1971’s # 1 UK ALBUM

26.6.1971-2.7.1971 

Uno de los álbumes que he estado escuchando durante más de 52 años sin aburrirme. ¿Qué significa eso?

A) Soy nostálgico

B)Es una buena pieza musical

Puedes ignorar a salvo la mayor parte del lado B: el cristal de Bytches es la única pista del lado B que se acerca a Tarkus, que es la pieza monolítica de rock progresivo que siempre será una de mis favoritas de todos los tiempos.

Es increíble que este grupo de solo tres chicos pueda crear un sonido sinfónico tan abrumador. Se están empujando mutuamente hacia adelante en pasajes excepcionalmente dinámicos y emocionantes, todo bien estructurado por el virtuoso trabajo de Carl Palmer en la batería. Siempre es un poco molesto leer esas frases sobre arreglos rimbombantes que parecen aplicarse a todo lo que es un poco más que Leonard Cohen.

Así que toma un nuevo aspecto imparcial y sigue el enfoque dinámico y sinfónico adoptado en Tarkus, lo más probable es que disfrutes de esta pieza musical realmente esencial de los años 70. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Un poco más pulido que su primer álbum.

En realidad, esto suena más como un álbum debut adecuado.

Las canciones son más nítidas y las melodías son más memorables. Las voces de Christina también son más atractivas.

La producción más elegante en realidad no quita el encanto sucio de la música.

Solo añade más capas a su sonido de rock. Me encanta el sexy y tonto "I Dig You", mientras que las últimas tres canciones muestran a Christina cada vez más segura de ser el centro del escenario.

Algunas cosas geniales aquí que no grabarán tu cerebro. Las buenas canciones son aquellas en las que Jon Spencer está en el fondo. Las canciones no tan buenas son cuando es dueño del micrófono .

La lección es mantener a Jon Spencer alejado del micrófono tanto como sea posible.

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1968’s # 1 USA ALBUM

27.7.1968-9.8.1968 

Este álbum, el décimo en seis años, me proporcionó una experiencia auditiva muy exasperante.

Como todos los álbumes del TJB que preceden a este lanzamiento, este álbum cuenta con una canción absolutamente destacado (This Guy's in Love With You), un puñado de fuertes canciones complementarias (Panama, Slick, She Touched Me) junto con muchas canciones que se sienten como ejercicios musicales o calentamientos para la banda.

Y aunque la sensación general del álbum ciertamente puede dar una pretensión de que la banda actúe con un estilo de toque más seguro y maduro, el álbum se deshace en última instancia por su preponderancia de melodías competentes pero no descriptas. Además del material soso, el álbum también cuenta con un par de portadas sin inspiración , y una versión del tema muy cuestionable de Talk to the Animals.

Individualmente, sí, hay suficientes canciones aquí para hacer algo así como un álbum, pero tomadas como un todo, estas canciones son para vecinos extraños. De alguna manera, las canciones no cuadran. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Jazz, progresivo , psicodelia y toda una gran cantidad de instrumentos y herramientas musicales diferentes, todos encontrados aquí mismo. Teclados hipnóticos e instrumentación embriagadora que te perderán dentro de ti (escucha A2, A3, B1 y B3 si no estás convencido), ¡se encuentran ahí mismo!

Voz poderosa y dominante, cortesía de Linda Hoyle, encontrada aquí mismo.

La segunda mejor versión de All Along The Watchtower que he escuchado, también se se encuentra en este disco.

Hermosa obra de arte de portada influenciada por el ácido.

Música celestial para ser arrastrada y absorbida.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Homenaje increíblemente entusiasta y auténtico a la psicodelia de los años 60. Como gran fan de Psych y XTC, aquí es una mezcla absolutamente perfecta.

Melodías interesantes y pegadizas, auténtica producción de los años 60 y una capacidad extremadamente impresionante para recrear a algunos de sus artistas más queridos (Beach Boys pastiche en "Pale And Precious" es absolutamente perfecto... qué hermosa canción).

Un álbum extremadamente divertido de escuchar y la composición y la increíble atención al detalle con permanecer en el rango 1967-1968 son excelentes.

Tampoco creo que nadie pueda emular a Pink Floyd/Syd Barrett tan bien como esto. Cualquiera que sea incluso un poco escéptico sobre XTC debería escuchar esto. 

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OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (2020)

La banda sonora de la película Soul, compuesta por Trent Reznor, fue la ganadora de la 93.ª edición de los Premios Óscar en la categoría de mejor banda sonora original 

Soul es una película animada estadounidense de aventura, drama y comedia dirigida por Pete Docter y producida por Pixar Animation Studios. Narra la historia de un profesor de música que sufre un accidente antes de poder cumplir su sueño de convertirse en un reconocido exponente del jazz, por lo que debe embarcarse en un viaje al más allá para volver a la vida. 

Óscar a la mejor película animada y a mejor banda sonora.

Una pieza realmente pacífica de pianos de anhelo etéreo que crea un lugar espacial casi de inexistencia de paz y longevidad eternas. Es una partitura muy electrónica que parece que la banda sonora de Daft Punk' TRON murió, una delicia divina de piezas ambientales con un enfoque a veces minimalista que crea una sensación relajante

La otra parte de la partitura son las piezas de música de jazz de Jon Batiste para el entorno más común de Nueva York, principalmente la banda sonora de las secuencias que tienen lugar en el mundo mortal. Es muy decente y tiene un montón de momentos brillantes. Se las arregla para ser accesible y, en realidad, ser un jazz bien diseñado. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Formada en 1969, Embryo fue una banda alemana de rock cuya visión abarcaba el mundo.

Sus grabaciones fueron muy superiores a la mayoría de la "música mundial" comercializada bajo ese estilo en la década de 1990.

Basado en el Rock pero expansiva, las diversas fusiones que lograron sonaban orgánicas en lugar de preconcebidas.

Junto con la línea habitual de guitarras, bajo, batería y teclados, los miembros de Embryo tocaban vientos de madera, vibráfono, marimba, violín y instrumentos de cuerda del Cercano Oriente como el Laud y el dulcimer martillado persa llamado santur.

La banda grabó parte de su música en giras fuera de carretera por la India y Afganistán.

Embryo también estuvo en sintonía con la introducción de instrumentos eléctricos en el jazz que comenzó con In a Silent Way (1969) de Miles Davis, realizando fusión jazz-rock a un nivel de energía más alto que la mayoría de los practicantes de ese género. Grabaron con el pianista Mal Waldron, un expatriado afroamericano que había tocado con John Coltrane y Eric Dolphy, y con el saxofonista Charlie Mariano, un sideman de Stan Kenton y Charles Mingus.

