martes, 31 de enero de 2023

1971’s # 1 UK ALBUM

3.4.1971-16.4.1971 


Andy Williams es como la comida de la niñez, nostálgica, cómoda y no amenazante. Tiene una voz agradable y siempre ha sido cuerdo en su elección de canciones para versionar, mezclando en escritores contemporáneos con la tarifa más estándar.

Este álbum no es una excepción cuando canta Elton John y George Harrison (dos veces) entre otros. Y todo es muy bonito.

Pero a pesar de crecer con su espectáculo en los años sesenta y amar a Andy, solo son esas actuaciones en las que realmente puede hacer suya la canción las que se destacan de la música del ascensor en la que de otro modo se convertiría.

En este álbum, solo "Home Lovin' Man" es el que realmente logra eso: el resto, aunque decente, es un caramelo para los oídos.

Sin embargo, añadiría una afición furtiva por su versión de "I Think I Love You", aunque solo sea por la incongruencia. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Nektar, a pesar de ser ingleses, fue fundado en Hamburgo (Alemania) en 1969. Basaron su estética en el rock espacial influenciado por Pink Floyd, por el hard-rock  y el Krautrock.

Recycled se escucha del tirón, todas las pistas van fundidas en dos.

Recycled es un álbum conceptual dividido en dos partes: “Recycled, Part 1” y “Recycled, Part 2”.

La esplendida caratula del disco siembra la duda entre lo psicodélico y el surrealismo y la música aquí muestra su potencial más creativo e incluso me atrevería a decir más americano del grupo.

La preocupación visionaria por un futuro incierto y apocalíptico donde la solución es el reciclaje y, la destrucción del medio ambiente por el turismo descontrolado e irrespetuoso es la temática de Recycled.

“Recycled, Part 1”, comienza con “Recycle”, que abre y penetra nuestra mente con un sonido inolvidable y perdurable.

La parte coral entra en la pieza final de la primera parte, “Unendless Imagination?” donde destaca Larry Fast con su espacial Moog.

“Recycled, Part 2” comienza como finalizara la primera con el Moog de Larry Fast y los coros de la The English Chorale en el subtema “São Paulo Sunrise”, alcanzando formas jazzy en “Costa Del Sol” a través del piano de Alan «Taff» Freeman.

La pieza vocal, “It’s All Over” pone el punto final a un álbum notable.

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lunes, 30 de enero de 2023

1968’s # 1 USA ALBUM

6.1.1968-1.2.1968 

Aunque habían abandonado las actuaciones en directo y las giras para centrarse en su creatividad, los Beatles nunca dejaron de funcionar.

Tienes que darte cuenta de lo increíble que fue 1967 para ellos, con uno de los mejores álbumes de todos los tiempos, Sgt. Pepper's, un puñado de sencillos milagrosos y finalmente una película y un álbum llamado Magical Mystery Tour.

Son solo algunas cosas estasféricas que básicamente están más allá de nosotros. En una explosión de creatividad, los Beatles ya estaban trabajando en 2 películas y sus bandas sonoras (Magical Mystery Tour y Yellow Submarine), el día en que Sgt. Los 4 chicos no tuvieron tiempo, tuvieron que preparar el futuro.

Vamos a volver un poco para entenderlo... Estamos a finales de abril de 1967, el álbum Sgt Pepper's se terminó solo unos días antes de que los Beatles comenzaran a trabajar en la música de Magical Mystery Tour, dedicada a una película imaginada y pensada por Paul McCartney.

Además, para la anécdota, es la canción homónima de apertura de la película la que se trabajará en primer lugar como símbolo de este nuevo proyecto.

Especialmente impulsados por los 2 líderes Lennon/McCartney, los Beatles estaban pasando por una era de productividad y creatividad sin precedentes. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

El grupo liderado por Chris Simpson nos ofrece una obra conceptual Prog-folk donde va recorriendo las diferentes estaciones del año a través del tema de apertura “Seasons”. Música acústica de gran belleza y sencillez que va directa al corazón.

Formación: Chris Simpson (guitarra acústica y voz); están Lyell Tranter (guitarra acústica y arreglos) y Glen Stuart (narrador y armonías voces).

Colaboradores: Davy «Shaggis» Johnstone (guitarra eléctrica y sitar); Rick Wakeman (piano y órgano); Derek Grossmith (flauta); Peter Willison (violonchelo); Spike Heatley (contrabajo); Barry Morgan (batería); Tony Carr (batería) y Tony Visconti (bajo, arreglos y dirección) de la London Symphony Orchestra.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Marley se estaba poniendo demasiado cómodo y decidió usar su fama y carisma para tener algún efecto en el mundo real. Ahora, podrías pensar que eso es ingenuo y te equivocarías, mun, porque hasta el día de hoy si reproduces este cd (o lo que sea) en cualquier parte de África, podrías salvar el día. Eso es algo.

Musicalmente, Marley logra algo especial aquí, que suena a la vez políticamente atractivo y cálido. Sus afirmaciones tienen un aire de melancolía, pero siguen siendo muy esperanzadoras. Es consciente de la lucha similar a la de Sísifo y sueña con consolar a África mientras se consuela a un niño, pero también inspira amabilidad y fuerza para la supervivencia.

Diez canciones súper pulidas, culminando en su tipo melódico de sonido reggae. Su mejor álbum desde Catch a Fire, y (probablemente) el álbum que define su carrera. 

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domingo, 29 de enero de 2023

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Los Dells son un grupo casi olvidado por las discográficas, tan solo algunas recopilaciones de éxitos y poco más, algúnos LP de la ultima época, One Step Closer, del 84, y los dos álbumes de la era philly. Practicamente el resto está en el olvido. 

Los Dells son un grupo fundamental en la historia del soul. Forman parte del eje central sobre el que se han ido forjando nuevos grupos. De hecho Gamble y Huff estaban obsesionados con la banda e intentaron hacerse con ellos. Ante su negativa contrataron más tarde a Harold Melvin & The Blue Notes. ¡ Vaya fichaje !.

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sábado, 28 de enero de 2023

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA



Deja al margen su palabreria habitual,y se centra en la guitarra.¿Resultado?Pues,de largo,su mejor disco.

Exprimiendo el mastil hasta el extremo,Francesco no da tregua.

Gotas de musica contemporanea, pero sobre todo jazz-rock de la mejor cosecha,un estilo sobre el que Zappa se sentia libre para sacar todo su potencial musical.

Gigantescos punteos en los que la musica gira,avanza,se retuerce,se eleva,baja y vuelve a comenzar.Una montaña rusa.

Lo,mejor,ese "Willie the wimp",donde tras los graznidos beefheartianos nos regala un viaje interestelar hasta los confines de una Gibson.

O esas "Gumbo variations",una conversacion guitarra-violin,que es un crescendo tremendo anclado en una base ritmica potente.

Zappa,como instrumentista era un diez.Sobre su mundo literario,prefiero no opinar... 

