Adicto a la música en general y devorador de libros de la historia del pop, el rock, el soul, el jazz... Este grupo lo creé con una finalidad divulgativa, como una referencia para aquellas personas interesadas en conocer y transmitir algo más sobre lo que escucha. Lo que me hubiera gustado encontrar a mí cuando me empecé a aficionar a la música, de haber existido internet...
El Kingston Trio ayudó a lanzar el renacimiento folk de finales de la década de 1950 hasta finales de la década de 1960. El grupo comenzó como un acto de discoteca del Área de la Bahía de San Francisco con una alineación original de Dave Guard, Bob Shane y Nick Reynolds. Aumentó a la popularidad internacional, impulsado por ventas sin precedentes de álbumes discográficos (LP) de larga duración de 33 1/3 rpm, y ayudó a alterar la dirección de la música folk en los EE. UU.
Más prohibido y excéntrico de lo que esperaba... Funkadelic es finalmente una banda que lleva su nombre bastante bien, y en este álbum, George Clinton y su compañía se inclinan mucho más hacia lo psicodélico que hacia el funk que uno pensaría que podrías escuchar en un CAN a la americana, con el mismo tipo de ritmo repetitivo y canto poseído.
Al igual que los discos de la banda alemana, este Free Your Mind... apesta a drogas, y por una buena razón.
Los músicos habrían grabado el álbum mientras todos estaban en ácido, y esto se siente incluso en la mezcla completamente peligrosa.
Por lo tanto, algunas pistas están más cerca de la jam experimental alucinada que de la canción real y alcanzan un nivel de locura que realmente no encontraremos en su próximo álbum, excepto por el brillante "Wars of Armageddon".
¿Megalomanía? Por supuesto, cómo no la iba a tener un músico que intentó realizar el probablemente disco más ambicioso de la historia.
Sobradísimo de talento... y de ácido, Todd nos entrega un monstruo sonoro donde todo tiene cabida, desde la psicodelia más imaginativa hasta el heavy metal peleón, desde las tremendas baladas deudoras de sus dos anteriores discos hasta el soul más sofisticado, desde el progresivo más inspirado y arriesgado hasta los coros a lo Brian Wilson más sutiles, desde los instrumentales más originales hasta las majaradas más surrealistas, y acabando en varios himnos inolvidables.
Todo lindando en el límite entre la imaginación mas desbordada y el desbarre sonoro. Un mundo onírico y desmadradísimo en poco menos de una hora.
Antonio Martínez y José Sánchez
Carta de Neil Young al Salón de la Fama.
"Me siento honrado al ser admitido en el Rock & Roll Hall Of Fame como miembro de Buffalo Springfield. La música que hicimos , los buenos ratos compartidos, serán siempre una parte importante de mi vida. Siempre sentí que hacíamos algo significativo, que al grupo y su público les unía un lazo especial. El negocio de la música era mucho más pequeño en aquella época. Eran días de inocencia. Cuando hace algunos años se organizó el Rock & Roll Hall Of Fame me sentí muy orgulloso de poder presentar a artistas tan seminales como Woody Guthrie, los Everly Brothers o la Jimi Hendrix Experience. En aquellos días el Hall era para los músicos y la gente de las discográficas, los productores y compositores que cambiaron mi vida. Había una camaradería real, todos sabíamos qué hacíamos allí, y podíamos decir lo que quisieramos. Aquel era el verdadero Hall Of Fame y no podía ser contenido en un edificio. Hoy en día es un programa de VH1, editado para televisión y dirigido al mercado adulto . Eso no tiene nada que ver con el rock'n'roll, sino con la explotación comercial. Los artistas galardonados se ven forzados a aparecer en un programa de televisión, por el que no se les paga, y todos aquellos comentarios que deseen hacer, sean sentidos agradecimientos o ropa sucia que quieran hacer pública , están sujetos al montador de VH1. Alguien que no tiene el más mínimo derecho a interferir. Además, costando la asistencia más de mil dólares, muchos de los homenajeados ni siquiera pueden traer a sus familiares para que así puedan presenciar el acto en vivo. Por todas estas razones, y sintiéndolo mucho, no estaré presente para aceptar los honores junto a mis hermanos en Buffalo Springfield. Deseo lo mejor a todos los inducidos y les felicito. Sé que esta es sólo mi opinión y puede parecer egoista, pero este evento contradice todo aquello en lo que creo. El Rock & Roll Hall Of Fame es más importante que eso. Vive en el corazón de la música. Es algo personal".