Aunque varios miembros principales se fueron en 1981 para formar disidentes, Embryo sigue activo en el siglo XXI. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

 

La historia de Spyro Gyra es larga y distinguida. De hecho, la historia de la banda abarca 30 años, y sus éxitos de gira y grabación la han convertido en una de las piedras angulares del jazz contemporáneo, no creo que sea una exageración decir eso.

La banda había sufrido cambios de alineación y con "The Deep End", habían lanzado 28 álbumes, incluyendo 3 antologías (incluyendo un raro set de 2 discos) y 2 sets en vivo sobresalientes hasta ese momento .

La composición de Jeremy Wall “Summer Fling” es un tema que abre ,agradable y suavemente funky que muestra el sólido bajo rockero y siempre melódico de Scott Ambush, Dave Samuels en marimba y el sublime saxo alto de Jay Beckenstein.

La guitarra de aquí también es una alegría. También hay una buena guitarra en Eastlake Shuffle, que se abre en un estilo Larry Carlton muy genial.

Monsoon contiene algunas de las músicas más aventureras que he escuchado tocar a la banda desde "Stories Without Words".

Desde su exótica apertura con matices de música india hasta su cierre rocoso con una guitarra ardiente de Julio Fernández, es un drama.

Tiene sabores de jazz-rock de los años 70 y me encanta.

El estado de ánimo se aclara para el bonito As You Wish, que comienza con el trabajo de guitarra más delicado de Fernández. Todo el mundo debe ser admirado por el toque ligero que aportan a esta canción. Hay la cantidad correcta de todo. ¡El solo del teclado es espectacular. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Por alguna razón, este álbum de Roy Buchanan recibe críticas medias de la gente.

Voy a salir y decirte que esos críticos están equivocados y que "That Is What I Am Here For" de 1974 es una de las mejores ofertas de Buchanan. En aras de ser honesto, el álbum marcó un modesto cambio de dirección con respecto a su catálogo anterior. Si estuvieras totalmente comprometido con esos esfuerzos anteriores de blues-rock, este podría resultar problemático. Coproducido por Dennis Ferrante y Shelly Yakus, este álbum tenía dos cosas que hacer: 1.) Buchanan escribió la mayor parte del material (junto con los miembros de la banda Billy Price y John Harrison), y 2.) con frecuencia se sacudió como si no hubiera mañana. Así es, las aspiraciones de blues de Buchanan se echaron en gran medida al margen a favor de un rock and roll ardiente.

Los aspectos más destacados de mis oídos incluyeron su impresionante portada de "Hey Joe" (dedicada al difunto Jimi Hendrix), la "Canción de Rodney" al estilo de Allman Brothers (gran historia) y el éxito "My Baby Says She's Gonna Leave Me". Es cierto que el álbum no era perfecto. Como cantante principal, Price era un gusto adquirido 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Aunque Cluster fueron pioneros de la música industrial y la experimentación electrónica más avanzada a su tiempo en los primeros 70, este disco sigue la tónica ambient mucho más pausada de los trabajos de Eno de la época (es de 1977), la colaboración de Cluster añade al disco atmósferas y texturas, y lo hace más orgánico, dándole una belleza intemporal y alejándolo de la frialdad algo distante de otros trabajos ambient de Eno, a su vez Eno introduce orden en el caos propio de otros trabajos de Cluster, con lo que se complementan perfectamente. 

Un álbum que te transporta a otra dimensión, y te hace flotar dándote una gran paz, sin necesidad de sonidos espaciales y recargados, ni caer en la new age de postal, sino a través de su minimalismo bello y austero y al mismo tiempo adornado con matices atmosféricos, a medio camino entre Erik Satie, el ambient-tecno, anticipando el sonido ambient de los 90, y que hacen de este disco una de las obras clave del ambient de finales de los 70 (ambient que en este caso también se puede degustar con una escucha más atenta).

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El guitarrista Ry Cooder apareció en el renacimiento del folk-blues del sur de California a principios de la década de 1960.Mientras poseía el amor de un archivero por aprender de los artistas históricos de blues y folk y se comprometía a sonar auténtico,desde el principio estaba ansioso por reunir diversas influencias, especialmente del guitarrista bahame Joseph Spence. En 1966, Cooder cofundó los Rising Sons con el Taj Mahal con inclinación similar y tocó su álbum debut homónimo (1967).

Luego se unió a Captain Beefheart's Magic Band, pero se fue después de su primer álbum, Safe as Milk (1967). Cooder siempre ha estado en demanda como jugador de sesión. Grabó con los Rolling Stones en Let It Bleed (1969) y Sticky Fingers (1971). Cooder afirmó que el riff de "Honky Tonk Women" era suyo; su guitarra deslizante es prominente en "Sister Morphine". Cooder fue considerado como miembro de los Rolling Stones, pero fue rechazado por no poseer la imagen adecuada de los Stones. 

Paradise and Lunch (1974) incluyó un dúo con el pianista de jazz Earl "Fatha" Hines. No muy diferente a la banda, Chicken Skin Music (1976) conjuró recuerdos de un Estados Unidos anterior. Jazz (1978) exploró las raíces del jazz en ragtime y vaudeville. En Bop Till You Drop (1979), Cooder infundió rock con armonías gospel.

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DIRECTISIMO 76

La fórmula perfecta de Zappa. Combinar humor socarrón con música compleja y sencilla a la vez. Rock, jazz, blues, todo tenía cabida con una de las mejores bandas que rodeó al Maestro. 

Desde la instrumental impactante Zoot Allures, la divertida TInseltown Rebellion y dos clásicos de los Mothers, bien aceitados, con arreglos extra, pasando por sus nuevas canciones Hot Plate Heaven at the Green Hotel y What´s New in Baltimore? con sendos solos perrisimos de Zappa que no se abre ante las conjeturas de los solos extendidos, es decir, no lo piensa y fantasea con su guitarra, siguiendo sus propias líneas melódicas. 

En el paroxismo de la realización musical, llega el que es para mí su mejor instrumental: Let´s Move to Cleveland: extensa gira improvisatoria por parte de Alan Zavod (teclas), Chad Wackerman (baquetas) y claro, Zappa con una línea de bajo excelente que se ocupa de improvisar donde parece que no lo hacía a cargo de Scott Thunes. EL jefe Ray White aporta sus acordes con estruendo y finalmente con la ayuda inigualable de Bobby Martin, trayendo este resultado (la canción está editadísima) el pináculo de la obra zappiana.

El disco finaliza con Whippin´Post, con la excelente voz de Martin y las guitarras de los Zappas, padre e hijo. 