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viernes, 27 de enero de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Rock progresivo, con toques psicodélicos, influencias de Jimi Hendrix y del Kraut Rock. Un disco que en mi opinión se diferencia del resto de sus coetáneos, gracias a la incorporación de la flauta – estilo Jethro Tull (y a la ausencia de letras "pre-post-transición"). Un disco que enlaza directamente con el de Música Dispersa, absolutamente imprescindible. 

El grupo duró poco y la formación fue inestable, los que grabaron esta perla fueron: Arturo Domingo (Bajo), Alfonso Bou (Guitarra), Pedro Von Eeckhout (Bateria) y Guillermo Paris (Flauta, Voz). Impresionante nivel musical. Siempre pienso lo mismo, ¿qué opinarán los grupos actuales cuando oyen estos discos (si es que lo hacen)?.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Nunca entenderé por qué este tiene una reputación tan mala. Es agradable pensar en cómo puede haber sonado el álbum con la producción de Albini, pero la composición y la musicalidad siguen siendo tan competentes como su producción de Touch & Go. En particular, The Jesus Lizard en su mejor momento realmente sabía cómo abrir un álbum: las tres primeras canciones se encuentran entre las mejores canciones de la banda.


La mayor debilidad del álbum es probablemente su longitud. Sacar un par de las pistas más genéricas hacia el final aprietaría mucho el álbum. La cabra y el mentiroso te dejan con ganas de más, pero 43 minutos del Lagarto pueden ser un poco agotadores.

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jueves, 26 de enero de 2023

DIRECTISIMO 72

Este es un álbum en directo maravilloso.

La calidad del sonido es fantástica, las canciones están "a la par" con las versiones de estudio, sin ser una simple rehash. Me encantó especialmente la versión de "El ancho de un círculo".

La banda tocó mucho en esas dos actuaciones, además del propio Bowie, Ronson, brilla especialmente con su pesada guitarra.

Y luego está el final. Qué idea fue romper de repente The Spiders From Mars y dejar ir al personaje de Ziggy, más o menos en el apogeo de sus carreras. Y luego lo hicieron en directo.

Es tan repentino. Bowie dice que la actuación probablemente se quedará con ellos el tiempo más tiempo, ya que no fue solo la última de su gira, sino la última de su carrera. Tocan "Rock 'n' Roll Suicide" y luego... se acabó.

Todos sabemos hoy que esta decisión fue muy sabia por parte de Bowie, pero aún así es una sorpresa. Y el shock incluso funciona hoy en día cuando escuchas este CD.

Por lo tanto, no es solo un fantástico álbum en vivo de una banda fantástica, sino un documento muy interesante del último espectáculo de Ziggy Stardust y los Spiders From Mars. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

La primera vez que escuché este LP me impresionó poco o nada. Imagina mi sorpresa cuando lo saqué al azar de los estantes y descubrí que mis impresiones iniciales estaban completamente equivocadas.

Autoproducido, "In Hearing of Atomic Rooster" de 1971 se lanzó a raíz de otra ronda de cambios de personal; esta vez el baterista Rick Parnell fue reemplazado por Paul Hammond (ex-Andromeda y ex-Farm), y el ex líder de Big Bertha y Leafhound, Pete French, se puso en marcha para manejar las voces principales. Las bandas en confusión normalmente no producen productos de calidad, aunque la desesperación a veces funciona a su favor. Este último parecía ser el caso en este caso: el Atomic Rooster revisado resultó lo que puede haber sido su álbum más impresionante. Ejemplificado por pistas como "Breakthrough" y "Break the Ice", el álbum encontró que la banda ofrecía un sonido impulsado por guitarra y teclado mucho más pesado. Los toques progresivos se mantuvieron en la mezcla, pero el sonido general era mucho más convencional y orientado al rock que el que se encuentra en los dos primeros LP. 

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miércoles, 25 de enero de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Cai es de la hermosa ciudad andaluza de Cádiz, y su sonido representa en gran medida la región de la que se origina. Noche Abierta es su segundo álbum, y el primero para el sello discográfico CBS/Epic. La música de Cai es uno de los álbumes más abiertamente influenciados por el flamenco con voces árabes dramáticas, guitarra española y los ritmos irregulares asociados con la forma de arte. Los elementos del rock se sacan con una guitarra eléctrica picante, un piano entrecortado y el bajo y la batería. La mayoría de los teclados provienen de una variación del sintetizador de cadenas ARP, y son un poco delgados para los oídos modernos. En general, el álbum es una buena mezcla de flamenco, jazz fusion y rock progresivo. Este último está representado por la "La Roca del Diablo" de cierre. Un muy buen álbum para aquellos predispuestos al estilo del rock progresivo del sur de España, que incluye a este oyente. De lo contrario, es poco probable que Noche Abierta sea el álbum que influyera en la opinión del gusto de cada uno


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AYER VÍ 15

Serie de TV (2010-2013). 

4 temporadas. 36 episodios. Crónica de la vida de un grupo de personas de Nueva Orleáns afectadas por el paso del huracán Katrina, que en agosto de 2005 devastó la costa de Louisiana. Treme es el nombre de un barrio bohemio de la ciudad, en el que viven numerosos músicos y que sirve de escenario a esta historia 

Música en vena. Por las esquinas llenas de barro y humedad, por entre los cuerpos desaparecidos, por las calles y sus artistas callejeros, por los garitos llenos de humo y saxofón. Única y exclusivamente...música. 

Treme basa su grandeza en lo cotidiano y lo sencillo. En el día a día de una población que saca fuerzas desde su interior, (y en su interior solo respiran música), para sobreponerse a el desastre. A la desesperanza, la rabia y la impotencia. 

David Simon vuelve a enarbolar su bandera, la que lleva escrita "que se joda el espectador medio" en letras de sangre. Y la lleva hasta el límite, para elaborar un drama coral, emotivo y lleno de calidez. Por su sencillez y elegancia. Por sus múltiples referencias culturales. Y la calidad de las mismas. 

Nueva Orleans bombea música. Jazz, Blues, Soul... Genial y maravillosa selección de temas. Núcleo de la serie. Y artífice principal de esa atmosfera tan única que lo envuelve todo. Que le da ese toque tan personal y la aleja de cualquier obra anteriormente hecha.


David Simon vuelve a crear arte en la pequeña pantalla. Música e imágenes. Vida y muerte. Apología y denuncia. Cine puro. Una nueva joya audiovisual que maravilla y encandila. 

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martes, 24 de enero de 2023

1970’s # 1 UK ALBUM

6.2.1971-2.4.1971 

Impactante, sublime. Pocas veces en la vida he oido un album mejor que este. Una auténtica obra maestra plena de lirismo, delicadeza, guitarras increible y una capacidad de composicion melódica que en este album raya a una altura similar a la de los discos de los Beatles.

