50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Pocos blancos han hecho tanto por la música negra como Johnny Otis. Hijo de padres griegos que emigraron a California, que crecieron perfectamente cómodos entre las personas de color, Otis solo tenía la piel blanca. El alma, musicalmente hablando, siempre ha sido muy negra. El apodo de "padrino de r'n'b" se lo ha ganado con su incansable trabajo de buscador de talentos: Little Richard, Esther Phillips, los Robins (más tarde Coasters), Big Mama Thornton, Jackie Wilson son solo algunos de sus descubrimientos, pero su larga y multifacética carrera como músico, ahora, merece tantas medallas. Capitol Years habla de la brillante mezcla de swing, rock'n'roll, jumpin' jive y rhythm'n'blues que caracterizó la actividad de Otis y su big band en la década de 1950, pero sabe que incluso muchos discos de las décadas siguientes, más pegados a los tonos de blues, jazz y funk, son imprescindibles.

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CLÁSICOS DEL ROCK 109

Cambio de bajista y de productor, la colaboración de Rick Wakeman y ese constante afán por cambiar se conjugaron para darle por fin a Bowie su primer álbum exitoso. Sonando más como un trabajo solista que grupal, el hard rock de “Man Who Sold The World” es erradicado y en su lugar Bowie gira hacia sutiles y contagiosas melodías pop donde predomina el acompañamiento de piano de Wakeman, dejando la guitarra de Mick Ronson en un segundo plano. 

Primer indiscutible del grupo,primera portada de Neon Park (elemento imprescindible tambien),primer gran himno de Lowell ("Willin´,versión definitiva de la canción que estrenó en el disco de debut de LF), y descubrimiento de un guitarrista y compositor inolvidable.Por no hablar de su técnica con la slide ("A apolitical blues" y tantas otras) que impulsaban a las canciones a una dimensión diferente.Temas que picoteaban de todo el acervo musical sureño para dar lugar a una mezcla irresitible,como da muestra este "Sailin´shoes" un disco ideal para iniciarse en los secretos de este gran grupo,al que es de justicia reivindicar siempre.

Musicalmente no tengo ninguna duda de que es superior a "Vivid"; los desarrollos son más complejos y tiene cabida desde el metal al jazz. Otra cosa es los sorpresivo del álbum. Con su debut la banda dio un puñetazo sobre la mesa y demostró que los negros no solo sabían hacer funk, rap, blues, soul o jazz; el hard rock y el metal en todas sus vertientes también era una opción. En definitiva un disco muy notable de una banda excepcional y, bajo mi punto de vista, no lo suficientemente reconocida.

Play es una cosa bastante cómoda.

Alcanza motivos suficientes para convencer a casi cualquier paladar, el muy orientado al pop, el propenso a las maquinitas, el enfrascado en las tendencias e incluso el nostálgico de la buena música negra.

¿A qué suena bien el invento? Pues sí, el invento suena bastante bien en general. 

Moby sabe hacer cosas chulas. Pero nada de lo que hace me hace vibrar, en absoluto.

Me parece así como...no sé...demasiado ¿Cerebral?

Las cosas cambian: en la década de 1990 consideraba "Nothing Compares 2 U" una canción sobrevalorada y exagerada, ahora la considero un clásico. Esperaba que I Do Not Want What I Haven't Got pudiera contener más música que sonara como esa canción, pero desafortunadamente, me equivoqué. Las pistas son demasiado largas casi todo el camino, mientras que solo algunas de ellas (por ejemplo, "Three Babies" y "Jump in the River") suenan musical y artísticamente válidas. "I Am Stretched on Your Grave" presenta a un buen espíritu de los 90 en el acompañamiento, pero su duración se ha estirado demasiado.

Entertainment!", con su portada soviétizante, su inagotable surtido de proclamas antisistema y sus ritmos selváticos, es una llamada a bailar la revolución. Gang of Four han cerrado la puerta al nihilismo punk, pero hay en ellos algo demasiado oscuro como para tomarles por adelantados de esa efímera Nueva Ola. Y mucha imaginación hay que echar para ver algún antecedente del synth-pop, incluso en su vertiente más "gótica".

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1969’s # 1 UK ALBUM

Me encanta Cream, especialmente sus dos primeros álbumes, Fresh Cream y Disraeli Gears.