¿Fisuras? no hay,¿desmadre? total. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Tim Buckley surgió de la misma escena folclórica del sur de California a mediados de la década de 1960 que Jackson Browne, y a pesar del hecho de que ambos eran cantantes y compositores con una inclinación por las canciones intensamente emocionales e introspectivas, los dos artistas apenas podrían haber seguido trayectorias profesionales más divergentes.

Si bien Browne nunca se alejó de la corriente principal del soft rock que prevalecía en la década de 1970, el enigmático Buckley nunca mostró mucho interés en el éxito comercial, como lo demostró una visión musical que dio giros salvajes y cambios inesperados.

El camino de Browne condujo a la superestrella internacional, mientras que Buckley se lo ganó el estatus de figura de culto por su estilo vocal único y su creatividad inquieta. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Es el récord más diferente que ha hecho Orbital. Lo que parecía una experimentación en Middle Of Nowhere se demostró como una partida en The Altogether.

Sus exuberantes pistas de teclado y sus melodías impulsadas por Kraftwerk ya no están obviamente presentes, aunque todavía se podía escuchar de dónde venían.

Se trata más de los ritmos. ¡Incluso breakbeats! Pero una vez más, todavía puedes darte cuenta desde la primera escucha de que es orbital. Es extraño, pero cierto.

Las muestras también desempeñan un papel importante en estos lanzamientos.

Las pistas se basan en ellas y los ejemplos más obvios son Tootled (con usos de la línea de bajo de Tool (!?!?) "Sober") y una de sus mejores pistas en toda su carrera musical ¿Doctor? (¿Quién usa el famoso Doctor Who? Tema del título)

¡Es un disco muy raro para Orbital donde incluso puedes escuchar una canción electrónica-country/bluegrass/hillbilly/call-it-how-u-want (Waving Not Drowning)!

Lo que es más raro es que todavía suena como Orbital... 

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AYER VÍ 19

Mudbound, basada en la novela homónima de Hillary Jordan, publicada en 2008, nos devuelve a la América enfangada del estado de Mississippi, en la década de los cuarenta, justo después de que finalizara la Segunda Guerra Mundial, para denunciar una vez más la discriminación racial, que ni estaba resuelta entonces, ni lo está ahora, pues con demasiada frecuencia salta la noticia de jóvenes negros muertos por los disparos de policías blancos, que luego resultan impunes.

Pero si bien el tema no es nuevo, a mi modo de ver el principal mérito de Mudbound no consiste en el retrato de una sociedad podrida, como puede observarse en Matar a un ruiseñor (1962), ni en proclamar la identidad intelectual de la población de color, como podríamos argumentar en el caso de En el calor de la noche (1967), de Norman Jewinson, sino que Ree Dees, a pesar de su desconcertante juventud concentra su foco en profundizar en la psicología de cada uno de los personajes y acomete, además, la soberbia empresa de analizar dos familias en paralelo, una blanca y otra negra, con las interacciones que entre ellas se producen, todo ello, claro, dentro de una espesa atmósfera sureña.

Es como si la maldad procediera de la tierra pervertida, barro en realidad y de ahí el título, observado todo ello a través de los ojos de una joven madre blanca (Hillary Jordan también lo es) quien ha recibido una educación exquisita, que incluye el piano: se trata de Carey Mulligan en el papel de Laura McAllan.

La película denuncia todo lo que tiene que denunciar, pues es injustificable que un soldado negro que se jugó la vida contra los nazis en Europa sea humillado y escarnecido hasta límites sangrientos cuando regresa a Mississippi. «Esto es Mississippi», le dicen, cuando quiere salir de una tienda por la puerta delantera, todavía con su uniforme puesto, y tienen que hacerlo por la de atrás.

De manera que, narrada con realismo, eficacia y un importante protagonismo de los primeros planos, hemos de buscar los mejores logros de esta película en ese afán por buscar las causas del mal, que pueden ser telúricas, como ya mencionamos, o históricas basadas en todas las décadas de esclavitud en el sur de los Estados Unidos, el país tecnológicamente más avanzado del planeta Tierra, pero todavía con resabios neolíticos sin resolver. 

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1971’s # 1 UK ALBUM

5.6.1971-18.6.1971

Ahora sí McCartney se recupera y graba un álbum que le hace honor a su nombre y vuelve a mostrar en parte ese innato y no siempre respetado talento melódico. Pero lo mejor del álbum no es la famosa "Uncle Albert" sino que va por el lado de la desconocida "Smile Away", por lejos lo menos representativo aquí con sus sucias guitarras con un dejo a glam. Es una lástima que McCartney no haya intentado hacer más cosas en ese estilo más duro que siempre funcionó, siendo “Helter Skelter” el mejor ejemplo. 

Pero estamos en presencia del arquitecto del pop de The Beatles, así es que eso es lo que abunda en Ram y a pesar de que sólo "The Back Seat Of My Car" y " Dear Boy" están a la altura de sus mejores canciones del pasado, el conjunto es bastante consistente y con mínimos altibajos. No posee el lirismo del Lennon de Imagine pero si tuviera que elegir entre ambos álbumes tendría que pensarlo un buen rato.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Uno de los grandes discos pop de los ochenta. En las filas de la banda militaba la mismísima Björk, muy lejos de los registros a los que nos acostumbró con su carrera en solitario; en "Life's Too Good" predominan las guitarras, músicas post punk y con reminiscencias de la new wave, con especial mención a The B-52'S. Muy bueno. 

El sonido audazmente ecléctico y el peculiar ataque vocal gemelo de Bjork y Einar todavía suenan como nada más que haya escuchado. Si solo sus lanzamientos posteriores hubieran sido tan buenos, podrían haber sido como una de las "grandes" bandas independientes de todos los tiempos en lugar de solo una nota al pie de página. Tal como está, sin embargo, este es el único álbum de esta banda al que todavía vuelvo una y otra vez y obtengo un placer sin fin.

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1968’s # 1 USA ALBUM

25.5.1968-14.6.1968 

29.6.1968-26.7.1968 

Con Bookends Simon & Garfunkel alcanzó el número 1 en las listas ayudado por la enorme popularidad de Mrs.

Robinson y su aparición en El Graduado.