Esta fue la carta que escribió Neil Young cuando lo nominaron a la organización.
¿Tienen dudas por qué es mi cantante favorito?
Nunca he escuchado su álbum debut, Can't Buy a Thrill, pero Countdown to Ecstasy es un disco que ya muestra el mundo Steely Dan en detalle.
Un cuidado maníaco para la grabación, la producción y la interpretación, un formato de rock que mira de una manera sofisticada y sutil, pero nunca fría y formal, al jazz.
Escuché mucho en el pasado a esta formidable banda, hoy lucho un poco más. Pero Bodhisattva, Show Biz Kids y King of the World todavía dan algunas emociones.
Y lo que llama la atención es lo contemporáneos que siguen sonando.
El cuarto álbum de Tony Joe White, y el primero para Warner Bros., es un esfuerzo consistentemente entretenido y sólido.
La composición es fuerte y aguanta la mayor parte del álbum. Las canciones que son todas originales, se sienten sinceras, vividas y avanzan para mostrar que el hombre es el artículo genuino.
La música es una mezcla, que va desde baladas de soul sur cargadas de cuerdas y vientos hasta swamp-rock.
Mezclando algunas sabrosas lamidas de blues y el trabajo wah-wah del Sr. White y tienes un guiso sureño muy agradable de un álbum.
Comenzando como un tren de mercancías con la vía del título, no debería sorprender completamente al oyente si hay una caída de energía en los recortes posteriores.
Tal vez la siguiente mejor canción sea "Love, Love, Love, Love, Love", que afortunadamente es más dinámica que el título.
La mayoría de las canciones son una mezcla de blues psicodélico y soul y están bastante bien hechas.
Los mayores inconvenientes son sus interpretaciones de "Staggolee" y "When a Man Loves a Women".
Dos canciones que fueron versionadas con demasiada frecuencia en su tiempo y Pacific Gas Electric no ofrece nada refrescantecon sus intentos.
El soul sureño es un tipo de música soul que surgió del sur de los Estados Unidos . La música se originó a partir de una combinación de estilos, incluidos el blues (tanto de 12 compases como de jump blues), country , rock and roll temprano y una fuerte influencia del gospel que emanó de los sonidos de las iglesias negras del sur .
El bajo, la batería, la sección de trompeta y las raíces del gospel son importantes para el soul groove . Esta fuerza rítmica la convirtió en una fuerte influencia en el auge de la música funk .
Los términos "alma profunda", "alma rural", "Downhome soul" y "Hard soul" se han utilizado como sinónimos de "Southern soul"
La música soul sureña todavía está siendo grabada e interpretada por artistas como Sharon Jones , Charles Bradley , Peggy Scott-Adams , David Sea (Temptations Revue), Shirley Brown , Sir Charles Jones , Barbara Carr , Willie Clayton , Bobby Rush , Johnny Rawls , Denise LaSalle , Redd Velvet (EE. UU.), Floyd Taylor (hijo de Johnnie Taylor), Bigg Robb ( familia Zapp ), Gwen McCrae , William Bell, Roy C , Millie Jackson y Sam Dees entre muchos otros artistas de soul sureños conocidos que reciben reconocimiento y difusión de radio afroamericana.
El primer álbum en solitario de Clark fue lanzado casi simultáneamente con Younger Than Yesterday de The Byrds. Fue eclipsado por el disco de su antigua banda, con el que comparte una gama estilística similar, ambos son discos eclécticos que incursionan con psicodelia y country.