Posiblemente uno de los 10 discos que me llevaría a la famosa isla desierta a la que ninguno vamos a ir nunca.... este disco bien administrado, le hubiese dado a Harrison material para 3 o 4 lp's exitosos en todo el mundo, pero el beatle prefirió dar el do de pecho al completo... ¡ahí llevais!, ¡que lo disfrutéis !, ¡yo también sabía hacer canciones!.

Este album es el "band on the run" o el "plastic ono band" de Mr. Harrison. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Un gran álbum ... Quizás lo mejor de este año 1973, que sin embargo fue un excelente vino ... Procol Harum nos llena aquí con un álbum lleno de sorpresas, a mil leguas del anterior ...

Todo es elegante aquí, la bolsa, blanca inmaculada, magnífica ... Las composiciones de Brooker y Reid ... la música también desde la introducción al piano del título homónimo ... Procol está sin duda en su apogeo en este álbum ... la banda está unida, funciona como una hermosa máquina ... El Rock nunca se ha casado tan bien con este ambiente clásico ... Pensamos en Viena, en los valses, en Strauss, por supuesto ... Por costumbre, el humor tiene su lugar en este álbum, humor británico típico como en “a souvenir of London” ...

Tenga  en cuenta la magnífica voz de Christianne Legrand en el fantástico “Fires (which burn brightly)” 

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lunes, 23 de enero de 2023

1967’s # 1 USA ALBUM

2.12.1967-5.1.1968

En el clima musical rápidamente cambiante de finales de los años 60, Piscis, Acuario, Capricornio y Jones Ltd. representó un retroceso a los tiempos más inocentes del comienzo de la década, sus melodías inmaculadas dispersas en el alegre rock country de "Salesman", la música de ritmo hinchable de "She Hangs Out", la relajada euforia de Byrd.

El segundo lado incluso agregó algunos solos racheados ("Star Collector") y efectos psicodélicos extravagantes ("Daily Nightly"). En general, los Monkees siguen siendo una construcción artificial, pero la inclusión de tres originales insinúa su próxima emancipación. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

En los años 90, cuando casi todo el mundo escuchaba Sonic Youth, Jon Spencer y Dinosaur Jr, no ignoré totalmente esas bandas pero a través de una intuición especial y también escuché a Brainiac .

Creo que estaba genéticamente condenado a ser un ecléctico rematado.

En cualquier caso, en la medida en que se pueda identificar un género de música popular a menudo llamado "Noise Rock" (un término que desprecio totalmente porque los timbres eléctricos complejos y matizados no es igual a ruido), no veo ninguna manera de negar este álbum como su pináculo definitivo.

Destruye todo lo que está en su camino. Esto salió en 1993 y es bastante increíble pensar en todas las bandas que han encontrado fama en las últimas dos décadas haciendo imitaciones de mierda de este sonido.

Todas las canciones de este álbum son increíblemente pegadizas y concisas. El impulso dinámico en el coro en "Martian Dance Invasion" es la esencia pura del punk rock avanzado. Su trabajo posterior también fue increíble, pero con su debut, el legendario Brainiac solo rezuma descarado, ganchos mocosos y una libido de rock descarada.

Las voces masculinas y femeninas son geniales aquí, pura mordida y picadura al igual que los riffs y tonos de guitarra. Histriónico, exuberante, cáustico.

Este es el estándar de referencia para este sonido. Sé que mucha gente está de acuerdo conmigo sobre esta banda y este álbum. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

"Crown Of Creation" es sin duda el álbum más subestimado por el grupo, pero la mayoría de los verdaderos fans tendrán este en alta estima, aunque no recibe tanta atención, definitivamente es tan bueno como el de "Baxter" a su manera. Aquí la banda definitivamente tiene un sonido más oscuro y puedes escuchar una frustración enojada y toques de revolución tanto en el sonido como en la letra, hay mucho bocado aquí, aunque eso no quiere decir que tampoco haya algunos momentos serenos bellamente suaves aquí porque con frecuencia lo hay, pero este es definitivamente más un álbum de 1968 que uno de 1967, tal fue la evolución social increíblemente rápida de los 60 

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domingo, 22 de enero de 2023

SALÓN DE LA FAMA 36(2021)

Antonio Martínez y Jose Sanchez

Haciendo gala del necesario eclecticismo que rodea este galardón, entraron en 2021 los nombres de Kraftwerk, Charley Patton, Gil Scott-Heron como creadores de estilos influyentes; como ejecutantes *Tina Turner, Carole King, The Go-Go’s, JAY-Z, Foo Fighters, Todd Rundgren*; por su excelencia musical LL Cool J, Billy Preston, Randy Rhoads; y el premio Ahmet Ertegun, relativo a profesionales que no son creadores/ejecutantes de música, a Clarence Avant.

Todos ellos cumplen el requisito de haber publicado su primer disco hace más de 25 años. Una muestra diversa de estilos mucho más allá de un 'rock and roll' que hace tiempo no representa como única etiqueta la variedad enorme de músicas que se crean en el panorama de las músicas 'jóvenes', por poner algún término tampoco muy afortunado, especialmente cuando han pasado tantos años. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Una obra maestra lanzada en 1970 que muestra a una auténtica banda de boogie blues que acompaña al guitarrista y cantante de blues John Lee Hooker.


Es un álbum doble . Muestra perfectamente el estilo agresivo e hipnótico de la leyenda del blues.

John Lee es uno de los primeros bluesman en usar guitarras eléctricas y que logró explotar la energía musical de la electricidad.

Su enfoque rudimentario se puede escuchar e no n el primer disco. Nos recuerda sus primeros años en la carretera, jugando sin acompañantes y golpeando el ritmo con una botella de tapa clavada debajo de sus zapatos.

El segundo disco fue grabado con Canned Heat y saca a la luz la habilidad de Alan Wilson con la armónica y, desafortunadamente, su última aparición musical.

Alan era un verdadero amante del blues, un musicólogo que tocó en Son House Records en 1965: su estilo sutil y melódico fue el elemento importante de Canned Heat.

Por lo tanto, es un disco histórico porque es la última vez que podemos escuchar a esa importante banda de blues-boogie-country con esa alineación.


Después de ese disco, algunos miembros de Canned Heat y John Lee Hooker se conocieron de nuevo y tocaron en sus últimos discos y fueron miembros de la "banda Coast to Coast", como John Lee llamó a su banda de gira.


Fue el primer álbum de la carrera de Hooker en llegar a las listas, alcanzando el número 73 y lo lanzó para hacer una carrera internacional después. Una banda y un artista de blues que forman parte de la misma familia 

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sábado, 21 de enero de 2023

MIRANDO LAS ESTRELLAS 12. FREDDIE MERCURY (QUEEN)

Mirando las estrellas de la música de nuestro tiempo, hay una que emite destellos especiales.

Cuesta creer que un artista al que han calificado como extravagante, provocador, hedonista, camaleónico... fuese un ser generoso, reservado, un tímido celoso de su intimidad.