Aquí los arreglos se van haciendo más complejos y hasta aparecen improbables instrumentos como en el caso de “Save The Life Of My Child” y su desconcertante moog. La inmortal “America” es junto con “Sound Of Silence” su mejor canción y otros clásicos menores como “Old Friends”, “Punky’s Dilema”, “A Hazy Sahde Of Winter” y “At The Zoo” son suficientes para pelear con Parsley… el segundo lugar como el mejor álbum del grupo un poco por debajo de Sound Of Silence. “Voices Of Old People” viene siendo lo único fuera de lugar aunque ni siquiera se trata de una canción, por lo que es mejor hacer como que no existe. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

El último "álbum" del Rubber Band "original", Jungle Bass, ve a Bootsy, Maceo Parker, Fred Wesley y Bill Laswell armar una mermelada sumamente funky y luego... ponerla en el mismo proyecto un par de veces más! 

Sí, este proyecto es básicamente solo la pista principal y los remixes.

La canción en sí es muy buena, de hecho, fusionando su funk de la vieja escuela con un poco de percusión de la casa, y cambia a través de múltiples fases de ritmo y atmósfera, y suena muy, muy bien.

Las líneas de bajo son apretadas, los metales suenan fantásticos, los coros son geniales, e incluso si los remixes son solo trozos de la canción fuera de contexto, podría escuchar esta canción para siempre, así que estoy absolutamente de acuerdo con ella. Solo... ¿así es como revives la banda elástica después de más de una década de silencio? ¿En serio? 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Decir que este álbum ha caído en decadencia puede estar exagerando un poco las cosas, pero la calificación que esta teniendo para un disco que, al lanzamiento, estaba prácticamente a la vanguardia no es justa.

En el apogeo de House y Acid House, Soul II Soul fusionó nuevos estilos con virtudes anticuadas (Soul, cantautoras ), creando algo capaz de informar al futuro manteniendo sus vínculos con el pasado.

Hay un acento en la positividad, y en cierto sentido Club Classics, Volume One es un álbum aspiracional, que se aseguraría si no fuera una aspiración en el sentido de los grandes del Soul de un cuarto de siglo antes, en lugar de en el sentido de la nación yuppie de Thatcher.

Verdaderamente edificante. 

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OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (2021)

De las 84 canciones que se enviaron para optar a la mejor creación original pasaron a la final los siguientes artistas (llama la atención la diversidad de generaciones): Van Morrison (76 años), Diane Warren (65), Lin-Manuel Miranda (42), Beyoncé (40) y Billie Eilish (20).

"Be Alive", de El método Williams (Beyoncé y Dixson)

Beyoncé, una de las reinas del R&B, pop y música de baile y con una solida carrera basada en su poderosa voz y la experimentación rítmica, reinterpretando estilos y tendencias de décadas pasadas.

"Be alive" es un canto al trabajo duro, la familia y el orgullo de raza.El tema comienza emulando un coro acompañada al piano y continúa con  una batería obsesiva, cuya base rítmica pertenece a la canción "Five to one", de The Doors.

"Down to joy" (Van Morrison) de "Belfast"

Belfast, dirigida por Kenneth Branagh, nos lleva  a los años sesenta  con un drama optimista, en el que se alternan humor y sufrimiento, en la tumultuosa Irlanda del Norte.

La composición "Down to joy" es una de las muchas que el “león de Belfast” creó para la banda sonora. La imponente voz de Morrison aporta un toque de nostalgia. Merecido reconocimiento para uno de los grandes cantantes del siglo XX.

"Somehow you do" (Diane Warren)

Mila Kunis imita a una heroinómana en el filme de Rodrigo García Cuatro días. Basada en una historia real, los sentimientos de amor, fracaso, culpabilidad, compresión y apoyo, van construyendo el relato de esta enferma que recibe el apoyo incondicional de su madre. 

La cantautora Diane Warren no ha conseguido todavía el premio, aunque tiene una larga lista de canciones nominadas y artistas que las han interpretado: Toni Braxton, Aerosmith, Starship, Laura Pausini, Lady Gaga, Celine Dion, Gloria Stefan, Faith Hill o Cher, entre otras. Para esta nueva nominación -la quinta consecutiva, titulada "Somehow you do" (Diane Warren), ha acudido a la estrella del country, Reba McEntire.

"Dos oruguitas" (Lin-Manuel Miranda)

Una historia de amor y muerte en el pasado, Encanto, de la factoría Disney y nominada también al mejor largometraje de animación y mejor partitura para Germaine Franco.

Interpretada por el actor y cantante de pop latino y reguetón Sebastián Yatra, comienza como una canción de cuna que evoca con carácter metafórico la transformación de las orugas en mariposas.

No time to die" (Billie Eilish/Finneas O’Conell)

La canción que consiguió el Oscar "No time to die" (Billie Eilish/Finneas O’Conell) acompaña a la película Sin tiempo para morir que termina el “ciclo Daniel Craig”.

La artista más joven en participar de la banda sonora de una película de Bond. Eilish escribió la canción titular junto con su hermano mayor, el coproductor Finneas. Los productores Michael G Wilson y Barbara Broccoli dijeron que la canción de Eilish ha sido "impecablemente elaborada para trabajar dentro de la historia emocional de la película". "No Time to Die" refleja un Bond, oscuro, solitario y atormentado.

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https://youtu.be/DkIeWdxwpEU

            https://youtu.be/u6R_flCWidw

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DIA

Cuando Wendell y Sherman Holmes hicieron su debut discográfico en 1990, habían estado tocando sin fanfarria en el área de la ciudad de Nueva York durante 20 años.  Que una música tan potente pueda pasar desapercibida durante tanto tiempo es uno de los misterios de la vida.

La clasificación más fácil para la música que ofrecen los hermanos es soul clásico con una fuerte base espiritual.

Sus canciones compuestas por ellos mismos delatan profundas raíces evangélicas, pero la variedad de su material los muestra igualmente cómodos con el clásico de Stax-Volt ("When Something Is Wrong With My Baby", de In the Spirit), Sam Cooke ("That's Where  It's At" de Where It's At), Jimmy Reed ("Baby, What You Want Me to Do" de In the Spirit) y Hank Williams ("I Saw the Light" de Where It's At).  Wendell Holmes también está mostrando un crecimiento considerable como compositor.

El suyo es el falsete sobrenatural que interpreta tan bien contra los estilos vocales agresivos de sus compañeros, agregando ternura y delicadeza a las salidas bulliciosas y un toque suave a su canto en general.

Su voz principal en "The Final Round" de In the Spirit lo encuentra declamando a la Otis Redding,In the Spirit y Where it’s at are son altamente recomendados.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El segundo año de The Jungle Brothers es uno de los álbumes más frescos del año, por alguna extraña razón no tomado demasiado en serio por los fans.

El grupo proporciona temas más afrocéntricos que el debut experimental, lanzando letras inteligentes y socioconscientes entregadas con un rap simple, divertido, suave y fácil de llevar de Africa Baby Bam y Mike G, por encima de una producción entre las mejores de los años ochenta.

