martes, 30 de noviembre de 2021

1961’s # 1 UK ALBUM

El espectáculo de variedades contó con The Mitchell Minstrels, hombres con caras "ennegrecidas" que cantaban melodías tradicionales del sur profundo de Estados Unidos acompañados por una compañía de baile de coristas de piernas largas.


Hubo actuaciones en solitario de Tony Mercer, John Boulter y Dai Francis, además de tragamonedas de comedia de Lesley Crowther y George Chisholm.


El programa del sábado por la noche se proyectó por primera vez en la BBC en 1958 y en 1964 alcanzó sus cifras de audiencia más altas cuando 16,5 millones de personas sintonizaron.


Se hizo tan popular que en 1961 ganó la Rosa de Oro de Montreux al mejor programa de televisión del mundo.


Mitchell ganó dos discos de oro y tres de plata por su trabajo con los juglares.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Refugees of the Heart es exactamente lo que podrías imaginar de Steve Winwood entre los años 80/90.

Canciones ligeramente largas, muy orientadas a adultos, bien hechas en los estudios de la era yuppie, pero que todavía contienen una o dos pistas de lo que estaba sucediendo alrededor de Peter Gabriel. Ya sabes. Un número "progresista" más, casi 10 minutos ("In the Light of Day"), una pista más de conducción o pegadiza que sabes que fue un sencillo exitoso ("One and Only Man"), un par de buenas baladas con melodías mejores que la media (al menos "I Will Be Here"). Pero nada sobre lo que escribir realmente en casa. 

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lunes, 29 de noviembre de 2021

1958’s # 1 USA ALBUM

Es difícil creer que esto esté en la lista corta de los álbumes más influyentes de todos los tiempos. De hecho, su éxito convirtió el renacimiento popular en un fenómeno masivo y en una rama importante de la música popular. Objetivamente, es una especie de edición diluida de música folclórica y country, en comparación con las atrevidas melodías más camaradas compuestas por Woody Guthrie y Pete Seeger.


Sin este álbum, el Folk Revival habría sido mucho más pequeño, y bandas y artistas como Bob Dylan, The Byrds, Gram Parsons e incluso Tim Buckley fueron influenciados por esta banda. Es un álbum agradable, pero su valor artístico es considerablemente menor que su valor histórico. Es más bien que debido a que es neutral y seguro, pero competentemente cantado y agradable, ha sido tan influyente y popular. Codificó la imagen del "guitarra" en el público en general.


Esto es probablemente puro sesgo retrospectivo, porque cuando salió esto debe haber sido lo más fresco del mercado. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Life Model" apareció tres años después de su predecesor "Beatsongs".

Es obvio por la foto de portada y el interruptor de etiqueta, este álbum tendrá un sonido diferente al de lanzamientos anteriores como "Swagger" y la mencionada grabación de `91.

El sonido de Blue Aeroplanes es suyo; su música es pastoral a veces con una doblada folclórica, pero el rock alternativo con un borde duro está hábilmente tejido. Las poéticas letras de lectura directa de Gerard Langley son su tarjeta de presentación; irónica y divertida, a menudo estimulante.

"Life Model" es algo así como un punto de partida en comparación con los dos lanzamientos anteriores, más densos; es más corto y me atrevo a decir, fugaz en comparación.

No estoy seguro de por qué esta talentosa banda no ganó un mayor número de seguidores; musicalmente en los años 90 eran tan tensos como cualquier banda del Reino Unido. "Life Model" fue su álbum más accesible de los 90; disfrútalo. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Van Der Graaf Generator es una banda que tengo problemas para definir. Cuando los descubrí, los encontré bajo el sello "banda de prog de segundo nivel". ¿Sabes, con gente como Gentle Giant, Renaissance, Camel, etc.? Después de escuchar lo más grande del género, quería más. Y me dieron más. Oh, chico, me dieron más.

No puedo decir qué es lo que tanto me importa de ellos. ¿Es su sonido único? ¿La voz de Peter Hamill? ¿La letra? ¿Los temas de los que las bandas se atrevieron a explorar que otros rehuyeron? No lo sé, probablemente terminaré hablando de todo esto al final de esta revisión de todos modos.


Comenzaré con esto: su sonido. ¿Alguno de ustedes podría haber imaginado que una banda cuyos instrumentos giran en torno a un órgano Hammond, un saxofón y una flauta podría sonar tan majestuoso como VDGG lo logra? Yo tampoco. Es totalmente único. 

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domingo, 28 de noviembre de 2021

SALON DE LA FAMA 6 1991(Quincenal)

Antonio Martínez y Jose Sánchez 


En circunstancias ordinarias, los únicos fanáticos de las guerras  deben preocuparse durante la ceremonia de inducción al Salón de la Fama del Rock & Roll son los que se encuentran entre antiguos compañeros de banda obligados a subir al mismo escenario por primera vez en muchos años. Pero el 16 de enero de 1991, el mundo exterior eclipsó cualquier disputa o premio detrás del escenario

Celebrada en el Hotel Waldorf-Astoria de Nueva York, la sexta ceremonia anual de inducción del Rock Hall tuvo lugar en un momento en que el Hall aún no había abierto camino en su eventual ubicación física, pero eso no impidió que los asistentes celebraran un nuevo lote de invitados que incluían a LaVern Baker, los Byrds, John Lee Hooker, las Lo que hizo un manto durante la noche, sin embargo, fue una declaración emitida por el presidente George Bush, informando a los estadounidenses de que las fuerzas militares de la nación habían entrado en conflicto armado en Irak y Kuwait. Teniendo en cuenta todo lo que estaba sucediendo en Oriente Medio, tal vez fue  apropiado que la ceremonia de 1991 incluyera una reunión de Byrds. Por primera vez desde 1973, y después de décadas de lucha interna, los cinco miembros originales de la banda se unieron en el escenario para aceptar su premio y entregar una lista fija que incluía sus clásicos "Mr. Tambourine Man" y "Me sentiré mucho mejor" - y "Turn! ¡Vuelve! ¡Vuelve! (To Everything There Is a Season)", su reelaboración de una canción de Pete Seeger que sirvió como una conmovedora súplica de no violencia durante la era de Vietnam.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Antonio Martínez y José Sánchez 

"12 Songs" fue su primer gran triunfo mayúsculo, su primera obra de calidad. Una en la que la conjunción de sus elementos supera a las ya de por sí fastuosas individualidades.

Newman toca de todo aquí y todo suena bien y engarza un rosario de clásicos por derecho que siguen y seguirán siendo inolvidables. "Have You Seen My Baby", "Mama Told Me Not to Come", "Lucinda", "Underneath the Harlem Moon", "Yellow Man" y "Old Kentucky Home" parecen sacadas de las entrañas del tiempo y el espacio. Suenan antiguas y puras como venidas de algún manantial remoto.

Es sólo ese puntito ácido, ese giro humorístico o ese toque personal del maestro el que las acaba identificando como propias, originales, frescas. Y cortitas, sin rodeos innecesarios, porque la vida es muy corta para perder el tiempo con tonterías. 