 En el escenario se transformaba en un derroche de energía donde sobresalía su voz poderosa. Su personalidad transgresora no dejaba a nadie indiferente. La muerte prematura por el SIDA añade un elemento que amplificó su leyenda. Han pasado 31 años y  parece haber calado también en las nuevas generaciones en parte gracias al estreno en  2018 de 'Bohemian rhapsody', la película sobre Queen que supuso un éxito mundial. 

Freddie Mercury nació el 5 de septiembre de 1946 en Zanzíbar, de familia parsi. Se establecieron en 1964 en Feltham, un suburbio londinense, atrás quedó una vida acomodada pasando a formar parte de la clase trabajadora, lo que no supuso ningún problema para el joven Freddie. Estudió moda y diseño gráfico, aunque tuvo que trabajar como mozo de almacén y en otras ocupaciones para sostener la familia.

En 1970  Brian May (guitarrista), Roger Taylor (batería) y Freddy Mercury (líder y vocalista) forman Queen, un grupo que alcanza su cima en la segunda mitad de los setenta , mezclando con atrevimiento pop, hard-rock, música disco, funk y ópera.

A principios de los setenta sacan sus dos primeros discos muy influenciados por el rock progresivo y el hard-rock de bandas como Led Zeppelin. Con el tercero, Sheer heart attack (1974) empieza a tener mayor relevancia.A night at the opera (1975) alcanza el número uno en Reino Unido y Australia y gran repercusión en todo el mundo. Incluía el single "Bohemian rhapsody". Grabación  imprescindible en la historia de la música pop, llevando a Queen a la primera división del rock mundial. Filmaron un corto interpretando el tema que está considerado como el primer videoclip de la historia.

Siguieron discos importantes como A day at the races (1976), News of the world (1977) o Jazz (1978), con éxitos como "Somebody to love", "We are the champions", "We will rock you", "Bicycle race" o "Don't stop me now".

Alcanzaron el número uno en Norteamérica con "Crazy little thing called love", un rockabilly homenaje a Elvis Presley que arrasó a ambos lados del Atlántico a finales de 1979. "Another one bite the dust" también logró el primer puesto en las listas.

The works (1984), incluía el tema "I want to break free", en cuyo videoclip, que censuró la MTV, aparecían vestidos de mujer.

Sus giras tuvieron momentos culminantes: sus dos conciertos en la primera edición de Rock in Rio, ante más de 350.000 personas; y sobre todo, su presencia en el Live Aid que se celebró de forma paralela en los estadios de Wembley (Londres, Reino Unido) y John F. Kennedy (Filadelfia, Estados Unidos) el 13 de julio de 1985. Queen fue una de las grandes atracciones de este festival benéfico en el que participaron las mayores estrellas del momento: Bob Dylan, Pretenders, Madonna, Eric Clapton, Neil Young, Led Zeppelin -que se reunieron exclusivamente para la ocasión-, U2, Sting, Santana o Elton John.

Sus directos terminan con una breve gira europea de una veintena de conciertos, tres en ciudades españolas: Madrid, Barcelona y Marbella. Ante más de 120.000 personas, el grupo ofreció en Knebworth Park, al norte de Londres, el último concierto de la gira y también el último con su formación clásica."Solo quiero hacer música hasta que muera", declaró. Antes cumplió su sueño de colaborar con la soprano española Montserrat Caballé, de la que era una admirador confeso, y con quien grabó el disco Barcelona (1987). Un año después, el 8 de octubre de 1988, Caballé y Mercury ofrecieron una breve show frente a la fuente de Montjuic, con motivo de la llegada a Barcelona de la antorcha olímpica. Fue la última actuación pública del artista. 

En 2016, en el 70 aniversario del nacimiento del cantante, la Unión Astronómica Internacional decidió llamar 'Freddiemercury 17473' a un asteroide descubierto en 1991 en el cinturón que orbita entre Marte y Júpiter.


 Una estrella con nombre propio.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

James Hillier Blount, conocido artísticamente como James Blunt, nació el 22 de febrero de 1974 en Tidworth (Wiltshire). Cantautor británico de música pop/rock.

Su segundo álbum se titula All the lost souls. Muchas de las canciones de este disco fueron compuestas y escritas en la isla de Ibiza, donde Blunt reside desde el año 2006. El disco fue publicado el 18 de septiembre de 2007 y suena con más instrumentos ya que fue grabado con su banda, bajo la producción de Tom Rothrock y Mike Tarantino.

All the lost souls obtuvo el Disco de Oro en la primera semana de su lanzamiento. 1973 (#4, UK) es su primer sencillo.

En noviembre de 2008 el británico reedita su último trabajo bajo el nombre de "All the lost souls - Deluxe Edition". En este álbum se incluye un dueto junto a Laura Pausini Primavera in anticipo y tiene como extras el single presentación Love love love producido por Eg White y Tom Rothrock; y tres temas en directo "Cuz I love you", "Young folks" y "Breakfast In America". 

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viernes, 20 de enero de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Jimmy Castor Bunch obtuvo  algunos éxitos novedosos y trató de continuar la tendencia con este LP completo, pero la tendencia había pasado y esta buena producción no logró alcanzar sus ventas proyectadas.

La novedad especial de este, "Drácula", no está a la altura de los estándares de los esfuerzos sin sentido del pasado como "¡Leroy! Your Mama's Calling!".

Esto es desafortunado porque los otros jams, en particular las baladas y los números de midtempo, son maravillosas ejecuciones de funk/jazz. Una nueva versión de "I Don't Want to Lose You" de los Spinners cuenta con un saxofón llanto y voces emotivas; los números de midtempo - "Space Age", "Mellow Groove" y "Everything Is Beautiful" - son acreditables e instantáneamente agradables. Cosas maravillosas 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Con Starfish, los chicos de The Church se convirtieron en médicos de rock.

Un  amigo mío me recomendó este álbum y yo le recomendé Voyager de Mike Oldfield, tal vez el mejor trato de mi vida.

Es difícil explicar los sentimientos que surgen cuando lo escucho. La estrella de mar es simple y compleja al mismo tiempo. Simple, debido a su diseño minimalista, gracias a la producción que permite que cada uno de los pocos instrumentos tenga su propio espacio para respirar.

Complejo porque está claro que los chicos dominan sus "herramientas". Hay increíbles solos de guitarra, un uso sabio (no abuso) del eco, una gran interacción entre Peter y Marty, la voz mejorada de Steve como nunca había cantado y nunca volvería a cantar y su forma encriptada de crear poesía. 


Aun hay gente a la que hay que explicarle que los Church no fueron "one hit wonder" por Under the Milky Way. Dentro de una carrera impresionantemente sólida, "starfish" es una de sus cotas más elevadas, todo el disco entero es un ejercicio impresionante de rock de guitarras, verdaderos herederos de los mejores Television.

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jueves, 19 de enero de 2023

DIRECTISIMO 71

Esto no es una tontería de renacimiento de la nostalgia de los ochenta.