Lleno de cortes de droga, el álbum se encuentra entre los más creativos, enérgicos, coherentes y sólidos de 1989, entre los mejores esfuerzos en el campo del rap alternativo, sin renunciar a las piezas conscientes y bailables: el álbum siempre ofrece temas y música variados y diferente, en particular desde el punto de vista musical, es excelente y prácticamente impecable, gracias a su eclecticismo.

Ayudado por ritmos mínimos, esqueléticos y crepitantes, y excelentes puentes, toca casi todos los géneros de muestreo de música funky, soul y africana dando vida a sonidos melódicos, ligeros y brillantes, sin sacrificar la house y el jazz: libera un estado de ánimo impulsor, positivo y agradable que lo hace destacar en medio de la escena por su naturaleza innovadora. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Nada menos que el poeta , cantaor y mito del flamenco rock andaluz, dón Manuel Molina, que tras una noche de deambular por el precioso barrio granadino, al estilo de la novela "El cuentista", le llevó a titular su primer trabajo en solitario, (tras la separación de la pareja artística y afectiva que formaba con Loles de "Lole y Manuel"), con el elocuente nombre de la "Calle del Beso".

Lugar exacto dónde recuperó el rumbo tras un celebrado encuentro con el Duende e intercambio de ósculos con sus musas.

La historia de ese disco publicado en 1999 debería figurar junto a la placa que recoge la leyenda que ilumina el por qué de tan bello y singular nombre de esta corta y estrecha calleja de la Garnata musulmana. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Antes de un pequeño y olvidable "regreso" en los años 90, James Carr lanzó dos álbumes con una lista de canciones bastante similar en 67 y 68. Su pasión e intensidad mientras cantaba canciones de amor y ruptura en su debut en 1967 causarían lo que es innegablemente uno de los mejores álbumes de soul del sur.

Carr puede no ser tan conocido como otros cantantes de soul similares de la misma época, como Otis Redding, pero eso no significa que no sea capaz de aportar la misma calidad.

Sin embargo, tuvo un poco de éxito con su sencillo "The Dark End of the Street", que luego ha sido versionada por artistas de alto perfil como Bruce Springsteen, Elvis Costello y Aretha Franklin. 

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DIRECTISIMO 75

Este es un gran, gran álbum en vivo, el mejor que he escuchado hasta la fecha, y uno de mis favoritos para escuchar en cualquier momento. El disco está muy bien mezclado y fluye increíblemente bien. Por este álbum, realmente puedes ver que Ani tiene una cantidad obscena de cuidado en lo que lanza, y tienes la sensación de que lo hace porque lo dice en serio. El arreglo es fascinante, y el álbum está realmente preparado como un concierto. Gracias, sargento Pepper.

Hablando de cuidado, chico, ¿lo rasga en este doble disco? Ella pone TODO en sus actuaciones en vivo, y la diferencia entre este álbum en vivo y sus álbumes de estudio es como la noche y el día. El álbum en vivo es divertido y sincero, y captura el atractivo de Ani lo mejor que puedas en forma enlatada.

Aparte de sus conmovedoras letras y su actuación de let-it-all-hang-out, ¡Ani es una r bruja en la guitarra! Sus Lee Press-On Nails realmente están atravesando todo el álbum. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Un disco enérgico, lleno de paradas y salidas, aumentando y liberando la tensión sin problemas, con toques de Colosseum, Tull y Traffic entre otros; Rock Blues, Prog, Psych pero también Country 

Las unciones de saxo/guitarra, los rellenos de bajo inventivos, la batería sensible y el uso sabroso de los teclados (órgano y piano electrónico) son marcas comerciales.

Un pegadizo, Rock Blues lleno de giros, y una épica increíblemente incansable, multiparte y verdaderamente progresiva, llenó el primer lado muy fuerte del álbum

"I Can't Change" alterna entre la flauta inquietante y el órgano que recuerdan a East of Eden, y una parte acústica más popular, las voces que van de duras a soñar, con psicología entre medias, y "It's all Up with Us" es una roca ligera con toques country;

"Fuschia" es más rockero, con un buen ambiente, armonías vocales y sonidos de guitarra de los años 60 y muchas flautas, pero el final se arrastra.

Las pistas adicionales incluyen un Pop-Rock de los 60 ("Homer"), un 3⁄4 FolkRock con un ambiente de canto y florecimientos de oboe ("Woman of the World") y un agradable Psych Rock con un ritmo contagioso, voces tontas, saxo y lavados de órgano y una sensación oriental en la línea de principios del este del Edén

Algo inconsistente, pero con propuestas interesantes. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Sweet Revival es el segundo álbum de Gino Matteo. Sweet Revival es un nombre adecuado para el álbum; Matteo es un fanático de los artistas clásicos en el reino del blues rock y les hace un asno de sí mismos mientras añade su propio giro en las cosas. Viviendo en California, Matteo produce y arregla álbumes para otros artistas, además de trabajar en su propia carrera musical. Matteo ha trabajado con artistas como B.B. King, John Mayer y John Fogerty, lo que demuestra que está bien versado y bien redondeado en la industria de la música.

"Here Comes the Lord" es una pista pesada de guitarra eléctrica respaldada por un coro . Viene lleno de una sensación de alma que abre el álbum con fuerza. La siguiente pista, "Pulpit in the Graveyard", también sigue su ejemplo. "Coming Clean" se destaca como una de las pistas más fuertes del álbum.

Fluyendo justo después de "Pulpit in the Graveyard", lleva la guitarra cruda y pesada y la combina con la suave voz de Matteo.

La canción habla de seguir adelante y superar a alguien sin sonar lamentable.

Sweet Revival se ralentiza ligeramente con "Take a Chance on Me", que cuenta con instrumentos acústicos y eléctricos que se complementan muy bien. "Juegos de la Infancia" trae el respaldo del coro con toda su fuerza. La voz rica y suave de Matteo solo se ve reforzada por los coros a lo largo de la pista.

Sweet Revival termina con "Listen to Your Mother", una canción agradable con un homenaje a la mujer más importante de la vida, tu madre.

En general, Sweet Revival es una experiencia auditiva agradable. No hay una sola pista que se destaque .

Cada pista tiene un sonido un poco diferente, pero todos se unen para un álbum sorprendentemente cohesivo. Todas las partes de Sweet Revival se unen para crear un gran rompecabezas. 

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AYER VÍ 18

Soul es una apuesta arriesgada que funciona muy bien en múltiples apartados.

No es fácil conseguir atraer a públicos tan dispares como niños y adultos en una sola obra, pero Pixar lleva años nadando en este mar de complejidades y siempre lo hace de maravilla.