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sábado, 27 de noviembre de 2021

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS



Aunque Morrissey había vuelto a encarrilar su carrera con Your Arsenal, pocos esperaban que lo siguiera con la joya de la corona de su discografía en solitario.

Sin embargo, eso es exactamente lo que hizo Morrissey con Vauxhall y yo, un álbum que es tan impresionante como todo lo que lanzó con los Smiths.  Este es quizás mi lanzamiento favorito "orientado a la composición" de los 90, y es el primer disco que recomiendo a cualquiera interesado en explorar el amplio catálogo de Morrissey.

Incluso diría que es una mejor introducción a la marca distintiva de Morrissey de canto cínico pero letrado que The Queen Is Dead.

Un álbum realmente excelente que debería atraer tanto a los recién llegados como a los iniciados.

Una vaga apreciación del indie pop y la tolerancia de las letras autocríticas son los únicos requisitos previos para disfrutar de este lanzamiento. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Zappa seguía arriesgando y acertando en líneas generales. Un álbum muy experimental donde la música está por encima de las canciones; entiéndase canción por una sucesión de acordes más o menos repetitivos, estrofa, estribillo... en fin lo que se considera una canción pop. Hay de todo: jazz, clásica, rock y más estilos siempre desde el prisma de la mente zappaniana, una de las más vanguardistas de la historia del rock&roll.

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viernes, 26 de noviembre de 2021

SUREÑOS DEL NORTE AL SUR 81

Aunque se ha dicho que el Sur se levantará nuevamente, aún no ha sucedido.  Pero el rock sureño, un primo del country y el blues rock, tuvo su momento a mediados de la década de 1970.  Sus ejes fueron los Allman Brothers y Lynyrd Skynyrd, cuyos mejores aspectos aún hoy resuenan en el mundo del country y el rock'n'roll.  Varias de las bandas clásicas de rock sureño estaban compuestas por hermanos o parientes.  En otras coincidencias curiosas, la mayoría provenía de Georgia o del norte de Florida, y la mayoría de los músicos principales de la época ya no se encuentran entre los vivos.  El nexo para el rock sureño fue Macon, Georgia, hogar de Allman Brothers Band y Capricorn Records, conocidos casi exclusivamente por sus selecciones del rock sureño.  Los Allman lideraron el grupo con un sonido que era mucho más complejo que el boogie sureño asociado con la forma.  Dos guitarristas excepcionales, Dickey Betts y Duane Allman, se batieron en duelo con dos protagonistas mientras la banda improvisaba sobre country, blues y jazz.  temas;  los elementos combinados para emocionantes improvisaciones en vivo. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

“Mother's Milk" puede ser visto por tanto como un disco de transición o como el comienzo de una nueva orientación que algunos llamarán comercial y que se vería con más claridad en el pelotazo que seguiría un par de años después. Sea como fuere es una de las obras clave de los angelinos.

Un disco desprejuiciado y torrencial que cuenta con ese homenaje al tristemente desaparecido Slovak en forma de una implacable versión de Jimi Hendrix en la que toca el guitarrista nacido en Israel y que fue grabada un tiempo antes. Sí, en "Mother's Milk" hay espacio para casi todo.

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jueves, 25 de noviembre de 2021

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Con demasiada frecuencia, el canto en los discos de baile parece casi una ocurrencia tardía, algo mezclado en el último minuto para darle al ritmo un poco más de sabor.

M People, por otro lado, parece un grupo de soul que tiene un don para los ritmos de club más duros.  En consecuencia, "Bizarre Fruit" es uno de los placeres del pop más raros, un álbum que es tan escuchable como bailable.

Aunque la voz profunda de Heather Small tiene todo el poder y la presencia que se espera de una diva de la música house, evita la histriónica vocal que hace insoportables a muchas de las especies.

En cambio, ofrece cada canción con el tipo de confianza conmovedora que sugiere pasión sin sofocar la melodía, un enfoque que subraya el atractivo pop de melodías como "Sight for Sore Eyes" y "Precious Pearl".

Agregue una serie de pistas rítmicas irresistiblemente físicas, desde el bombardeo de bajos "Open Your Heart" hasta el astuto y funky "Padlock", y los fanáticos de la danza querrán hacer de "Bizarre Fruit" un elemento básico en sus dietas musicales. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Ruth Brown tenía ritmo, más una gran voz, un alegre estallido de un sonido con un chirrido repentino como si la hubieran exprimido de una manera repentina y muy especial.

Fue uno de los puntales sobre los que se construyó Atlantic Records.  En sus 12 años en el sello, la Sra. Brown grabó blues, rhythm and blues, jazz y rock'n'roll.

Prefería y tenía estilo en el jazz y el blues sofisticado, pero fueron las canciones comerciales de rock, particularmente las de Rudy Toombs y Ahmet Ertegun, las que se vendieron mejor y aún suenan distintivas. 

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miércoles, 24 de noviembre de 2021

DIRECTISIMO 11

Inaugurada el 26 de septiembre de 1989 en Oslo, la gira mundial increíblemente exitosa de Paul McCartney visitó Noruega, Suecia, Alemania Occidental, Francia, Italia, Suiza, España, Países Bajos, Canadá, Reino Unido, Japón, Brasil y Estados Unidos, donde la gira finalmente cerró el 29 de julio.  1990 en Chicago.

Con un total de más de 2.742.000 personas, se batieron récords de asistencia en casi todos los países visitados.  A lo largo de los espectáculos, Paul interpretó canciones de sus Beatles, Wings y años como solista.  (Varios títulos de los Beatles incluso recibieron su primera presentación pública de Paul).  Tripping The Live Fantastic es un documento notable de una gira extraordinaria.

Cuenta con un programa completo de 36 canciones grabadas alrededor del mundo que captura toda la agitación , la euforia y la emoción que hicieron que los conciertos de McCartney fueran tan memorables.

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CLÁSICOS DEL ROCK 71

Estamos ante una de esas bandas que toca, y muy bien, además de componer canciones de primera. "Pale Sun Crescent Monn" es un álbum calmado, melancólico y con un atractivo tremendo en la extraordinaria voz de Margo Timmins. Para apaciguarse en un día difícil es ideal.

Sonando muy parecido a un disco de Mazzy Star, Pale Sun, Crescent Moon anota en algunos temas en  mezclar un poco de psicodelia polvorienta con el atractivo sexy y a la deriva habitual de la voz de Margo.

Más rock y blues que los anteriores Cowboy Junkies. Un sonido más pesado y una guitarra bastante excelente.

Bonito álbum, tiene una atractiva mezcla de guitarras pesadas y la melancólica voz de Margo Timmins, pero no tiene la calidad 5* de Trinity Sessions.


Hüsker Dü parece ser una de esas bandas que todo el mundo interesado en la música alternativa conoce, pero solo un puñado puede afirmar sinceramente haber escuchado. Es casi como si fueran la banda de culto definitiva. No importa dónde se encuentren el nivel de popularidad, no se puede negar que fueron una de las bandas de música alternativa más interesantes de su corta carrera.