Pero Echo & The Bunnymen son una banda en pleno funcionamiento, habiendo lanzado también su tercer nuevo álbum de estudio en cuatro años con Flowers de 2001 .

Y como indican sus espectáculos en directo, suenan mejor que nunca. Documentada para la posteridad es su actuación en el Instituto de Artes Escénicas de Liverpool. Aunque todavía se echa de menos al baterista trinitense Pete de Freitas, la voz de Ian McCulloch apenas ha cambiado en veinte años, y las pistas cortantes y serpenteantes de Will Sergeant son tan agudas como siempre.

La mayoría de los clásicos están allí, desde el deslumbrante sencillo post-punk de 1980 "Rescue" (dado un arreglo extra impulsado por el teclado de Doors), el amenazante "All That Jazz", "Back Of Love" de 1983 y una interpretación absolutamente impresionante del sonido de Oriente Medio "The Cutter" y, por supuesto, la suite asesina del lado dos de Ocean Rain de 1984.

Sorprendentemente, canciones más nuevas como "King Of Kings", "Buried Alive", "An Eternity Turns" y la épica "Nothing Lasts Forever" se mezclan perfectamente. Aquellos que pensaron que, junto con The Teardrop Explodes, Wah!, The Sound y Comsat Angels deberían haber sido la verdadera explosión de Britpop, estos Liverpurdienses han probado la vieja corona por su tamaño y todavía encaja. U2 puede haber ganado el concurso de popularidad, pero los Bunnies tienen mi respeto. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El primer álbum de la banda española Bloque fue un disco bastante sólido en términos de rock melódico dominado por la guitarra, pero no para ser comparado con el segundo, por ejemplo, exhibiendo mucho más parecido con los artistas de rock progresivo italiano de los años 70 como PFM.

La primera pista "Undecimo poder" podría describirse más o menos como un simple hard rock energético dominado por la guitarra, aunque también tiene un buen sonido de órgano Hammond. "Albelardo y Eloisa" se mantiene en su mayoría en una vena suave y romántica con teclas atmosféricas y una guitarra teñida de blues antes de que comience a oscilar hacia su final.

Se podría pensar en algún trabajo anterior de Floyd más inspirado en el blues como punto de referencia. "Salvacion por la musica" es una pieza instrumental bastante corta dominada principalmente por tocar el teclado que recuerda a algunas de las obras en solitario de Emerson.

"Joven levantate" es en realidad la primera canción realmente interesante en términos de Prog aquí y una canción agradable muy bien hecha con una excelente interacción de guitarra, bajo, teclas y batería.

Las voces que obviamente son presentadas por varios cantantes y en español a lo largo del álbum son, por cierto, muy atractivas. "Consultando el tarot", la pista más larga y un todo instrumental es después del anterior otro punto culminante de este álbum en general bastante débil.

Ofrece excelentes teclados con muchos cambios de ritmo y buenos efectos de sonido.

Después de tres pistas muy cortas y poco espectaculares, dos de ellas instrumentales, podemos escuchar "La noche del alquimista" que ofrece una excelente guitarra eléctrica y bajo que recuerdan ligeramente a la banda de TRIANA.

El último "Conociendo a Abraxas" es el más caótico y extraño con algunos efectos de sintetizador extraños, órgano de boca, increíble guitarra/bajo y algunas voces furiosas.

Este es sin duda otro punto culminante y que salva a este álbum de ser considerado como uno solo "para discos de culto".

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miércoles, 18 de enero de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

El consenso de opinión entre los fans de U2 que han existido desde el lanzamiento de Boy es que Achtung Baby es el último álbum de la banda. Esto es para ignorar por completo la progresión musical y personal. Hay pocas bandas capaces de cambiar con los gustos musicales del día y todavía hay menos capaces de introducir e impulsar esos cambios - U2 es uno de los últimos.


Achtung Baby fue un salto aparentemente precipitado hacia lo desconocido. Ignoró por completo la revolución del grunge y, en su lugar, interconectaba los ritmos electrónicos y de baile con un sonido tradicional impulsado por la guitarra, aunque The Edge experimenta con la distorsión de la guitarra. Resultó ser un puente entre lo viejo y lo nuevo y, como tal, es visto con cariño por esos fanáticos de larga duración como su conexión con los días de halcyon. Examinado con un ojo menos perjudicial, este álbum fue un paso evolutivo. 

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AYER VÍ 14

No adelanto nada cuando digo que el film comienza en 1987 pero rápidamente se sitúa en 1937.

La historia repasa las adversidades que encuentran una pareja de dos adolescentes afroamericanos en su lucha por estar juntos; encuentros furtivos, trabas familiares y sociales…La película es visualmente preciosa en todos los aspectos, en ocasiones puede parecer demasiado edulcorada, pero nada que una dosis extra de insulina pueda remediar.

El guion camina firme y sin fisuras a ritmo de una excelente banda sonora El arco evolutivo de los personajes no es muy acentuado porque la historia así lo pide y la atmósfera que rodea la trama está muy bien lograda.

Hay ciertos aspectos en los personajes que pueden llegar a confundir, pero nada que otros aspectos de la historia no puedan corregir con creces. Aunque en ocasiones la trama pueda parecer previsible, la historia así lo pide, no tiene ningún giro de guion espectacular ni nada que se salga de lo habitual, no ofrece nada nuevo, ni nada que no hayamos visto en anteriores ocasiones, pero la buena ambientación, el buen trabajo de los actores y la buena fotografía, hacen los primeros planos nos digan que vamos a pasar un rato agradable. 


En Netflix esta como”Secretos, pasiones, mentiras y jazz”

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martes, 17 de enero de 2023

1970’s #1 UK ALBUM

19.12.1970-15.1.1971


Greatest Hits de Andy Williams es un álbum recopilatorio del cantante pop estadounidense Andy Williams que fue lanzado a principios de 1970 por Columbia Records. 

Sin embargo, no fue, como su título podría sugerir, estrictamente una compilación de sencillos de éxito, aunque se incluyeron algunas de sus canciones más grandes desde que se unió a Columbia (como el número uno de fácil escucha "Can't Get Used to Losing You" y "Happy Heart"). Un par de selecciones ("Born Free" y "More") nunca fueron lanzadas como singles por Williams, y su canción característica, "Moon River", fue lanzada en el formato de single de 7 pulgadas, pero solo para jukeboxes

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

¿Un improbable guitar heroe para el final del milenio? Sin duda,Doug Martsch.

A olvidar solos apocalipticos de cinco minutos,lo de esta hombre esenredarse en bucles sonicos extensos,e ir desarrollando el tema poco a poco,creciendo y creciendo hasta conseguir un climax instrumental inenarrable,con muros cada vez mas densos de guitarras superpuestas,y asi hasta alcanzar el cenit.

Cualquier disco de Built to spill es superrecomendable,pero de elegir uno,sin duda es este,probablemente porque dada la extension de todos los temas da rienda suelta a mayor desarrollo y creativida.Y además resulta un salto de gigante en relación a sus anteriores (y discretas ) obras.