'Coco' e 'Inside Out' son probablemente las películas que más se adhieren a ese ímpetu de tratar temas complejos en un formato que siga siendo atractivo para los más pequeños.

En el apartado 'infantil', Soul es tan brillante como las dos películas mencionadas, con una animación exquisita y unos detalles técnicos impresionantes, con los que es capaz de entretener (y muchas veces divertir) al espectador, independientemente de su edad.

En el ámbito más maduro, en cambio, he de desmarcarme de algunas otras críticas que he leído al respecto, ya que la considero inferior a las dos películas mencionadas previamente, especialmente 'Inside Out', que sigue pareciéndome la obra más completa de Pixar hasta la fecha. Creo que esta película trata de abarcar demasiados temas complejos en muy poco tiempo.

Es por ello que las piezas no encajan tan bien como en el viaje por la mente humana que plantea 'Inside Out' y algunas cosas sencillamente me parece que carecen de sentido.

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1971’s # 1 UK ALBUM

8.5.1971-4.6.1971 

19.6.1971-25.6.1971 

El noveno álbum de estudio "Sticky Fingers" fue un punto de inflexión en la larga carrera de los Rolling Stones.

La banda acaba de fundar una compañía discográfica ganadora, "Rolling Stones Records" y "Sticky Fingers" fue el primer álbum que se lanzó.

Las portadas del álbum también son el primer álbum que presenta el famoso logotipo de la lengua en la portada.

Y, por supuesto, es un gran álbum que a menudo se considera el pico de la banda.

El álbum fue lanzado en 1971. En ese momento, la banda estaba ocupada y estuvo de gira casi todo el año, por lo que grabaron en gira y el álbum fue grabado en varios estudios de todo el mundo entre 1969 y 1971.

"Sticky Fingers" fue también el primer álbum en contar con el nuevo guitarrista Mick Taylor, quien reemplazó a Brian Jones, que tuvo que dejar la banda porque tenía un grave problema de drogas. Mientras tanto, murió.

Mick Taylor ya tocó dos canciones en el álbum de estudio anterior "Let it Bleed", pero esta vez estuvo involucrado en el proceso de grabación y fue la razón por la que la banda entró en una dirección más dominada por el blues.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El álbum autotitulado de Ted Nugent de 1975 es sin duda uno de los mejores debuts en solitario de la historia.

Esta fue la salida de Nugent de The Amboy Dukes. Se había cansado de su falta de enfoque y esfuerzo como banda y estaba inquieto para tener un impacto en el mundo del Heavy Metal. Y definitivamente lo hizo.

Ted Nugent es sin duda uno de los mejores álbumes de guitarra de la historia, está repleto de sus pistas de guitarra rugientes, gruñidas y abrumadoras en gemas de Hard Rock apretadas y compactas como Stormtroopin, y épicas de guitarra largas y sinuosas como Stranglehold. Las guitarras de Ted Nugent dominaron tanto estas canciones que empujan al vocalista Derek St. Holmes hasta sus límites y más allá, solo tratando de defenderse. 

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1968’s # 1 USA ALBUM

6.4.1968-24.5.1968 

15.6.1968-28.6.1968 

The graduate era una película pequeña, artística y a menudo incómoda sobre la vida romántica de un graduado universitario sin rumbo difícil de explicar, y sin embargo fue enorme. Se convirtió en la película más taquillera de 1967, y ajustada a la inflación, obtuvo una asombrosa cifra de 783 millones de dólares. Este éxito sorprendió por completo a la mayoría de los ejecutivos de estudio y inició la ahora mítica era de New Hollywood, una época en la que los éxitos de taquilla arenosos y realistas eran la norma. En medio de todo esto, es fácil olvidar la importancia de la banda sonora de The Graduate en esta ecuación. El director Mike Nichols se había metido en la música de Simon & Garfunkel, el dúo folk de Nueva York que había salido del remix de folk rock de "The Sounds of Silence", mientras hacía la película, y pidió a Paul Simon que participara en la banda sonora. El uso de canciones pop en una película nunca se había hecho antes, pero fue una buena elección por parte de Nichol: S&G puede haber sido grandes estrellas en el 67, pero aún así aprovecharon los pensamientos y sentimientos de los niños universitarios de 60 años mejor que la mayoría. Aún así, a pesar de la importancia de la elección de Nichol, no estoy convencido de que haya sido un gran álbum. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

En una entrevista de 1981 en la revista Rolling Stone Keith Richards proclamó Fiyo on the Bayou como el álbum del año. Eso era lo suficientemente bueno como para salir a comprarlo y no  decepcionó. Está lleno de ritmos de segunda línea y ritmos funky. Hacen su propio "Hey Pocky Way" y "Fiyo on the Bayou" y encabezan sus originales. "Sweet Honey Dripper" es un entrenamiento funky en la vena de la Tierra, el Viento y el Fuego. Mezclan a los viejos favoritos de Nueva Orleans "Iko Iko" (en una mezcla con su propio "Brother John") y "Run Joe". Traen un buen giro a "Sittin' in Limbo" de Jimmy Cliff y para un poco de alivio del baile de fiesta sin parar, cubren el clásico doo-wop "Ten mandamientos de amor" y Suena una potente brevaje vudú de Nueva Orleans.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Las steel guitars no se asocian normalmente con la reproducción de música sacra y gospel. Sin embargo, en The House of God, Keith Dominion, en Nashville, Tennessee, la stell guitars es un elemento esencial para permitir que la congregación sienta el Espíritu. Los hermanos Campbell, Charles (Chuck) en la steel guitar y Phil en la guitarra eléctrica y el bajo, nacieron en la tradición musical afroamericana de la santidad-pencostal. Músicos consumados en varios géneros musicales, se convierten en hermanos  cuando tocan en la iglesia. 

Chuck dice que su propósito es "mover el servicio" alentando a la congregación a llenarse del Espíritu Santo. En esta grabación, a los hermanos se les une la cantante de gospel Katie Jackson. 