MacGowan sorprendió a todos los críticos, cuando pensaron que se bebió todo su talento, con su primer álbum con su nueva banda The Popes. La Serpiente mostró un regreso a la forma para MacGowan. Canciones como The Church of the Holy Spook, The Snake With Eyes of Garnet y Song With No Name, demostraron que todavía era capaz de escribir rock irlandés, como nadie más podría. MacGowan también proporciona varios números tradicionales, como Roddy McCorley y la canción nacionalista irlandesa The Rising of the Moon. En general, un álbum maravilloso, y uno que demostró que MacGowan seguía siendo uno de los mejores compositores del mundo.


Ni siquiera sé por dónde empezar; solo piensa en todas las cosas que Nick Cave (The birthday Party) mezcló en su música, como Post-Punk, Americana y Gótico.

Lo que más me gusta de este disco es lo impredecible que es Nick Cave, pasando de su habitual "hablar" a gritar, gritar y "hacer sonidos" en cuestión de segundos.


Head Over Heels" es mi álbum favorito de Cocteaus. Después de "Garlands" también suena diferente a cualquier otra cosa que grabaran antes o después. Donde "Garlands" es un álbum de sonido más duro , que se presenta como un Siouxsie más eléctrico (un punto de referencia obvio ciertamente), y sus grabaciones posteriores de "Treasure" en adelante son sensuales ,oníricas y etéreas, "Head Over Heels" logra combinar ambos estilos .


Es gracioso porque 26 años después de su lanzamiento todavía no había oído hablar de ellos hasta la otra semana. Luego NME realizó una encuesta sobre los mejores álbumes de la década de 1990 y un crítico la colocó por encima de Definitely Maybe, de la que todo el mundo ha oído hablar. Bastante extraño en ese sentido.

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martes, 23 de noviembre de 2021

1961’s # 1 UK ALBUM

Este es el mejor álbum de Cliff que he escuchado.  La calidad del sonido es un modelo absoluto de claridad.

Las voces son excelentes, al igual que el sonido de los graves.

La versión de 21 Today incluida en este 2x1 es una mezcla de baladas pop y rockeros derivados, casi todas versiones, pero lo suficientemente raras o distintivas para que valga la pena.  Destacados: Catch Me, My Blue Heaven, 50 lágrimas por cada beso, Tough Enough y extrañamente una versión fantástica del aplaudido Tea For Two estándar. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

¿De qué demonios se trata todo el alboroto? Entonces, ¿y si Gene suena como The Smiths? ¿A quién le importa si Martin Rossiter está tratando de emular al Mozzer? ¿Los Sres. Marr y Morrissey tenían algún tipo de monopolio sobre la ansiedad y la desesperación? ¿Los fans de Smiths son tan inseguros y, bueno, desesperados que sienten que sus ídolos podrían ser manchados en comparación? ¿O es un signo de miedo de que puedan mejorarse? A medida que avanza la música, hay muy poca originalidad alrededor (¡y no me digas que The Smiths eran originales!). Ser influenciado por los héroes de uno es inevitable, así que, sí, las similitudes son evidentes, pero no con la derivación no adulterada que se sugiere.

Mientras que The Smiths eran todos angustia e incomodidad adolescente, Gene intenta una visión más madura de la agitación emocional, una basada firmemente en las trágicas tradiciones románticas del pasado.

Cada canción es una mini ópera, que lentamente se convierte en un crescendo dramático. 

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lunes, 22 de noviembre de 2021

1958’s # 1 USA ALBUM

Sinatra es uno de los más grandes cantantes/intérpretes de su generación, junto a otros como Nat King Cole. ¿El más popular? Pues totalmente merecido.

El otro día vi  un concierto suyo. Estamos en el año 2021 y continua enganchando con un magnífico reportorio, ya parte de nuestra cultura. Su eficacia para un buen directo es indudable: una ristra de clásicos, hits, de una leyenda del jazz.

Además, es la elegancia personificada. ¿Se nota que me gusta?, ¿a quién no le puede gustar? "Sinatra sings for only the lonely" es de esos discos que junto algunos de Nina Simone tienen tanta fuerza y tanta pasión que... te dejan sin palabras. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Es muy probable que Thalia Zedek sea una mujer infeliz.  Don't Ask Don't Tell es un álbum extremadamente doloroso.

A menudo se menciona como parte de la tradición del blues, lo que parece extraño a la primera escucha porque carece de los riffs de blues o de las estructuras de 12 compases, pero ciertamente es música de guitarra utilizada como catarsis, y es así en la forma más intensa que encontraría a mediados de la década de 1990.


Guitarras pesadas, letras sobre alienación y dolor, y una entrega vocal que tiene una intensidad dolorosa que se filtra por todos los poros.  Probablemente no sea para todos, y ciertamente no es un álbum fácil de entrar, ya que su aluvión de ruido neurótico puede alienar a los oyentes primerizos.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Head Over Heels es el mejor álbum de Cocteau Twins.

La simple razón de eso es que tiene la mayor variedad en la composición de canciones.

La falta de variedad en las canciones es siempre, siempre, siempre el problema número uno cuando se trata de álbumes de Dream pop y es lo que separa los buenos discos del género de los mediocres.

Head Over Heels es el primer álbum creado por Cocteau Twins que realmente puede considerarse  dream pop , un género que, por supuesto, ayudaron a ser pioneros después de alejarse del rock gótico post-punk de su primer álbum, Garlands.

Head Over Heels ya es un paso gigantesco y ve a la banda desarrollando y completando el sonido que emplearían durante el resto de su carrera.

Ese sonido es simple pero efectivo.  Robin Guthrie lanza ondas de líneas de guitarra elegantes, reverberantes y zumbantes para que la voz de Elizabeth Fraser se eleve, arrullando suavemente y ronroneando con una cantidad considerable de fuerza mientras surcan las olas.

Es una solución perfecta, 100% combinada y se ha mantenido así, ya que docenas de otros artistas probaron el sonido por su cuenta. 

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domingo, 21 de noviembre de 2021

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS 50 (Quincenal)

Otra explosión rápida de amor de Arcwelder (apenas más de media hora), este álbum mantiene el mismo nivel de calidad evidente de lanzamientos anteriores. Mientras que en este momento, ahora en su cuarto álbum, está claro que Arcwelder tiene un sonido - rock con muchas raíces post-punk, con un emocionalismo que no está totalmente oculto - del que realmente no se desvían, sigue siendo bueno.


Otro excelente lanzamiento de los noventa de Chris Rea, con personajes como "Espresso Logic", "Johnny Needs A Fast Car" y, sobre todo, la encantadora "Julia" (una oda a su hija de cuatro años en ese momento). Es uno de sus álbumes más felices, y de nuevo uno se pregunta qué estaba haciendo durante gran parte de los años ochenta cuando tenía música como esta en él todo el tiempo.


Desde su creación en Glasgow, Escocia, durante 1990, esta banda de rock alternativo ha incluido a los miembros Paul Campion (voz/guitarra) y Caz Riley (bajo). Originalmente más una banda experimental (al principio, tanto el saxofón como el violín se escucharon en sus canciones, además del segundo guitarrista Roger Ward), la acústica de la c. (prefieren las minúsculas) se dividió antes de emitir cualquier grabación, antes de volver a formarse poco después con Dave Gormley en la batería, y lanzar la demo de cinco pistas Wrist Eye durante el verano de 1992.