Una desconocida maravilla,y para mi gusto en el podio de los discos de esa década.

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lunes, 16 de enero de 2023

1967’s # 1 USA ALBUM

28.10.1967-1.12.1967 


No siempre fue así. Las Supremes se formaron en un proyecto de convivencia en Detroit como un grupo hermano de lo que se convertiría en los Temptations.

Cuando comenzaron en Motown, ninguno de sus primeros singles pudo romper el Top 40, lo que les dio el apodo de "No Hit Supremes". Algunos de estos primeros singles eran geniales, y no estaban tan lejos de los grupos femeninos de Spector que estaban golpeando en ese momento, pero faltaba algo.

Ese algo era Holland-Dozier-Holland, un equipo de escritores que podía disparar monstruos de gancho apretados y bien construidos con una precisión similar a la de una máquina. La primera canción de HDH que obtuvo las Supremes fue el clásico "Where Did Our Love Go", e inmediatamente pasó al número 1. Muchos de los sencillos de las Supremes que siguieron honestamente sonaban mucho como "Where Did Our Love Go", pero todos son fantásticos.

HDH fue una clase magistral en la escritura de canciones pop; sus ganchos son llamativos, pegadizos e inmediatamente memorables, e capturan historias de amor y angustia en términos simples pero efectivos. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

The Sanford-Townsend Band fue una banda de rock and roll de Alabama , Estados Unidos . Consiguieron un sencillo de éxito en 1977 con " Smoke from a Distant Fire ".


The Sanford-Townsend Band contó con los teclistas Ed Sanford (de Montgomery, Alabama ) y Johnny Townsend (de Tuscaloosa, Alabama ), quienes anteriormente trabajaron juntos en una banda con sede en Tuscaloosa llamada Heart (que no debe confundirse con la banda del mismo nombre encabezada por Ann y Nancy Wilson de Seattle/Vancouver).


Después de reunirse en Los Ángeles , Sanford y Townsend firmaron un contrato de publicación con Chappell Music y comenzaron a escribir canciones, sobre todo "Peacemaker" para Loggins y Messina , que fue coescrita por Sanford y Townsend con Kenny Loggins .


Su álbum homónimo de 1976, grabado en el famoso Muscle Shoals Sound Studio en Alabama, comenzó a llamar la atención cuando "Smoke from a Distant Fire" alcanzó el número 9 en el Billboard Hot 100 , el número 9 en Cash Box y el número 13. en el Mundo Récord . El álbum fue retitulado con el nombre de la exitosa canción y relanzado. La banda apoyó la canción abriendo para Fleetwood Mac en su gira Rumors , así como conciertos con The Marshall Tucker Band , Charlie Daniels , Jimmy Buffett , Foreigner , Heart y otros. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Wild Love fue principalmente un álbum de emociones fugaces y compositores restringidos, apenas arraigado en la lógica musical tradicional, una colección de extrañas viñetas que tocaban personajes y mensajes salvajemente abstractos, pero entregadas con urgencia que bordean la locura y la autenticidad desconcertante.

Fue uno de los álbumes más intensos e idiosincrásicos de su tiempo. La queja visceral "Bathysphere", con un bucle de tambor llamativo, podría haber sido una no bolada de Ian Curtis, mientras que "Wild Love" y "Bathroom Floor" eran impresiones de cámara con tonos claramente diferentes.

Un puñado de pistas mostraron una inclinación por experimentos extraños de novedades, como en "The Emperor" o "Be Hit". "Prince Alone in the Studio" llevó el estilo al extremo, una epopeya hipnótica que parecía estar en casa con las atmósferas más oscuras de King Crimson. "Goldfish Bowl" terminó el álbum con una visión lunática de una relación que se desintegra, respaldada por su inquietante atmósfera pop.

Cada canción parecía honesta y sincera, pero sin embargo se examinó con la mirada separada de un cubista y se redujo hasta el punto de que sus complejas emociones se convirtieron en meras abstracciones. 

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domingo, 15 de enero de 2023

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Gotic formaron parte de la fuente de las bandas de prog españolas que surgieron durante la transición gradual del país a una democracia moderna a lo largo de la década de 1970, pero a diferencia de otras bandas españolas de la época, como Triana, no hacen todo lo posible para incorporar grandes cantidades de música tradicional española en su estilo. Más bien, es una opinión experta del estilo de la era Snow Goose de Camel, con tal vez tocar la flauta más animada de Jep Nuix que ese álbum y sin las afectaciones del cuarteto de viento. Es una pieza divertida que la mayoría de los fanáticos del prog disfrutarán, y es una de esas pequeñas joyas que se escaparon en la década de 1970 justo después de que pasara el pico del progresivo y que tristemente se pasó por alto. 

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sábado, 14 de enero de 2023

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Alcatraz, es el resultado de una escisión de "Los Canarios". Cuatro de los miembros de la sección de viento de la banda, formaron en 1973 el grupo Alcatraz, del que derivó posteriormente "La Orquesta Alcatraz", aún operativa, aunque con diferentes músicos.

Se les consideró, en su época, como la banda con la mejor sección de metal en la línea del grupo estadounidense "Chicago".

No tuvieron mucho éxito, aunque sus discos son muy buscados por coleccionistas y grupos heavy de ahora, que sí que ven ellos cualidades importantes.

Dos largas duración son el mejor exponente de su trabajo: Volumen uno (1974-Hispavox) y El vuelo del Alcatraz (1976).

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viernes, 13 de enero de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Siempre iba a ser difícil hacer un seguimiento de su brillante debut.

La escritura y la grabación se interrumpieron continuamente debido a disputas internas y problemas personales, y se puede decir que no tiene la misma continuidad o cohesión que fluyó a través de Up the Bracket.

A veces, esto hace que este disco sea aún más atractivo.

Comienza en un torbellino con Can't Stand Me Now, posiblemente la mejor canción de la banda y tiene muchas otras grandes canciones - What Katie Did, Last Post on the Bugle, Music when the Lights Go Out, todo fantástico.

Desafortunadamente, tiene un par de pistas que no deberían haber hecho el álbum, sobre todo Road to Ruin.

Como es, este disco mostró mucha progresión desde Up the Bracket, y aunque no tenía la misma ferocidad punky, en muchos lugares es un récord superior.

Supongo que si Doherty se ha mantenido coherente mientras lo hacía, entonces podría haber sido un clásico. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Sin duda, el álbum más fuerte de la existencia demasiado corta de Cream. Incluso si descartas el alucinante segundo disco (que, en muchos sentidos, no es una comparación justa con los otros álbumes, ya que Cream fue mucho mejor en vivo que en el estudio), este es definitivamente el mejor álbum de la banda.


En primer lugar, el disco de estudio: mientras que, como era de esperar, la instrumentación es una de las mejores de la década de 1960, es el hecho de que Cream haya dado en su paso de composición lo que hace que Wheels sea genial. Los otros tres álbumes de Cream sufrieron grandes canciones rodeadas de relleno. Si bien algunas de las canciones de este álbum están menos que completamente formadas (Passing the Time, Politician), el álbum es muy sólido.