Pero Goodbye apenas es un álbum. Toma una canción bastante buena, que ni siquiera se consideraría una buena canción si no fuera por un solo de guitarra muy, muy corto de George Harrison, añade algunas grabaciones de estudio desechables que suenan más a Traffic que a Cream, y añade algunas pistas en vivo en buena medida. Lo que tienes después de todo es un trabajo muy débil que carece de unidad o cohesión. Aunque las pistas en directo son bastante buenas, el álbum en general no lo es. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Si querían cuestionar los datos básicos de una sociedad occidental moderna, es decir, el ciclo de la vida cotidiana y la suposición de que el trabajo y el ocio son cosas separadas, entonces Leeds en el año impío de 1977 era el lugar perfecto para comenzar.

Hubo violentos enfrentamientos en las calles y en los pubs entre el Frente Nacional de extrema derecha y quienes se oponían a ellos.

Los álbumes de Clash and the Sex Pistols proporcionaron una banda sonora al descontento social, y el gobierno laborista de James Callaghan estaba tropezando con el olvido mientras se avecinaban Margaret Thatcher y el Thatcherismo. En tales circunstancias, ¿cómo podrían Gang of Four no tener mucho sentido?

La banda que se formó en torno al entorno de la Universidad de Leeds en 1977, el vocalista Jon King, el guitarrista Andy Gill, el bajista Dave Allen y el baterista Hugo Burnham, lanzó su álbum debut en 1979 y Entertainment sigue siendo uno de los lanzamientos clave de la entonces naciente era post-punk.

Es de bordes duros en el sonido, como si una prensa de máquinas de metal hubiera comenzado a funcionar mal, y furiosamente inquisitiva en términos de su visión del mundo. Es uno de esos álbumes en los que puedes identificar lógicamente los diversos precursores del cuarteto, pero el resultado final es una revelación.

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1964’s # 1 USA ALBUM

Una película mejor que la media de los años sesenta de Elvis, con una buena banda sonora. Little Egypt es la atracción estrella aquí, complementada por algunos rockeros menores, pero capaces, como Hard Knocks y One Track Heart. Las baladas aguantan bien: It's a Wonderful World (seleccionado a la mejor canción del Oscar), Big Love Big Heartache y el número de título con clase.

Las defraudaciones son las canciones y novedades tipo carnaval (Poison Ivy League) que se ajustan a la acción de la película, pero suenan secas en el álbum.

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

El álbum que casi los convirtió en estrellas de las grandes ligas, principalmente por el exitoso sencillo 'Burlesque', que sigue siendo un tema apto para la radio hasta el día de hoy.  En otros lugares, sus ideas originales continuaron abundando con 'Bolero Babe, con su violín arremolinado, y la nostálgica 'Coronation' mostró que Chapman y Whitney tenían mucho reservado.

El humor prevalecía mucho más en las letras de Family que en cualquier otra banda de esta época, a veces enterrado bajo el rock.  Esta vez, es 'Broken Nose' y el remate, 'el día que dejé de amarte fue el día que me rompiste la nariz'.  Finalmente, el maravilloso 'My Friend The Sun' está ahí para recordarnos qué gran banda fueron y nunca sintieron la necesidad de volver a formar. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

La artista irlandesa se impone definitivamente con I Do Not Want What I Haven’t Got, que mantiene y desarrolla las promesas del debut The Lion And The Cobra; es la canción Nothing Compares 2 U, firmada por Prince, la que la lanza al Olimpo del Pop, pero es el álbum que lo contiene el que revela sus extraordinarias habilidades interpretativas y su eficacia compositiva.

Las canciones, ya sean bailadas por orquestación medida o formas esenciales de rock, transmiten una voz de belleza cristalina, el resultado de elementos heterogéneos: una formidable fusión de raíces irlandesas, espiritualidad e ira civil.

Aún no encarcelado por el deseo de estar contra la corriente a toda costa, una actitud que con demasiada frecuencia ha relegado la música a los márgenes, O'Connor es aquí el portador de una tensión emocional inolvidable. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS 69 (Quincenal)

Algunas pistas geniales y el bajo es increíble cuando se toca lo suficientemente fuerte. Sin embargo, no sé en qué estaban pensando hacer una colaboración con Aerosmith.

"My Adidas" es una de mis pistas de hip-hop favoritas de todos los tiempos.

Han pasado más de 30 años desde el lanzamiento, este álbum sigue siendo atractivo.

Me gusta más la guitarra de Joe Perry en "Walk This Way" que la versión original de Aerosmith.

Pocas veces se alinean los astros para iluminar el parto de una criatura tan bella como este cuarto disco de Wilco. Si bien ya habían dado buena muestra de su genio en momentazos previos como "Being There" (1996) o "Summerteeth" (1999), es con este "Yankee Hotel Foxtrot" con el que rompen la baraja y llevan sus ansias experimentadoras a otra dimensión.