Chumbawamba es uno de los grupos más inconsistentes y desconcertantes de la historia, el que participaran en un recopilatorio llamado 'Fuck EMI' y luego ficharan por dicha compañía, es sólo un ejemplo, aunque lo que más me ha desconcertado del grupo es que siendo un conglomerado anarco-punk con portadas y títulos de LP como este mismo se imagina uno que a su lado Napalm Death parecerán un disco navideño de Enya.


Después de escuchar tanto esto como su álbum Cut de 1992, no estoy seguro de cómo se califica esto sino un poco más bajo que el álbum anterior. Si bien Cut era un álbum en su mayoría sólido, tenía algunas canciones genéricas que se acercaban al final, este álbum sin embargo es simplemente brillante de principio a fin. Ni una pista débil en todo el álbum, eso hace que esta sea una recomendación muy alta.


God Shuffled His Feet es un álbum muy agradable de Crash Test Dummies. Al escuchar este álbum, todas las canciones parecen tener una cohesión que hace que se sienta como una pieza dividida en escenas más pequeñas. Sin embargo, no puedo decir exactamente cuál es esa cosa que los mantiene a todos unidos. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

The Birthday Party fue la banda australiana que a primeros de los 80 vio nacer a un jovenzuelo kamikaze llamado Nick Cave .

Allí , acompañado de Rowland S.Howard , Tracy Pew , Phil Calvert y Mick Harvey , se dedicó a dar lecciones de transgresión personal y musical , entre alaridos desesperados y fusiones aceleradas de art , psych , blues y punk .

La distancia , las drogas y el exceso acabó por separar a sus miembros , no sin antes dejar para el recuerdo tres álbumes de sonido tremebundo .

En realidad el australiano, por mucho que amara el punk, siempre ha tenido gustos más sofisticados. Entre ellos, el funk, el rhythm & blues, el soul, el blues o el rock & roll primigenio.

Y bien mirado, todo eso está aquí, ensuciado, regurgitado, vomitado, pero está claro que esos son los materiales sobre los que trabaja. Que lo envuelve todo en disonancia y ritmos entrecortados, lynchianos, también.

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sábado, 20 de noviembre de 2021

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

“El arquetipo del “One Hit Wonder".

Los canadienses de Crash test Dummies hicieron un éxito mundial con "Mmm Mmm Mmm Mmm" y luego ... Silencio de radio, a pesar de una carrera relativamente larga.


El disco no está mal, mejor que la idea que lo tenía antes de escucharlo concienzudamente.  Las canciones son bonitas de principio a fin: es muy homogéneo, quizás demasiado, tanto que a veces acaba sonando un poco genérico.  El problema, para mí, con este disco es la producción, no es que sea malo pero es muy ... demasiado adulto ... Le falta testosterona (¡a pesar de la voz del cantante!), Filo y nervio ... Demasiado limpio después ¡todos!  Por otro lado, es impecable para baladas como "The Psychic" o "Mmm Mmm Mmm Mmm", siendo este título de lejos el mejor del disco, en cualquier caso uno de los momentos más destacados de mi adolescencia.


Se agradece y se destaca especialmente por la reconocible voz de Brad Roberts entre todos pero no lo suficiente como para hacer un disco que quedará en mis anales. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

MacGowan sorprendió a todos los críticos, cuando pensaron que se bebió su talento, con su primer disco con su nueva banda The Popes.

The Snake mostró un regreso con toda la energia para MacGowan.

Canciones como The Church of the Holy Spook, The Snake With Eyes of Garnet y Song With No Name, demostraron que todavía era capaz de escribir rock irlandés alegre, como nadie más podía.

MacGowan incluso ofrece varios números tradicionales, como Roddy McCorley y la canción nacionalista irlandesa The Rising of the Moon.

En general, un álbum maravilloso, y uno que demostró que MacGowan seguía siendo uno de los mejores compositores del mundo.

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viernes, 19 de noviembre de 2021

SUREÑOS DEL NORTE AL SUR 80

El Oasis de Austin

 

La herencia musical de Texas es tan grande y amplia como el propio estado.  Para empezar, ha sido el territorio de los gigantes del siglo XX como Bob Wills, Lightnin 'Hopkins, Ernest Tubb y Buddy Holly.  La melodía y el ritmo son sucesos cotidianos que flotan en el aire y impregnan el suelo.  Las influencias cruzan las fronteras estatales desde todos los lados y se arremolinan en el interior: canciones cajún, de vaqueros y de R&B;  Oom alemán - música pah;  Jazz de Nueva Orleans;  y melodías de conjunto y norteño de México.  La tradición es firme, pero la innovación siempre ha sido importante, y el resultado son orgullosas nuevas variedades de country, swing, blues y rock'n'roll para que todo el mundo se maraville.  Ciudades como Houston, Dallas, San Antonio, Beaumont y Lubbock se han ganado una reputación musical y han experimentado diferentes matices de actividad, pero en el centro de todo está Austin, la capital del estado y el punto focal cultural.  Ubicado entre Dallas al norte y El Álamo al sur, con el rancho de LBJ a una hora al oeste y numerosos pueblos secos apilados al este, Austin era y sigue siendo un oasis para los pensadores libres en un estado conocido por su tradición y  valores a menudo conservadores.  La ciudad también ha sido durante mucho tiempo un gran lugar para escuchar música en vivo, y durante la década de 1970, gran parte de la reputación de la escena musical local giraba en torno al sonido del 'country progresivo', música que se inclinaba notablemente a la izquierda de la corriente principal de Nashville.  Willie Nelson llegó a Austin en 1971, y su presencia y sus picnics anuales del 4 de julio despertaron la creatividad local y atrajeron mucha atención nacional a la región.  El clima musical saludable de la ciudad se vio impulsado aún más por el Festival Folclórico de Kerrville anual (que se celebra en las cercanías de Kerrville cada año desde 1972), el espectáculo de música en el restaurante local Threadgill's (Janis Joplin era una intérprete habitual), los DJ de mentalidad progresiva en la estación de radio KOKE y los eclécticos espectáculos de vaqueros psicodélicos en la sede mundial de Armadillo, el club nocturno de Austin.  Nelson y Jerry Jeff Walker fueron los reyes de la escena country de Austin durante los años 70, pero la región también estaba llena de cantautores que eran casi tan venerados por los fanáticos locales en ese momento.  Muchos fueron elegidos por sellos nacionales que buscaban, a raíz del éxito de Outlaw (y del country rock), una forma de explotar aún más el mercado progresista. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Hüsker Dü experimentó una de las transformaciones más asombrosas en la historia de la música popular en Zen Arcade, evolucionando rápidamente de una competente banda de hardcore punk a un trío ecléctico, intentando todo, desde locura psicodélica hasta baladas acústicas sin sacrificar su intensidad.

Zen Arcade es un álbum doble, grabado y mezclado en la asombrosa cantidad de 85 horas seguidas, y todas menos dos de las canciones se grabaron en la primera toma.