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OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (2021)

La banda sonora de la película Dune, compuesta por Hans Zimmer, fue la ganadora de la 94.ª edición de los Premios Óscar en la categoría de mejor banda sonora original

El legendario compositor Hans Zimmer es conocido por su gran historial de sus partituras cinematográficas. Su trabajo en el cine ha sido absolutamente impresionante, y este es un nuevo experimento para él. La nueva película de Denis Villeneuve, una adaptación de la novela Dune de Frank Herbert de 1965, ha estado en proceso durante un tiempo, y tiene un elenco masivo: Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Josh Brolin, Stellan Skarsgård, Dave Bautista, Stephen McKinley Henderson, Zendaya, David Dastmalchian, Chang Chen Cuando escuché que Zimmer iba a componer la partitura, estaba muy emocionado. Junto con eso, se dio a la voz de que Zimmer no había hecho ni una, ni dos, sino tres partituras separadas para la película. La primera partitura, The Dune Sketchbook, y la tercera partitura, The Art and Soul of Dune, Este segundo, la música que escucharemos en la película, es lo que cubriremos hoy. Así que no perdamos más tiempo de deleite de  la audición.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Desde 2006, "Educated Horses" es el tercer álbum de Rob Zombie. No es lo que esperaba - quiero decir que obviamente es Rob Zombie - "American Witch" aparece en la compilación de "Icon", al igual que "Foxy Foxy", "The Devil's Rejects" y "The Lords Of Salem", todas buenas pistas, pero la sensación general de "Educated Horses" no es heavy metal o rocas duras, es otra cosa Luego, leí los detalles del álbum y descubrí que Mr Zombie quería hacer un álbum de Glam Rock con Slade, T.Rex y er, Gary Glitter siendo influencias. Creo que lo ha conseguido. Vale, hay horror aquí con "17 Year Locust", con una guitarra tipo sitar, pero esto es muy comercial y muy accesible y muy ...glam. Eso significa que a veces se desvía del territorio de Marilyn Manson, pero sobre todo, Rob Zombie es su propio hombre y, en última instancia, "Educated Horses" es muy divertido.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Cuando la leyenda alemana de Progrock Eloy lanzó la primera parte de su "Rockoper" con el título algo voluminoso The Vision, the Sword and the Pyre, la mente maestra Frank Bornemann anunció el segundo y final capítulo para 2018. Al final, tardó mucho más, pero  finalmente se hizo.

La profunda pasión de Bornemann por el icono nacional francés Juana de Arco alias Juana de Orleans, cuya corta vida como probablemente tenía dieciocho años el 30 de mayo de 1431 terminó en la hoguera, dio al de mediados de los setenta la fuerza para sacar todo de sí mismo una vez más y dejar a sus fans una última obra probablemente opulenta de Eloy. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

El primer álbum de Enya, y posiblemente también su mejor. Lo que hace que este álbum sea bueno, es que realmente no hay ninguna pista mala en él, todo es bastante bueno. Lo malo del álbum es que todas las pistas son "bastante buenas". Rara vez el álbum o cualquiera de las pistas se eleva a "extremadamente buena", las pistas son bastante buenas, y esto reduce el efecto del álbum.

Como las pistas son casi todas igual de buenas, es difícil elegir favoritas y menos favoritas, pero supongo que mis pistas favoritas serían "I Want Tomorrow" (a pesar de un solo de guitarra ligeramente fuera de lugar), así como las dos humildes (pero demasiado cortas) "Epona" y "Bard Dance". Sin embargo, la mejor canción podría ser "To Go Beyond (Part II)", que termina el álbum.

Una pieza como "Portrait (Out Of The Blue)" sería otra de las favoritas, pero debido a las muchas paradas, donde el piano hace una parada artística y detiene el ritmo.

El lanzamiento debut de Enya, inicialmente titulado Enya a secas, pasó desapercibido durante muchos años, y fue solo una vez que Watermark LP llegó a los estantes de las tiendas que la gente tomó nota de él. Su álbum debut finalmente fue relanzado en 1992 bajo el título The Celts. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El lanzamiento del álbum Vision en 2009 ya fue una gran sorpresa para los fans de la leyenda alemana del progrock Eloy, fundada en Hannover hace 48 años, después de una pausa de más de una década. Después de los exitosos conciertos de 2012/2013 y un álbum en vivo posterior, muchos probablemente ya no esperaban escuchar noticias de Mastermind Frank Bornemann y sus compañeros musicales que cambian a menudo.

Luego, de repente, se anunció una especie de ópera de rock para principios de 2017, pero su lanzamiento se pospuso durante meses. Pero ahora The Vision, the Sword and the Pyre: Part 1 finalmente fue lanzado. Su tema, la historia de Juana de Arco (también conocida como Juana de Arco alias Juana de Orleans), acompañada de muchos misterios, está en libros, pinturas, películas, música clásica y contemporánea (incluyendo Leonard Cohen, Orchestral Manoeuvres in the Dark, Kate Bush) se procesó con tanta frecuencia que otra ocupación con él parecía bastante superflua. 

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DIRECTISIMO 74

Desde el decisivo instrumental de guitarra de apertura "5AM", hasta el épico solo de guitarra de final en "Comfortably Numb".

El set de 2,5 horas eligió meticulosamente canciones de todas las épocas: canciones de Pink Floyd de los años 70, 80 y 90, On the Island, Rattle the Lock.

Es una carta de amor a Pink Floyd, una visión general de la legendaria producción de la banda a lo largo de los años, al tiempo que agrega más al plato con las obras en solitario de David Gilmour, empapadas en el sonido de Pink Floyd de principios de los años 70.

Es un programa muy bien producido. El habitual espectáculo de luces de Pink Floyd está de vuelta una vez más para que las nuevas generaciones lo disfruten en Full HD.

El telón de fondo de Pompeya es particularmente significativo, ya que la banda hizo un espectáculo en vivo allí hace unos 40 años (David gongs en "One of These Days", un maravilloso hearkening back), y la ubicación encaja muy bien con la discografía de Pink Floyd (ver "Echoes" de Pompeya 1971). 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

¡El álbum de U2 No Line On The Horizon es genial! Las pistas que destacaría yo diría que son "Stop (The Poverty)," "Sexy Boots" y "Start (To Kneel)". El bono adicional de las olas en el fondo también es genial, ¡habla de la atmósfera! Increíbles paisajes sonoros.En cuanto a los paisajes sonoros, lo mejor es la canción principal, una canción amplia con las voces de Kate Bush, Tori Amos y Peter Gabriel. Bono también alcanza bastante la C alta en esta canción.

Curiosamente, Larry Mullen no aparece en este álbum en absoluto, aparentemente reemplazado por una cabra. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Como para la mayoría de los metalheads, el nombre de Simon Phillips para mí estará para siempre atado con la obra maestra de Judas Priest "Sin after Sin" en la que Phillips tocó como baterista de sesión contribuyendo a la excelencia del álbum, gracias a sus sutiles formas de tocar.

Estaba ansioso por saber más de este artista, y el hecho de que el "Protocolo" se publicara en un sello principalmente de metal (Music for Nations) despertó aún más mi intesrest.