Donde el disco de The Byrds es confiado, el debut de Clark es tentativo.
Está respaldado por vocalistas country, los Gosdin Brothers, que se anuncian en la portada.
Es el material psicodélico el más interesante: la canción de apertura "Echoes" se arremolina con sus cuerdas inquietantes y las letras crípticas de Clark.
El "Elevator operator" cuenta con dobles sentidos de drogas flagrantes y armonías trippy.
A pesar de lo más destacado, hay un número sorprendentemente alto de pistas mundanas para un álbum de Clark, y es uno de sus álbumes en solitario más débiles.
La versión de Gene Clark con los hermanos Gosdin más fácilmente disponible, tanto en Spotify como en CD, se conoce como Echoes.
Incluso en su primer álbum, estos tipos de Brooklyn a través de Minneapolis lo tenían todo: drogas, sexo, guitarras sucias de bar.
"Ciertain Songs" rinde homenaje a un bar donde la jukebox tiene la proporción perfecta de Meat Loaf con Billy Joel. ¿Comercial?
No exactamente. Sin embargo, el Hold Steady sonaba tan real y crudo, tan cargado de ingenio, compasión y energía, que esto los convirtió en una celebridad de boca a boca.
Al parecer, antes de cambiar su nombre a Airbag y comenzar a tocar material original, estos noruegos eran una banda tributo a Pink Floyd.
No me sorprende enterarme de esto, porque esta encantadora excursión de prog rock me recuerda sónicamente a una combinación de neoprog del molde Marillion e IQ, pero con una influencia Genesis muy amortiguada y una influencia Pink Floyd muy ampliada, particularmente cuando se trata de la interpretación de guitarra de Bjørn Riis y del uso de sintetizadores por parte del grupo.
Al principio, escuché la influencia de Porcupine Tree, pero lentamente a medida que avanzaba el álbum, la influencia de Pink floyd se hizo evidente. Bueno, tiene sentido pensar en ello, ya que el PT también está obviamente influenciado por Floyd.
La primera canción es impresionante...
Un buen álbum... muy bien interpretado, grabado y producido.
No es tal vez la obra maestra y de culto que tan a menudo se quiere mostrar, ni parece verosímil la exaltación y refriegas que genera entre los fans acérrimos del grupo estadounidense. En cambio, es de recibo reconocer que Untitled presenta algunos momentos gloriosos de esta singular formación, que ni remotamente se cuenta entre las mejores de los Byrds.
Destaco dos: de un lado la amputada versión en directo de "eight miles high" (aquí, en cd, son 16 minutos, originalmente... a saber, ¿el doble?, ¿el triple?), a medio camino entre unos Crazy Horse estirando "cinnamon girl", una jam cuaqluiera de Grateful Dead y los destartalados Soft Machine de mediados de los 70; por otra parte el tema que abre la sección de estudio, "chesnut mare", está a la altura de los verdaderos y, para entonces lejanos, Byrds.
Con todo, es un disco que se disfruta sólo, las escuchas se repiten sin oposición pese a lo desbaratado de la selección y el desorden entre directo y estudio.
Dixie Chicken es un álbum que puede resultar una experiencia extrañamente relajante, casi hasta el punto de que si no tienes cuidado, puedes terminar en los brazos de Morfeo. Es una escucha reconfortante, una que anima tus pensamientos lejos de cualquier rigor diario que puedas tener en la vida. También significa que es un álbum que puede resultar un poco difícil de alcanzar de vez en cuando, ya que a veces llegas al final del álbum y te das cuenta de que has estado tan relajado que has prestado muy poca atención a cualquier cosa que haya pasado durante su duración, y es aún más extraño si estás escuchando el vinilo original.