A diferencia de la versión algo romántica de la adolescencia en Quadrophenia o Born To Run, el mundo de Zen Arcade es valiente y realista.  La ruptura romántica de 'Never Talking To You Again', la desintegración familiar de 'Broken Home, Broken Heart', la sensación de impotencia política de 'Turn on the News' y 'Newest Industry', la tragedia de las drogas de 'Pink Turns To  Azul';  el álbum retrata una desilusión por hechos que escapan al control de los jóvenes narradores.

No es perfecto, pero Zen Arcade es un clásico frío en cuanto a intensidad e impacto emocional. 

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jueves, 18 de noviembre de 2021

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Demon Flower es un álbum muy rico y melodioso: las canciones son muy diversas y la música está brillantemente arreglada.  El uso de instrumentos de viento y metal hace que las canciones suenen especialmente coloridas: toda la colección es una auténtica delicia.


Después de escuchar tanto esto como su álbum Cut de 1992, no estoy seguro de cómo se califica un poco más bajo que el álbum anterior.  Si bien Cut fue un álbum en su mayoría sólido, tenía algunas canciones más sencillas acercándose al final, este álbum sin embargo es simplemente brillante de principio a fin.  No hay una pista débil en todo el álbum, eso hace que sea una recomendación muy alta. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

“Tu mente cambiará y tu corazón perderá el dolor ", promete Margo Timmins en la tema que abre  el quinto álbum  de Cowboy Junkies.

Y, de hecho, hay un optimismo extraño y desafiante en el trabajo aquí, que recorre las historias agridulces de amor salvaje y demonios domésticos que se transmiten con pureza pastoral y verdadera pasión.

Los drogadictos todavía están rozando los bordes del country y el blues, pero solo ... gran parte de esto apunta a los aspectos más loables de la psicodelia de la costa oeste: las canciones evocan comparaciones  con Neil Young en su momento más oscuro (o Richard Thompson en su momento más alegre).

Michael Timmins ha descubierto algunas de las cosas más extrañas que puedes hacer con una guitarra, y la hermana Margo suena como un fantasma desconsolado que ha tomado un entrenamiento de asertividad.

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miércoles, 17 de noviembre de 2021

DIRECTISIMO 10

Uno de los discos más experimentales de Pink Floyd. Aún no había llegado la retahíla de grandes álbumes sinfónico-progresivos, pero ya tenían en su haber buenas grabaciones como "A Sacerful of Secrets" o el debut "The Piper at the Gates of Dawn". "Ummagumma" consta de dos discos: el primero es en vivo con temas de sus anteriores trabajos (bastante notable), y el segundo es en estudio con temas nuevos en los que tocan desde space rock hasta pasajes de pura experimentación, sin dejar de ser en ningún momento los Floyd que conocemos (escuchad "The Narrow Way, Part Three"). 

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CLÁSICOS DEL ROCK 70 (Semanal)

"Still Bill" puede ser el documento definitivo de Bill Withers. Una grabación que muestra al cantante repleto de soul y orgulloso de su negritud.

En su segundo trabajo, Withers se presenta seguro de sí mismo, sólido, con las ideas tan claras y potentes como su voz. No se asusta ante nada y lo mismo deshace baladas de corte gospel ("Lean On Me") que ataca un funk infeccioso ("Lonely Town, Lonely Street", "Who Is He and What Is He to You?").

Nada parece arredrar a un artista en la cumbre que con este disco firma uno de esos momentos imprescindibles del pop negro. Vibrante y rotundo, "Still Bill" ha vencido al tiempo. Y no admite ni una sombra de duda al respecto.


Rosemary Timothy Yuro nació en una familia italoamericana en Chicago el 4 de agosto de 1940. Yuro se mudó a Los Ángeles cuando era niña.

A finales de los años 50, Yuro cantaba en el restaurante italiano Alvolturnos de su familia, uno de los lugares de música más populares de la zona. Firmó con Liberty Records en 1959 y grabó su canción más famosa, "Hurt" en 1961. Producido por Clyde Otis, que había supervisado muchos de los éxitos de Dinah Washington. La abrasadora representación de Yuro en el soul blanco entró en el Top 5 de los Estados Unidos en 1961 (y también en el R&B Top 30).

En 1964 grabó un álbum "The Amazing Timi Yuro" Producido por Quincy Jones, quien lo hizo fue su álbum favorito . Grabó una serie de sencillos para Mercury hasta 1967. Timi tuvo mucho éxito a principios de los 80 en el Dutch Market, grabando varios álbumes. Murió de cáncer el 30 de marzo de 2004.


The Pretenders más que una banda era ya el proyecto de Crissie Hynde, que podía hacer y deshacer el cotarro a su gusto. Sorprendemente para la grabación de este disco dio con una formación duradera formada por el guitarrista Adam Seymour, el bajista Andy Hobson (Andy Rourke también grabó algunos temas) y de nuevo el batería Martin Chambers. "Last of the Independents" no está nada mal y contó con buenas canciones como los singles Night in My Veins o la gran balada I'll Stand By You (uno de los mejores temas de esta banda), siendo otras destacadas Hollywood Perfume y Forever Young (cover de Bob Dylan).


Probablemente se podría decir que este álbum carece de consistencia, pero este es el tipo de funk sucio y total de Nueva Orleans que se vive alli.

La reseña aquí se menciona es lo increíble que es la combinación del Doctor, Allen Toussaint y The Meters , y tengo que estar de acuerdo, obviamente. Si estás buscando algo tan brillante e innovador como Gris-Gris, te va a decepcionar. Pero si estás buscando algo tan divertido y funky, no estás lejos.


Fusión perfecta de música Songhai maliense y flamenco español. Como cabría esperar de ese combo, este es un álbum muy cálido y amigable. Dos géneros con una tradición de tocar una guitarra acústica bellamente delicada e intrincada, percusión silenciada y bajo envolvente, y voces emocionales y apasionadas. ¡Además, nunca me canso del balafón! Y tienes algunos de los maestros de los respectivos estilos tocando aquí. Realmente resulta tan perfecto como una fusión de género como podrías esperar.


Melissa Ferrick firmó con Atlantic Records en 1992 a la edad de 21 años después de girar con el rockero británico Morrissey en los Estados Unidos y el Reino Unido. Lanzó sus álbumes debut y segundo año en Atlantic antes de pasar al sello independiente W.A.R. Registros en 1996. En 2000, la Sra. Ferrick fundó el sello discográfico independiente de distribución nacional Right On Records. En los últimos veintisiete años ha lanzado diecisiete álbumes, un documental, un álbum de portadas y ha realizado más de seis mil espectáculos. Sus canciones se han colocado en películas importantes e independientes y en redes de televisión como HBO, Sears, ABC y TBS. 

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ORIGINAL O COPIA QUÉ MÁS DA. 7 (Día del Flamenco)

El Día Internacional del Flamenco se celebra cada día 16 de noviembre desde que la UNESCO lo declarara Patrimonio Inmaterial de la Humanidad en el Congreso que tuvo lugar en Kenia en 2010. 


Desde entonces, durante el mes de noviembre hay numerosos actos con los que se conmemora el reconocimiento para este arte ancestral en todas sus disciplinas: cante, toque, baile e instrumentación en diferentes variaciones.


