados Unidos, y que aparece en los años 60 de la mano de artistas como “Ray charles” y “James Brown” entre otros.

El Soul sureño representa la principal influencia en el Funky, tomando prestados elementos del Gospel sureño y ritmos del R&B, con voces apasionadas y ritmos apretados, que mantuvieron el género hasta casi los años 70, con la aparición del Soul de Filadelfía, que es el que se popularizó en los siguientes años.


Artistas destacados en el Soul sureño: Aretha Franklin, Candi Staton, Wilson Pickett, Otis Redding, Don Covay, Solomon Burke

Pero esos son los grandes aunque había una gran base que queremos  presentar en esta publicación .

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Sigur Rós se recrea en su sonido de escarcha. El minimalismo digital y las voces espectrales son calentados a veces por el solecillo tibio de unos teclados dulces, una orquestación con un punto de ampulosidad o unos seductores vientos. No sé si es música para la siesta o para la alta madrugada. Requiere, como dicen sus adoradores, una buena dosis de concentración y otra buena dosis de predisposición favorable hacia el grupo, para que la experiencia de su escucha resulte más placentera que aburrida. Se observaba algunos indicios de que la fórmula podia estar próxima a su agotamiento y que cualquier cosa que no fuera una profunda renovación, en su próximo disco, podría haber sido interpretada como enrocamiento o fin de trayecto. 

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viernes, 10 de junio de 2022

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Hay demasiados intentos fallidos de unir estilos e influencias (es decir, una horrible impresión de funk rock que es Supermassive Black Hole), lo que resulta en un disco que se aferra desesperadamente a encontrar una identidad y personalidad, que no se podría personificar mejor que con la pista de cierre, Knights of Cydonia - un monstruo de Frankenstein de spaghetti western, riffs de surf rock, atmósfera de rock espacial e imágenes líricas y sensibilidad al rock progresivo, que a pesar de todo, al menos logra ser bien escrito e incluso divertido. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Esta es probablemente la gente progresiva más suave que he oído hasta ahora. Por suerte, soy un poco adicto a la gente blanda. Otros pueden sentir que el álbum se arrastra, pero la guitarra y las voces suaves me parecen bastante reconfortantes. El nivel de energía suele ser bajo, el estado de ánimo ligero o nostálgicamente otoñal. Solo en "Lord of the Ages" el sonido cambia lo suficiente como para recordar un álbum de rock. Una buena opción para las personas a las que les gusta el progresivo pero también disfrutan de Al Stewart y Gordon Lightfoot (el sonido no suele ser el mismo entre estos artistas, pero creo que se está moviendo un estado de ánimo similar).

Una gran opción para sentirse nostálgico por  los años 70. 

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