El segundo álbum de estudio de Family, Family Entertainment, no está tan orientado al rock psicodélico como su álbum debut. Es más progresivo que su primer LP. La música en una casa de muñecas también incluía algunos toques de rock progresivo que estaba a punto de nacer algún tiempo después. Estas canciones podrían ser aún más diversas que en su grabación debut, lo cual creo que es agradable.
El debut homónimo de Rory Gallagher, ya sabes, podría decirse que es el mejor guitarrista que nunca has escuchado. Gallagher y su Fender Stratocaster envejeciendo a la perfección pueden nunca haber recibido los éxitos adecuados que tanto merecían, pero uno escucha su debut, Top Priority, Tattoo o Irish Tour '74 y te rascarás la cabeza preguntándote cómo nunca llegó con personas como el resto de las mejores bandas y dioses de la guitarra de 1970.
Lanzado en 1984, Zoolook fue un punto de partida para Jean-Michel Jarre, cuyos álbumes anteriores de Oxygéne en adelante siempre habían sido principalmente álbumes electrónicos "progresistas" e influenciados principalmente por elementos "progresistas". No hay manera de negar que Zoolook también es bastante progresivo, en realidad, Jarre lo deja claro en la primera pista, "Ethnicolor", que tiene una duración extensa y realmente no se puede considerar solo una "canción".
Caí nuevamente en este disco realizando mi síntesis cronológica de la historia del rock o al menos de todo lo que me permiten escuchar mi tiempo, aprovechando la pandemia y acelerando para poder recabar más y más sonidos que me den un pantallazo de evolución de la música que más me gusta.
Lo cierto es que llegué a enero de 1970 y siendo uno de los primeros discos lanzados ese año volví a adentrarme en este "The Madcap Laughs" que siempre me generó interés por su excelente tapa, la cual me encanta.
The Hoople demostró ser el final de la línea para el grupo de "glam rock" Mott the Hoople, que florece tarde. Siendo aún más fuerte que su predecesor, Mott, The Hoople no representa ningún crecimiento, sino más bien un refinamiento de lo que ya había funcionado para ellos. "The Golden Age of Rock 'n' Roll" es casi tan emocionante como "All the Way to Memphis" del álbum anterior, esta vez agregando un coro vocal femenino para darle a la pista aún más empuje.
Ritmo y blues punk. Jovenzuelos blancos británicos afanándose en destripar el ritmo y blues original estadounidense, compensando con desparpajo entusiasta las relativas deficiencias interpretativas. A estas prácticas se entregan los Rolling Stones en su debut discográfico. Dos guitarras, voz, armónica, bajo, palmas, pandereta, batería y ocasionales piano, órgano y maracas para llevar a cabo la tropelía. Sin ser virtuosos del toque, se daban buena maña, le echaban jeta garbosa y tenían gusto fino. A pesar de que no eran particularmente fieros, el sonido del conjunto destilaba algo oscuro y amenazador. El desaguisado perpetrado consiste principalmente en descuajeringar canciones de artistas admirados. Chuck Berry, Slim Harpo, Rufus Thomas o Willie Dixon. Tan solo presentan tres creaciones propias. El instrumental "Now I've Got A Witness" y dos notables números vocales: “Tell Me”, balada a mitad de camino entre el beat y el soul refinado en la que Jagger y Richards ya despuntan como compositores, y "Little by Little", perfecto ejemplo de ritmo y blues punk.
Para mí, The Hoople se siente como el mejor o más sólido álbum de Mott the Hoople de la historia, o de lo que he escuchado.
La mega-obvia influencia de David Bowie sigue ahí, pero eso no es algo malo, mientras que me gusta el tipo de Bowie al que suena la música de este álbum. "Crash Street Kidds" se siente como un relleno para mí, mientras que "Born Late '58" y "Through the Looking Glass" tampoco son mis canciones favoritas.
Pero todo lo demás es claramente música de alta calidad. No hay "All the Young Dudes" o "Honaloochie Boogie" en The Hoople, pero aún así contiene un montón de cosas bonitas, no alucinantes, no muy especiales, pero agradables.