Con este motivo esta lista presenta dobles versiones, pop, rock, jazz, chanson, una de ellas siempre en clave flamenca. A veces original a veces la copia, qué más da, lo único que demuestra es que el flamenco es un arte universal.


La 2 de RTVE  repone este viernes la película Flamenco de Carlos Saura.

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martes, 16 de noviembre de 2021

1961’s # 1 UK ALBUM


Los Shadows son un grupo bastante talentoso, de ahí el éxito que tuvieron con Cliff Richard al frente: este homónimo muestra de lo que este combo instrumental es capaz en una amplia gama de instrumentos y estados de ánimo. Puede parecer bastante básico hoy en día, pero fueron uno de los latidos del corazón del auge del ritmo.


En este lanzamiento, no son solo es una banda instrumental de acompañamiento, con un trío de canciones sino que en realidad cuentan con una voz principal. Estas canciones están bien, siendo All My Sorrows la mejor de ellas, una balada bastante soñadora. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Este es un buen comienzo para Melissa. Su voz es diferente, así que no es para todos, pero ¿de quién es?  Me identifico con "Happy Song" porque solo quiere escuchar algo feliz, y la canción es divertida.  "Hello Dad" es una historia trágica sobre un padre alcohólico.

La canción principal "Massive Blur" muestra su voz distintiva.  La pista de cierre "Breaking Vows" es una historia oscura que te absorberá y su voz va a la perfección con el sonido de la decepción y la ira sutil.   

Líricamente, este álbum puede ser relevante a veces ... pero su entrega vocal exaspera en la forma en que parece olvidarse de completar la mayoría de los finales de sus palabras u oraciones ... ¡escúchalo y verás a  que me refiero! 

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lunes, 15 de noviembre de 2021

1958’s # 1 USA ALBUM



Mitchell William Miller  fue un oboísta, director de orquesta, productor discográfico y ejecutivo de la industria discográfica estadounidense. Estuvo involucrado en casi todos los aspectos de la industria, particularmente como director de orquesta y artistaA&R). Miller fue una de las personas más influyentes en la música popular estadounidense durante la década de 1950 y principios de la década de 1960, tanto como jefe de A&R en Columbia Records como artista de grabación más vendido con una serie de televisión de NBC, Sing Along with Mitch. 

Inicialmente transmitido como un episodio único del programa de televisión de NBC Startime (temporada 1, episodio 32) el 24 de mayo de 1960, Sing Along with Mitch se convirtió en una serie semanal en 1961 como un programa comunitario presentado por Mitch Miller y con un coro masculino. El programa, grabado en vídeo en Nueva York, fue básicamente una extensión de la serie de álbumes discográficos Columbia Sing Along with Mitch de Miller. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Tirando de las costras que otras bandas tratan de mojar con loción, los siempre conflictivos Chumbawamba están lejos de ser especuladores del pop, más bien sacan fuerza del caos e inflaman todos los sentidos.  'Anarchy' es un asalto frontal total que sorprenderá a los desprevenidos, aunque Chumbawamba se ha especializado en los puntos más finos de la ironía y la insurrección desde principios de los ochenta.

Pueden ser desviados y cobardes, pero debajo de la locura se esconde un método que sacude las jaulas de los liberales y quita la alfombra a los dignos lanudos.

Prueba el lamento del condenado "Give The Anarchist The Cigarette" por una bofetada en la cara y persígalo con "Timebomb" o "Homofobia", una celebración estridente de las proporciones sensuales de creación de problemas.

Obviamente, hay ingenio en no pequeña medida aquí y la sabiduría de su éxito de taquilla antifascista ' 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Si estás buscando un descanso de tu carpeta habitual de pop rock angloamericano, te recomendamos que pongas toda tu atención en este álbum.

Para los no iniciados, Songhai es una reunión de músicos virtuosos de lejanos rincones del mundo.  Entre ellos se encuentran el intérprete de kora maliense Toumani Diabate, los pioneros de la nueva música flamenca española Ketama y el bajista de jazz Danny Thompson.

Su primera salida juntos en 1989 produjo el magnífico álbum Songhai que ganó el visto bueno unánime incluso de los críticos más cínicos.  Este álbum de seguimiento no es menos espléndido.  Junto a los músicos originales en el estudio se encuentran el vocalista español José Soto, el cantante maliense de peso pesado Kassemady y la reina de la rumba Aurora.

Entre ellos crean un sonido alucinante arraigado en la increíblemente ágil interpretación de kora de Diabate y la ardiente pasión del flamenco new wave del contingente español.

Las tradiciones moriscas se mezclan sin esfuerzo con los ritmos africanos para producir un álbum que es tan hermoso como apasionante.

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domingo, 14 de noviembre de 2021

SALÓN DE LA FAMA 5 1990 (Quincenal)

Antonio Martínez y José Sánchez 

Conviene recordar que entre las normas del Salón de la Fama del Rock and Roll, la primera de todas es que el artista nominado tiene que haber publicado su primera obra como mínimo 25 años antes. Si partimos de la fecha de esta primera inclusión (1986), los artistas nominados, deberían tener su primera obra publicada en 1961 o antes. Esta condición dejaba fuera a algunos de los más grandes artistas de la historia del rock que posteriormente sí que fueron incluidos, como The Beatles, The Rolling Stones y muchos otros.

Una vez pasado ese primer condicionante de los 25 años, el comité de nominaciones, formado por varios historiadores del rock and roll, selecciona a varios candidatos elegibles cada año. Posteriormente, un grupo de expertos de unos 500 miembros formado por periodistas, productores, académicos y expertos de la industria musical, realizan una votación (entre los elegibles) para seleccionar a los que finalmente serán incluidos ese año. 

Dejando claro como funciona pasamos a ver que pasó en el Salón de la Fama en 1990:


Simon & Garfunkel son introducidos en el salón de la fama del rock en enero de 1990 en el hotel Waldorf Astoria de Nueva York. El encargados de presentarlos es James Taylor, luego por separado ofrecen sus discursos de agradecimiento. Mas tarde en la jam con los demás galardonados y asistentes que resulta ser un caos absoluto interpretan "Bridge Over Troubled Water" (Art en solitario a pesar de las insistencias a que Paul cantase con el, finalmente Ben E. King se unió a Garfunkel) y "The Boxer". Una actuación bastante fría donde el dúo apenas se cruza una mirada. Podiamos ver por allí a Springsteen, Pete Townshend y Ray Davies entre muchos otros. Pulsa aquí



DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Mac Rebennack fue el primer y mejor músico blanco de R & B de Nueva Orleans en lograr un impacto internacional.  Aprendió su oficio de los músicos de la banda de Dave Bartholomew, escribió éxitos cuando era adolescente y se convirtió en solista usando exóticos disfraces de Nueva Orleans, imágenes vudú y su personaje Dr John The Night - Tripper.  Nada de esto habría significado mucho, si su voz agrietada y perturbada no hubiera estado impregnada de la sensación de Crescent City y los ritmos no hubieran llegado dando tumbos, sacudidas y jagging, impulsados ​​por un estilo de piano marinado en el legado de Longhair.  Este álbum es su trabajo más comercial, lo produce Allen Toussaint y lo acompaña The Meters, y la canción principal fue su mayor éxito, pero si ves algo con su nombre, cómpralo.  Mos 'Scocious , una compilación de dos CD "lo mejor de", ofrece una imagen más amplia de su carrera también.