Un espléndido ejemplo de cómo la música progresiva y el jazz, pasada por el filtro del rock'n'roll, pueden ligar y ofrecer un resultado más que satisfactorio. Es el típico producto que saca de quicio a los defensores a ultranza del 'one, two, three, four' popularizado por Ramones: desarrollos largos y en ocasiones enrevesados, instrumentistas de alto nivel, sonido límpio y pulido en la producción... en definitiva un disco realizado por buenos músicos para todo aquel que se quiera acercar al mundo del jazz moderno, sin prejuicios.

La profunda voz bajo-profunda de Linton Kwesi Johnson recita sus cuentos líricos desde lo más profundo de esta odisea musical a cámara lenta. La nítida producción de doblaje empapada de eco de Dennis Bovell, un grupo inspirado de músicos, con las palabras cortantes de LKJ que siguen siendo un emocionante pico para la música reggae. Y esta es la más alegre y humorística de sus primeras grabaciones clásicas.

Es un fascinante breche espacio-temporal ofrecido por John Keating en este muy buen álbum, recuerdo en particular "Stereoskopia" y "Earthshine", dos composiciones originales y bastante melancólicas, pero especialmente estas dos famosas portadas: "Lucy in the Sky With Diamonds" de los Beatles y "Life on Mars" de Bow

The La's llegaron a influir en muchos otros artistas de rock alternativo británico durante los siguientes veinte años. La banda tuvo gran influencia en el movimiento Britpop de mediados de la década de 1990 y ha sido citado como una influencia de artistas como Oasis, Paul Weller, The Charlatans y Travis. Pete Doherty de The Libertines y Babyshambles también ha citado al grupo como una influencia.También han influido en muchas bandas posteriores de Liverpool incluyendo las bandas "Cosmic Scouser" de la década de 2000 como The Coral y The Zutons.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DIA

Un músico extremadamente multifacético, en los años 90  Moby variaba desde el techno hasta el hardcore y las bandas sonoras, mientras que solo convencía a veces.

Con Play, en cambio, parece haber encontrado toda su dimensión: comenzando por muestrear algunos fragmentos vocales de discos country y blues muy antiguos, en los que creó bases caracterizadas por ritmos y teclados sintéticos (pero también guitarras acústicas y eléctricas y una sección rítmica tradicional), Nostro dio vida a un híbrido singular y estimulante entre rock, blues y electrónica, besado por un éxito planetario impredecible.

En resumen, el ejemplo clásico de un disco que mira hacia atrás para avanzar, donde el pasado va de la mano con el futuro. 

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MIRANDO LAS ESTRELLAS 6. PIONEROS DEL ROCK & ROLL

En este grupo nos gusta decir que vamos siempre en busca de descubrimientos, de la canción perfecta, aquella que nos emociona y queremos compartir con los demás. Pero también que consideramos necesario recordar constantemente el pasado. Como se suele decir, las historias de la música no se agotan nunca, y además hay que refrescarlas para que no se olviden y las conozcan las nuevas generaciones.

En esta sección de estrellas, nos detenemos hoy a mirar en el origen del rock & roll, en aquellas figuras clave que inventaron esos ritmos endiablados a mediados del pasado siglo y que se extendieron vertiginosamente por todo el planeta.

Habrá quien piense que fueron Elvis Presley o los Rolling Stones. Ellos fueron los que lo popularizaron. Primero Elvis, a mediados de los cincuenta, y luego Jagger y Richard a principios de los sesenta. Pero hay que mirar más atrás para encontrar a los verdaderos artífices de este prodigio.

Se suele considerar al disc-jockey Alan Freed  como el padre. En una emisora de radio  popularizó unos ritmos nuevos, lo que él llamaba “rock and roll”. Lo definió así:“Un rio de música que se nutre de distintas fuentes: el rhythm and blues, el jazz, el ragtime, las canciones de cowboys, el country, y el folk”.

Los que realmente inventaron esta música transgresora fueron Chuck Berry, Little Richard y Jerry Lee Lewis. 

Figuras legendarias, cuya música plena de ritmo y energía, arrasó en aquellos años 50. 