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jueves, 12 de enero de 2023

DIRECTISIMO 70

Los amantes del soul clásico de Filadelfia tuvieron motivos para celebrarlo en 2006, cuando Collectables Records reeditó los tres primeros álbumes de estudio de Blue Magic (Blue Magic, The Magic of the Blue y 13 Blue Magic Lane) y esta grabación en vivo en CD.

Grabado en 1975 en Cherry Hill, en el Casino Latino de Nueva Jersey, este set de dos CD (originalmente un LP doble) encuentra a Blue Magic compartiendo el proyecto de ley con otros dos soulsters de los años 70: el Mayor Harris (un ex miembro de los Delfonics y primo del difunto productor Norman Harris) y Margie Joseph (que es la única no Filadelfia en Blue Magic se dispara en las actuaciones inspiradas de sus éxitos "Sideshow", "What's Come Over Me" (un dúo con el talentoso si subestimado Joseph), "We're on the Right Track Now" y "Stop to Start", y Harris no decepciona a los oyentes sobre el congenial "Loving You Is Mellow" o su sexy éxito de 1975 Lamentablemente, Harris fue una maravilla de un solo éxito como artista en solitario; "Love Won't Let Me Wait" fue su único éxito en solitario importante, pero sus contribuciones a Live no dejan ninguna duda de que era un hábil proveedor del soul de Filadelfia. Joseph, mientras tanto, es bastante agradable cuando le da a "My Love" de Paul McCartney el tratamiento del Northen Soul, aunque su actuación de "Feelings" de Morris Albert es innegablemente el punto más bajo de este álbum. Joseph intenta inyectar algo de alma en la balada insípida y blanda de Albert, pero no funciona; Joseph, a pesar de todo su talento, no puede salvar una de las canciones más insoportables y fáciles de escuchar de los años 70.

Pero la presencia de "Sentimientos" no debería disuadir a nadie de adquirir esta liberación generalmente gratificante, aunque ligeramente desigual. Teniendo todo en cuenta, Collectables hizo un enorme favor a los fans de R&B al editar Live en CD.


(Extraído All Music Guide) 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Cuando comenzó Motown Record Corporation de Berry Gordy, el primer grupo firmado fue The Miracles, también conocido como Smokey Robinson and the Miracles de 1965 a 1972. El grupo también fue el primero de los artistas de grabación millones de ventas de Motown, y el primer acto de Motown en aparecer en American Bandstand. El grupo tendría una carrera de diecinueve años en las listas de música estadounidenses, con más de cincuenta éxitos, dieciséis dentro del top 20 del Billboard Hot 100.

Smokey Robinson dirigió el grupo desde su creación en 1955 como "The Five Chimes" hasta que se retiró del grupo en 1972 para tomar un puesto más grande como vicepresidente de Motown. Otros miembros incluían a la esposa de Robinson, Claudette, Ronald White, Marv Tarplin, Pete Moore y Bobby Rogers. Además de su éxito en las listas, Smokey Robinson y los Miracles tendrían un profundo efecto en el rock and roll, con muchos de los éxitos de los Miracles cubiertos por grupos como los Zombies, los Who, los Rolling Stones, los Hollies y los Beatles.

Robinson, cuyo primer nombre es William, obtuvo el nombre de "Smokey" de su tío. Al joven William Robinson le encantaban las películas de vaqueros, y su tío empezó a llamarlo "Smokey Joe" como un nombre de vaquero. Todo el mundo lo llamó así hasta que tenía unos 12 años, momento en el que dejó caer la parte de "Joe".

Going to a Go-Go es el primer álbum deMiracles en usar el nombre de "Smokey Robinson and the Miracles". También es el único álbum de estudio del grupo que se encuentra en el top 10 de la lista de álbumes de Billboards 200, alcanzando el número 8. Smokey Robinson produjo el álbum y escribió o coescribió todas las canciones menos una de él.

Estamos seguros de que disfrutarás de esta explosión del pasado. 

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miércoles, 11 de enero de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Kenneth Clark Loggins (nacido el 7 de enero de 1948) es un cantautor y guitarrista estadounidense. Sus primeras composiciones de composición se grabaron con la Nitty Gritty Dirt Band en 1970, lo que llevó a siete álbumes, actuando como el grupo Loggins y Messina de 1972 a 1977. Como artista en solitario, Loggins experimentó una serie de éxitos en la banda sonora, incluida una nominación al Premio de la Academia por "Footloose" en 1984. Sus primeras contribuciones a la banda sonora se remontan a la película A Star Is Born en 1976, y durante gran parte de la década de 1980 y 1990, fue conocido como "The Soundtrack King". 'Finally Home' fue lanzado en 2013, poco después de que Loggins formara el grupo Blue Sky Riders con Gary Burr y Georgia Middleman.

Loggins nació en Everett, Washington, y es el menor de tres hermanos. Su madre era Lina (de soltera Massie), ama de casa, y su padre, Robert George Loggins, era vendedor. Vivieron en Detroit y Seattle antes de establecerse en Alhambra, California. Loggins asistió a la Escuela Secundaria Misión de San Gabriel y se graduó en 1966. Formó una banda llamada Second Helping que lanzó tres sencillos durante 1968 y 1969 en Viva Records. Greg Shaw describió los esfuerzos como "excelentes discos de folk-pop punk" que fueron escritos por Loggins, que probablemente también sería el líder de la banda y cantante.

Su álbum más relevante es Nightwatch, de 1976, producido por el pianista y compositor Bob James. Recoge una revisión del clásico de Billy Joe Royal Down in the boon-docks, asi como What a fool believes, escrito por Loggins y Michael McDonald.

En la versión de Loggins no tendría demasiada suerte, pero al año siguiente llegaría al número uno en Estados Unidos en la versión de los Doobie Brothers.

Aunque el plato fuerte es el dúo que realiza con Stevie Nicks (Fleetwood Mac) en Whenever / call you friend". El disco alcanzaría el número siete en el Billboard, y superó el millón de copias.

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AYER VÍ 13

Chicago. 1956. Leonard (Rylance), es un sastre inglés que confeccionaba trajes en la mundialmente famosa Savile Row de Londres.

Después de una tragedia personal termina en Chicago, trabajando en una pequeña sastrería en una zona difícil de la ciudad donde hace ropa elegante para las únicas personas a su alrededor que pueden pagarla: una familia de gángsters.

Esta familia de mafiosos intentará aprovecharse de la naturaleza gentil y complaciente de Leonard, que junto a su asistenta Mable (Zoey Deutch) se verá implicado con la mafia de una manera cada vez más grave.


Tiene ese aroma de thriller teatral que me recordó a las películas de Hickchock, pocos escenarios, prácticamente uno y mucho diálogo intrigante que va de menos a más.