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sábado, 13 de noviembre de 2021

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

En su debut en Able Treasury, A.C. Acoustics trató de tocar rock psicodélico avanzado,aunque en su música se puede escuchar una fuerte influencia de The Jesus and Mary Chain y hay muchas guitarras shoegaze en sus canciones.  Pero la característica principal del álbum, comenzando con los títulos de las canciones extrañas y continuando con una musicalidad adecuada, sigue siendo sus orígenes psicodélicos floridos y melodías elaboradamente compuestas.

La textura de la música es a la vez viscosa y fluida y esta calidad le da a las canciones un toque especial y distintivo.

Mi canción favorita aquí es "Sister Grab Operator", aunque todo el resto coincide bastante bien. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Last of independents fue anunciado por los periodistas de rock como un regreso triunfal al primer plano.  Es decir, antes de que alguno de ellos prestara mucha atención al disco que era.

Bastante estúpido, la única forma en que un fan de Pretenders se decepcionaría con él sería compararlo con sus clásicos anteriores.

El álbum se erige como una pieza sólida de rock moderadamente desactualizado con algunos clásicos genuinos: "Hollywood Perfume", "Night in My Veins" y "I'll Stand by You".

El resto es la definición de una compositora talentosa (realmente es solo Hynde en este punto, admítelo) tocando canciones profesionales y sin inspiración en el idioma que mejor se adapta a ella. 

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viernes, 12 de noviembre de 2021

SUREÑOS DEL NORTE AL SUR 79

Muchas de las semillas del rock 'n' roll se sembraron en el sur de Estados Unidos, con Memphis como epicentro.  El programa de radio "Louisiana Hayride" fue uno de los primeros vehículos de Elvis y muchos otros.  Buddy Holly audicionó para KDAV en Lubbock en 1953.

El género también se benefició de la nueva tecnología, ya que tanto el disco de 45 rpm como el reproductor largo ganaron popularidad.  Lamentablemente, estos primeros años incluso incluyeron los primeros obituarios del rock 'n' roll.

El cantante de country Hank Williams murió en 1952 y Johnny Ace se pegó un tiro en 1954. Pero ese mismo mes, Elvis grabó su tercer sencillo, y el mundo estaba a punto de cambiar. do estaba a punto de cambiar.

Gregg Allman, Lynyrd Skynyrd, Ronnie Van Zant le siguieron ….. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

La voz perdida del Soul, Timi Yuro, de pequeño tamaño pero con una voz grande, siempre ha sido un artista favorita de culto.

En los EE. UU causó su impacto inicial en 1961, cuando su emotiva balada de R&B 'Hurt' fue un éxito entre los cinco primeros que asombraron a un mundo musical aficionado al encasillado.

No era, como sugería la evidencia auditiva, una cantante negra cansada del mundo, sino una pequeña joven de 20 años de ascendencia italiana blanca.

El éxito siguió a lo largo de los años 60, con material que iba desde R & B / rock ('What's A Matter Baby?') Hasta baladas country (Make The World Go Away ').

En 1968, incluso cantó un cancion de soul uptempo, 'It'll Never Be Over For Me', que se convertiría en un gran éxito en el circuito de Northern Soul del Reino Unido en los años 70 .

Su estilo permanece curiosamente sin fecha .

Esta señora debería estar en el salón de la fama de los años 60 junto con Aretha, Dusty Springfield. 

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jueves, 11 de noviembre de 2021

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS


Chris Rea es un artista con clase  , pero anhela algo más y Espresso Logic muestra al cantante y guitarrista retocando los límites de su exitosa fórmula AOR para satisfacer sus propios impulsos.

Al igual que Clapton y Cooder, recientemente ha llegado a la pista de la banda sonora y adorna sus canciones con un montón de atmósfera: Burundi late aquí, gaitas uillean allá.spaa

Es irónico que debería dar un paso adelante con 'Julia', una canción pop directa enterrada en seis pistas, aunque el corte final 'She Closed Her Eyes', un monólogo con música, sugiere que Rea está dispuesta a cambiar algunas ideas preconcebidas.  Espresso Logic es interesante y cultivador. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

 "Still Bill" puede ser el documento definitivo de Bill Withers.

Una grabación que muestra al cantante repleto de soul y orgulloso de su negritud.

En su segundo trabajo, Withers se presenta seguro de sí mismo, sólido, con las ideas tan claras y potentes como su voz. No se asusta ante nada y lo mismo deshace baladas de corte gospel ("Lean On Me") que ataca un funk infeccioso ("Lonely Town, Lonely Street", "Who Is He and What Is He to You?").

Nada parece arredrar a un artista en la cumbre que con este disco firma uno de esos momentos imprescindibles del pop negro. Vibrante y rotundo, "Still Bill" ha vencido al tiempo.

Y no admite ni una sombra de duda al respecto. 

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miércoles, 10 de noviembre de 2021

ORIGINAL O COPIA QUÉ MÁS DA 6

Hasta que el pueblo las canta,

las coplas, coplas no son,

y cuando las canta el pueblo,

ya nadie sabe el autor.


Procura tú que tus coplas

vayan al pueblo a parar,

aunque dejen de ser tuyas

para ser de los demás.


Que, al fundir el corazón

en el alma popular,

lo que se pierde de nombre

se gana de eternidad.


                          Manuel Machado 

                

 Hay canciones que tras una época en la que gozan de gran popularidad caen en un cierto olvido. En realidad entran en un letargo del que resurgen.. 

 Es el caso de «Bella ciao», una canción tradicional italiana utilizada por los partisanos que formaban parte de la Resistencia contra las fuerzas alemanas nazis que ocupaban Italia. Se convirtió en todo el mundo en un himno antifascista de libertad. 

 Este tema vuelve una y otra vez a la actualidad. Tal vez porque ya estaba fundido en el alma popular, como decía Manuel Machado. Lo cierto es que sus orígenes no se conocen con seguridad  y el nombre del autor está perdido para siempre.

 De las numerosas versiones registradas, hemos elegido tres.

 El italofrancés Yves Montand que hizo renovar su popularidad al calor del Mayo del 68 francés.

 En el año 2018 la voz cavernosa de Tom Waits da un aldabonazo de alerta, como un partisano moderno, al traerla de nuevo a la luz junto a Marc Ribot.

Y más recientemente la de Manu Pilas que aparece en la internacionalmente exitosa ‘La casa de papel’ donde sus protagonistas la cantan como símbolo de hermandad.


Jerry Chesnut escribió "Un buen año para las rosas",  un clásico country, que George Jones hizo famoso en 1970 con una interpretación plena de melancolía, y una década más tarde grabó con acierto el gran Elvis Costello. Narra los lamentos de un hombre que ha sido abandonado por su esposa. 


«Hey Joe» es una canción popular estadounidense que desde la década de los 60 se convirtió en un estándar del rock y ha sido grabada por numerosos artistas en diferentes estilos musicales. Cuenta la historia de un hombre que, tras haber asesinado a su mujer, planea huir hacia México para escapar de una segura condena a muerte. Jimi Hendrix, aunque no fue el primero que la grabó, hizo de ella un clásico de su repertorio. 