Su arte, pero también su rebeldía, sus vidas llenas de escándalos, sus actitudes muchas veces desafiantes ante la sociedad marcaron las auténticas señas de identidad del rock and roll.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Originario de Nueva York, Living Colour fue el primer grupo de color de área dura/pesada en lograr cierto éxito. Formados en 1985, debutan, gracias a los auspicios de Mick Jagger, con Vivid (1988), un álbum caracterizado por una fusión original de elementos pertenecientes no solo al metal, sino también al soul, el jazz y el hip hop, unidos por la técnica del guitarrista Vernon Reid y textos con un fuerte contenido social. Una fórmula replicada dos años más tarde por Time's Up, menos accesible que su predecesora pero ciertamente más centrada: canciones como Type, Pride, Solace Of You o Love Rears Its Ugly Head son fotografías musicales y culturales efectivas de su tiempo, sin embargo, sin sonar fechadas hoy en día. En 1993, el último esfuerzo de la banda, Stain, luego cada uno a su manera, al menos hasta la reciente reunión. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

El Disco que más que cualquier otro es la base del fenómeno del brit-pop, y al que los principales grupos británicos de los años 90, Oasis a la cabeza, deben mucho.

Los La’s eran un cuarteto, pero toda su música giraba en torno al genio y la rebeldía del cantante y guitarrista Lee Mavers, tan talentosa para componer melodías cautivadoras y atemporales (Timeless Melody, como dice el título de una de sus canciones) como psicológicamente frágiles y perfeccionistas al paroxismo. Precisamente esta quimera de la forma ideal para dar a sus composiciones significó que la compañía discográfica, cansada de continuos aplazamientos, publicó el álbum hecho junto con el productor Steve Lillywhite pero considerado por la banda sin terminar. Un golpe muy duro para Mavers que, desde entonces, ha perdido todo rastro de sí mismo, tal vez todavía en la búsqueda espasmódica del mejor vestido para dar a estas doce pistas, imbuido tanto del lirismo de los Smith como de una sensibilidad pop que se refiere directamente a los años 60. De la alineación surge que There She Goes que, gracias a una reciente relectura, todo el mundo debería saberlo. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Qué gran banda fue Little Feat. Hicieron música esquiva: podían llamarse a sí mismos una banda sureña, si no fuera por el hecho de que su boogie era demasiado inteligente y no estaba nada nervioso para encajar dentro del género; luego el rock, por supuesto, pero los impulsos funk y los giros folclóricos y la inspiración gospel lo convirtieron en algo más y diferente. En Sailin' Shoes, el segundo álbum de una carrera no resuelta, la sección rítmica de Richie Hayward y Roy Estrada hace maravillas de contrapuntos y tiempos impares, mientras que los teclados creativos de Bill Payne tejen estructuras complejas y atrevidas. Pero la voz, la diapositiva y el alma de Lowell George son la sangre caliente del disco: solo Willin' y Trouble escribirían el nombre de Little Feat en el salón de la fama del rock and roll. George se fue para siempre en 1979, a los treinta y cuatro años, después de un espléndido debut en solitario. Una pérdida gigantesca. 

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DIRECTISIMO 48

The Cure, una de las mejores bandas en directo, se sube al escenario de Hyde Park en Londres el sábado 7 de julio de 2018 para celebrar sus cuatro décadas en la música.

"Anniversary 1978-2018", dirigida por Tim Pope, habitual colaborador de la banda responsable de la mayoría de sus icónicos videoclips, captura este concierto en calidad 4k. La mezcla de audio de Robert Smith y Paul Corkett complementa y completa esta maravillosa experiencia cinematográfica.

Robert Smith y su extraordinaria banda – Simon Gallup, Jason Cooper, Roger O'Donnel y Reeves Gabrels - nos transportan en el tiempo a través de un maravilloso viaje: de Lovesong a Lullaby, pasando por Boys Don't Cry y Brun o Fascination Street y Friday I'm in Love. 135 minutos espectaculares que hacen de este concierto uno de los más memorables de toda su carrera.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Hunky Dory es una obra espontánea y segura, un registro de revelación más que de engaño. Aunque el retrato de portada del álbum muestra a David evocando el espíritu de Greta Garbo, en las propias canciones no está interpretando a un personaje ni intentando esconderse de ninguna manera. Hunky Dory es Bowie el compositor, un artista que se mueve entre varios estilos satisfactorios, estableciéndose como un letrista de gran potencial. Como todos los álbumes clásicos, existe en su propio espacio, ejerce su propio sentido de la lógica. Grabado en solo dos semanas, no suena apresurado, sino que fluye con ideas musicales inteligentes e imágenes llamativas, aunque a veces ligeramente perturbadoras. 

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