No se trata de acción, ni efectismos, aquí básicamente todo es guión e interpretación, muy bien compuesto, dicho sea de paso.

En menor medida también me recordó a ese tratado en series y films de Hércules Poirot o Miss Marple de Agatha Christie, donde no se sabe quién puede ser el culpable, y no digo que sea un "adivina el asesino", no lo es, pero irremediablemente se compone de muchos giros y la realización junto con los desenlaces se te hacen familiares con dichas series.

Existen algunas incongruencias en algunos personajes con sus acciones, resultan poco lógicas, pero su esencia como obra teatral se las perdona sin tampoco ser tan graves.

Recomendada. 

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martes, 10 de enero de 2023

1970’s # 1 UK ALBUM

28.11.1970-4.12.1970

"New Morning" muestra a Dylan con mucha más energía de nuevo después de dos lanzamientos más relajados y cansados.

Las canciones son lírica y musicalmente mucho más fuertes, más desarrolladas y más interesantes que en los dos predecesores.

En general, el sonido es muy suave, la música es accesible o amigable para la radio, por lo que también tiene esta sensación de estación de pop/radio, que me encanta.

Pero sobre todo me alegro de que Dylan haya mejorado líricamente en este álbum. Lo más destacado para mí fue "Sign on the Window".

En general, un paso adelante que parece que Dylan realmente quería hacer algo nuevo de nuevo después de tocar con la mecha corta durante un tiempo. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Margie Joseph, nacida en Mississippi, pertenece a esa categoría de cantantes de Southern Soul que eran más de la variedad de tormentas tranquilas que el granero quemando el lamento del gospel. Joseph se siente bien con una estimada compañía de cantantes como Carla Thomas y Bettye Swann: una voz cálida y conmovedora, con el ocasional vamp completo.

Fue llevada a Stax Records en 1970 y con material proporcionado por los productores Fredd Briggs y Darryl Carter y el soporte estelar del groove tanto de los Bar-Kays como de los Muscle Shoals Swampers, Joseph grabó un álbum fenomenal que dio cuenta del esfuerzo del ejecutivo de Stax Al Bell para "fertilizar" la parte inferior del soul de Memphis

De hecho, este álbum se parece mucho a la lujosa obra "Hot Buttered Soul" de Isaac Hayes: gemas de alma bellamente arregladas, todas, en este caso, rematadas con la  dulce voz de Joseph.


El gran éxito, una maratón de tema, un giro orquestal en "Stop! En el nombre del amor", es igual a la opinión de Hayes sobre "Walk on By". Están las cuerdas florecientes y la tabla de trompas fuera , junto con riffs de guitarra sólidos de rock y una sección rítmica robusta. Evidentemente, esta pista impulsó el álbum al Top 10 de R&B, pero no te equivoques: el resto aquí es igual de brillante. 

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lunes, 9 de enero de 2023

1967’s # 1 USA ALBUM

14.10.1967-27.10.1967 

Bobbie Gentry suele clasificarse como artista country. Sin embargo, aunque cada una de las pistas de este LP debut es una viñeta de sus raíces rurales del sur, ninguna de ellas es country.

Cuatro son pop sofisticados vagamente al estilo de Bacharach: "I Saw an Angel Die" y "Sunday Best", que tienen un poco de influencia de bossa nova; "Papa, Wontcha Let Me Go to Town With You", que es un vals de jazz; y "Hurry, Tuesday Child", que tiene una sensación de verano perezosa.

Las otras seis pistas son una especie de mezcla de Rock y Soul de pantano. La canción principal, por supuesto, es la canción característica de Gentry, y es poderosa y atemporal.

"Mississippi Delta" es el más eléctrico, y "Niki Hoeky" (la única melodía que Gentry no escribió) es la más divertida.

Afortunadamente, las pistas de pop y swamp-rock se alternan, hasta el final. Cuando "Lazy Willie" se desvanece y "Ode to Billie Joe" comienza, es imposible no tener la impresión de que la pista se repite.

Sin embargo, no hay malas canciones en el álbum, y los arreglos son geniales en los años 60. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

La "MacArthur Park Suite" de 17 minutos contenida aquí es personalmente significativa porque sirvió como mi primera exposición a una canción larga (es decir, no un sencillo pop de 4 minutos).

Recuerdo haber escuchado esto en la radio una vez cuando tenía 20 años y estaba hipnotizado por su longitud, ya que simplemente continuó una y otra vez... y sonaba genial todo el tiempo. Pasaría unos años más hasta que me encontrara con canciones más largas.

Supongo que no es de extrañar que me metiera en el prog-rock durante esa época, pero ¿no es interesante que Donna Summer fuera la que marcó el partido al principio?

Solo el primer tema extendido de "I Feel Love" vale la pena el precio del álbum.

Fue emocionante escuchar música así en 1977... parece tan contemporánea en comparación con la música de los años 60, que no fue mucho tiempo antes. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Muy subestimado y olvidado segundo álbum de Belly.

El sonido es más fuerte, más rockero y menos fácil de usar que "Star". También es menos sutil, pero hay algunas malditas buenas canciones aquí. 'Puberty', 'Red', 'Seal My Fate', 'King' - todas buenas canciones - aunque las cosas comienzan a arrastrarse un poco después de la pista 7 ("King").

Las principales mejoras sobre "Star" están en la producción y en la voz de Tanya Donelly. Un par de años de giras constantes han endurecido su voz y la han librado de la tweeness que hizo que "Star" ocasionalmente fuera digna de vergüenza.

El buen pop indie hizo que 2 años fuera demasiado tarde para tener un impacto duradero. 

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domingo, 8 de enero de 2023

SALON DE LA FAMA 35(2020)

Antonio Martínez y Jose Sánchez 

Los Elegidos de ese año al Salón de la Fama del Rock and Roll fueron:

Despeche Mode, The Doobie Brothers, Whitney Houston, Nine Inch Nails, The Notorious B.I.G. y T-Rex.

Para ser elegible para el Salón de la Fama, un artista o banda individual debe haber lanzado su primera grabación comercial al menos 25 años antes del año de la nominación.

Las papeletas fueron elegidas por un organismo de votación internacional de más de 1000 artistas, incluidos los actuales inducidos vivos, historiadores y miembros de la industria de la música.

Factores como la influencia musical de un artista, el cuerpo de trabajo, la innovación, el estilo y la técnica se tienen en cuenta con la votación, según la organización.

Cuatro de los inducidos este año estuvieron en la boleta por primera vez: los hermanos Doobie, Whitney Houston, Notorious B.I.G. y T-Rex.

El Premio Ahmet Ertegun, que se entregará a Landau y Azoff, honra a compositores, productores, disc jockeys, ejecutivos discográficos, periodistas y otros profesionales de la industria que han tenido una gran influencia en el rock and roll.

La 35a Ceremonia Anual de Inducción del Salón de la Fama del Rock and Roll tuvo lugar en mayo en Cleveland, Ohio.

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