Willy Deville en su versión de 1992 con aires mariachis consigue darle un sello propio.


De los grandes éxitos de Simon & Garfunkel. Mrs. Robinson es una de las canciones más versionadas de la historia. Fue escrita por Paul Simon y formó parte de la banda sonora de la película 'El graduado', dirigida por Mike Nichols, en 1967.

Lemonheads hizo una versión en 1992. Se aleja bastante de la original, pero le imprime su estilo rockero con notable acierto.

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DIRECTISIMO 9

Inusualmente, el primer álbum en vivo de Jackson Browne estaba compuesto por todas las canciones no grabadas previamente, grabadas en el escenario o en otros lugares de la gira como el backstage y las habitaciones de hotel.  Es el trabajo más conocido de Browne: es tangiblemente más relajado y menos ambicioso que sus álbumes anteriores, y se conecta con el público en general más fácilmente.

Browne pudo permitirse una banda de gira fuerte en este punto: David Lindley está en la guitarra lap steel y el violín (así como en la voz en falsete en 'Stay'), mientras que otros músicos de estudio bien conocidos como Craig Doerge, Russ Kunkel, Leland Sklar,  y Danny Kortchmar están en el grupo de gira.

Browne solo tiene dos créditos de escritura únicos en el álbum, y muchas de las canciones cuentan con coautores o son versiones, incluida "Shaky Town" de Danny Kortchmar.


Las dos canciones más conocidas del álbum completan el álbum: la canción principal tiene una calidad arrolladora, parecida a la de Springsteen, y es lo más cercano al rock que el habitualmente contemplativo Browne, aunque todavía está teñido de nostalgia.  El popurrí de cierre de 'The Load-Out' y 'Stay' va desde el relato contemplativo de la experiencia de un roadie en la gira hasta una versión alegre de la canción de la década de 1960, con Browne, la vocalista Rosemary Butler y Lindley alternando las voces principales.

Hay temas obvios que Browne está explorando en las letras del álbum, en torno al lado más sórdido de la vida en la carretera; ejemplos notables incluyen los juegos de palabras de masturbación de "Rosie" y una versión de "Cocaine" con letras adicionales de Browne y Glenn Frey.


 Es un álbum relativamente ligero y relajado después de los álbumes anteriores ultra serios de Browne en la década de 1970, pero Running On Empty es un disco sólido, y no es sorprendente que sea el trabajo más recordado de Browne. 

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CLÁSICOS DEL ROCK 69 (Semanal)

El primer álbum de Seal fue un gran comienzo, pero no muy sólido. Las cosas ya están mejorando en este segundo álbum que incluye un clásico pop sobre todo éxitos en el debut ("Kiss From a Rose"), algunas otras grandes canciones (especialmente "Dreaming in Metaphors" y "Newborn Friend") y sin malas pistas. "Don't Cry" y "If I Could" no son mis canciones favoritas en la tierra, pero siguen siendo decentes. "Fast Changes" contiene una introducción sorprendente que suena como el grupo finlandés de jazz progresivo de los años 70 Tasavallan Presidentti. En general, Seal presenta a Seal siendo Seal, que no son las cosas más especiales de la tierra, pero aún así la música es en su mayoría muy buena.


¡Mejor! Veamos... ¿por dónde empezamos? Vale, 'In the Beginning' es probablemente la canción más odiada del álbum, pero tengo que decir que realmente me divierte cada vez que está en marcha. ¡Me encanta esa voz del ordenador! ¡Da miedo! Sin embargo, también admitiré que ciertamente NO tocaría esta canción para tratar de ganar a alguien a los Moodies, así que supongo que ahí es donde el sentido común y el sesgo personal chocan: encuentro entrañable la cursi de los Moodies, pero sé en mi corazón que son un poco cojos... pero aún así, en mi opinión estas introducciones "poéticas" rara vez dañan la calidad general de sus respectivos álbumes. De todos modos, siguiendo adelante, Hayward contribuye con 'Lovely to See You', un bonito y optimista rockero de guitarra con una melodía un poco aburrida que podría haber usado un poco más de guitarra, según yo. Es un ligero ganador, pero no grandes sacudidas.


Entonces, en Come On Feel, el Sr. Dando logró consolidar su exitosa fórmula de It's a Shame About Ray, entrando mientras las cosas seguían siendo buenas a través del ordeño continuo de sus vacas compositoras con sede en Sydney. En esta salida, el ex Hummingbird a tiempo parcial y autor de "Kitchen" del álbum anterior, Ray, el bajista de Sydneysider Nic Dalton, reemplaza a Juliana Hatfield como Lemonhead a tiempo completo, aunque la propia Hatfield de alguna manera permaneció rondando las sesiones de estudio para cantar coros en aproximadamente la mitad del álbum.


¿Así que Virgin Records lanza 2 álbumes de Mould y luego sacan lo mejor de? Obviamente solo para sacar provecho de Sugar.6 pistas de_Black Sheets Of Rain_ y 3 de _Workbook_ y un set en vivo que incluye una gran versión de "Shoot Out The Lights" de Richard Thompson. Si eres un fanático de Mould, probablemente querrás conseguir esto para las pistas en vivo.


Creo que esto se publicó póstumamente. Ted Hawkins estaba buscando en la playa de Venecia y fue llevado al estudio respaldado por algunos excelentes músicos y grabado. Su voz conmovedora parece una combinación de Otis Redding y John Fogarty. Cubre una melodía de CCR, así como "Biloxi" de Jesse Winchester. El resto de las canciones son composiciones originales de Ted Hawkins


Este es un álbum diferente de The Deviants de lo que esperaba. Supongo que la mejor manera de describir este álbum es una mezcla de hardcore experimental/60, blues rock, con un sabor punk y momentos psicodélicos y más suaves con humor en todo momento. Te guste o no su humor tonto presentado aquí, todavía pueden rendir bien.

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martes, 9 de noviembre de 2021

1961’s # 1 UK ALBUM

G.I.Blues fue la primera película de Elvis lanzada después de su baja del ejército en 1960. No se encuentra entre mis tres películas favoritas de Elvis, pero podría estar entre las cinco o seis primeras.  

Esta película y su álbum de banda sonora resultante encontraron a Elvis dejando atrás su imagen rebelde y moviéndose hacia la corriente convencional .

El álbum de la banda sonora, también titulado G.I.  Blues, pasaría dos meses en el número uno y permanecería en las listas durante más de dos años.  Resolvió, de una vez por todas, las preguntas sobre la popularidad post militar de Elvis.


Al igual que con muchos de los álbumes de bandas sonoras de Elvis, realmente necesitas ver la película para comprender muchas de las canciones.

G.I.Blues es un buen ejemplo de este hecho, ya que muchas de las pistas están catalogadas a la categoría de relleno cuando se escuchan fuera de contexto.

Canciones como "Shoppin’ Around "," Didja ’Ever", "How’s She Really Like" y "Big Boots" realmente deben ubicarse dentro del contexto de la historia de la película.

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