No estoy decepcionado por el resultado, incluso si este álbum es bastante poco espectacular. En esto, Phillips ofrece una forma bastante resbaladiza y pulida de Jazz Rock, a veces acercándose a la tecnología-AOR.

Al igual que los grandes artistas, Simon Phillips no siente la necesidad de mostrar su talento y prefiere apoyar sólidamente todas las composiciones con su elegante y contenida batería. Un gran esfuerzo, aunque no sea innovador. 

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AYER VÍ 17

Los odiosos ocho o Los 8 más odiados (The Hateful Eight en el título original) es una película de western, intriga, drama y thriller estadounidense.

Ganó 1 premio Óscar a la mejor banda sonora. Fue también nominada por mejor actriz de reparto (Jennifer Jason Leigh. Interpretó a Daisy Domergue) y mejor fotografía.

Se estrenó el 7 de diciembre de 2015 en Estados Unidos (premiere: Los Angeles, California); el 30 de diciembre de 2015 en los cines de Estados Unidos

Años después de la Guerra de Secesión, una diligencia avanza a toda velocidad por el invernal paisaje de Wyoming. Los pasajeros, el cazarrecompensas John Ruth (Kurt Russell) y su fugitiva Daisy Domergue (Jennifer Jason Leigh), intentan llegar rápidamente al pueblo de Red Rock, donde Ruth, conocido en estos lares como «el Verdugo», entregará a Domergue a la justicia. Por el camino, se encuentran con dos desconocidos: el mayor Marquis Warren (Samuel L. Jackson), un antiguo soldado negro de la Unión convertido en cazarrecompensas de mala reputación, y Chris Mannix (Walton Goggins), un renegado sureño que afirma ser el nuevo sheriff del pueblo. Como una ventisca está a punto de alcanzarlos, los cuatro se refugian en la Mercería de Minnie, una parada para diligencias de un puerto de montaña. Cuando llegan al local de Minnie, en lugar de recibirlos su dueña, se topan con cuatro rostros desconocidos: Bob (Demian Bichir), que se ocupa del negocio de Minnie mientras ella visita a su madre; Oswaldo Mobray (Tim Roth), verdugo de Red Rock; el vaquero Joe Gage (Michael Madsen) y el general confederado Sanford Smithers (Bruce Dern). Mientras la tormenta cae sobre la parada de montaña, los ocho viajeros descubren que tal vez no lleguen hasta Red Rock después de todo...

Como en las películas de Quentin Tarantino los finales son imprevisibles … 

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1971’s # 1 UK ALBUM

17.4.1971-7.5.1971 

Motown Chartbusters: La serie ganadora de éxitos del Reino Unido de Hitsville

La compilación de 1970 no solo fue otra colección de grandes éxitos del sello, sino que se convirtió en el último número 1 de la propia serie. 

El resultado fue otro éxito de gráficos, una carrera de 40 semanas y la continuación de una serie que produjo otro número 1 con el volumen 5. Los volúmenes originales continuaron hasta la novena edición en 1974, con tres más añadidos a principios de la década de 1980. Estos recuerdos muy británicos de la popularidad transatlántica de Motown fueron tan amablemente recordados que fueron reeditados por la etiqueta Spectrum de Universal en 1997. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Descubrir Iceberg ha sido una excelente experiencia por diferentes razones. Nunca pensé que habría tal tipo de banda de fusión de rock progresivo en España. Aunque reclaman sus raíces catalanas y todas las notas de sus discos están escritas en catalán, lo siento como una música muy cercana.

Después de su debut en Tutankamón, Coses Nostres desarrolla una mezcla muy sofisticada de jazz, rock progresivo y rock sinfónico. Las composiciones son bastante desiguales por diferentes razones: la mayoría de las pistas son bastante largas e incluso para los músicos más talentosos, mantener el interés a través de composiciones largas y pasajes de improvisación es muy complicado.

Desde el punto de vista técnico de las cosas, Iceberg eran muy buenos músicos, pero no entre los mejores. Honestamente, creo que Max Suñé está un poco sobrevalorado, aunque mejor que cualquier guitarrista en España en ese momento. Sin embargo, el teclista Josep "Kitflus" es muy bueno, una agradable sorpresa. 

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1968’s # 1 USA ALBUM

Se ha notado antes, pero vale la pena repetirlo: la década de 1960 no era solo sobre el rock and roll. Como muchos expertos han señalado, era un momento en el que la radio AM podía reproducir, espalda con espalda, a los Beatles, Herb Alpert, los Supremes y Frank Sinatra. Eso no es solo una figura de discurso: todos esos actos, para tomar solo una muestra, disfrutaron de éxitos masivos #1 de 1966 a 1968. No siempre fue necesariamente algo bueno, pero realmente se podían escuchar instrumentales fáciles de escuchar con indiferencia entre los últimos éxitos de British Invasion y Motown. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Temas como “The Park” y sobre todo “Salisbury” (con el acompañamiento de una orquesta sinfónica y coros) son de lo más destacado dentro de un álbum plagado de grandes pasajes.

El mejor momento del grupo con Ken Hensley liderando y David Byron en su plenitud vocal.

El álbum representa también la primera sacudida en términos de personal con la salida del baterista Keith Baker, reemplazado por Ian Clark, quien venía de la banda Cressida.

Esta dura unidad rockera la completaban el vocalista líder David Byron, el guitarrista Mick Box y el bajista Paul Newton. El vinilo del que celebramos su más de medio siglo de existencia fue producida por Gerry Bron con Peter Gallen detrás de los controles.

Salisbury es el punto medio de la excelente trilogía que conforman …Very ‘Eavy … Very ‘Umble de 1970 y el clásico Look At Yourself de 1971.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Este Album está muy en línea con el trabajo más reciente de Brown, bajo el nombre de Crazy World y bajo el suyo propio. Es decir, esto es básicamente rock psicodélico relajado con inclinaciones artísticas e influencias de jazz y blues, anclado por la voz distintiva y conmovedora y las letras poéticas de Arthur Brown. La música y los arreglos están bastante bien realizados; ninguna canción individual es súper ambiciosa, pero todas las pistas siguen juntas, dando al álbum una sensación coherente. La voz de Brown todavía está en buena forma, y sus letras todavía están en el mismo estadio en el que han estado desde el renacimiento de su carrera de finales de los 90 (es decir: muy sincera, entrañablemente idealista, a veces casi ingenua).

Todavía con una buena voz y un concepto musical que recuerda a Van der Graaf Generator en algunas de las canciones (y no de mala manera).

Otras canciones van al territorio del blues psicodélico y ninguna de ellas falla.

Un verdadero punto culminante al final de la carrera. 

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