1968’s # 1 UK ALBUM

Con John Wesley Harding comienza una nueva etapa para Dylan, han pasado 18 meses desde el fenomenal Blonde On Blonde, una eternidad teniendo en cuenta los rápidos cambios por los que atravesaba el rock. Muchas cosas pasaron en el intervalo, incluyendo el misterioso accidente en moto, lo que sumado a la agobiante presión a la que estaba sometido le hizo replantearse las cosas y por desgracia su música sufrió un radical cambio respecto a sus álbumes anteriores. Tras grabar junto a The Band las legendarias Basement Tapes, JWS encuentra a un Dylan haciendo una música muy relajada y simple, tanto en las letras como en la instrumentación. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

En el caso de Kim Carnes, se describió su voz como "áspera", una condición causada en parte, bromeó, por "una vida de demasiadas trasnochadas y demasiados tragos de vino".  En verdad, las salas de conciertos llenas de humo y el uso excesivo también fueron los culpables, pero el efecto ayudó a que su versión de "Bette Davis Eyes" fuera una de las canciones pop notables de 1981. Nacida y criada en Hollywood, California, Kim tenía estrellas en los ojos.  el mundo del espectáculo desde su infancia.  Aunque su familia se aseguró de que tomara lecciones de piano clásico, como la mayoría de los jóvenes en las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial, ella prefería el pop y el rock.

Debutó con dos LP, Kim Carnes (1975) y Sailin' (1976).  En ambos, Kim interpretó sus propias canciones, así como material de otros importantes escritores de pop y rock.  Varios críticos escribieron críticas favorables, y los álbumes fueron sin duda colecciones bien elaboradas, pero ninguno tuvo éxito financiero.  Sailin' contenía varios números que marcaron hitos en la obra de Carnes. 

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1962’s # 1 USA ALBUM

Un álbum que en un momento dado fue el disco más vendido de todos los tiempos. Sherman sostiene que JFK era un fan de la primera pista de su cara B. Y, sin embargo, aquí está, completamente olvidado. Ni siquiera se publicó en ningún formato diferente durante 48 años.

Qué interesante clima musical en USA  tuvieron a principios de los años 60, cuando un álbum de parodia musical en vivo podría lograr tal hazaña. Muestra que la gente compró discos para entretenerse. Se lo ponían y se sentaban y se reían, cantaban o golpeaban sus pies.

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Un disco muy bonito y encantador. Doce melodías de pub rock sin sentido con instrumentación simple pero efectiva que consiste en bajo, batería, guitarras y órgano. Buen equilibrio entre cortes de tempo hacia arriba y baladas que se encuentran en algún lugar entre el rock n roll y el country rock.

Side A presenta las canciones más fuertes, siendo mis favoritas "One More Day", "Silver Pistol" y "The Last Time I Was Fooled". El lado B tiene pistas menos destacadas para mí, pero en general sigue siendo una escucha agradable. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Con su pelo corto y rubio, tatuajes en los brazos y su típico atuendo de chaleco de cuero/pecho desnudo, Billy Idol parece personificar al punk rockero de finales de los 70 y principios de los 80.  De hecho, en 1983, los lectores de la revista Creem lo votaron como Punk del Año.  Pero como suele ser el caso en el campo del entretenimiento, las apariencias superficiales no son necesariamente la historia completa.  En persona, no se muestra como un poseso bidimensional e indiferente, sino como un individuo bastante reflexivo y musicalmente serio con metas no muy diferentes a las de cualquier persona orientada a la creatividad.  Comentó, en un momento en que estaba haciendo su álbum debut en solitario: "Soy un rockero y quiero ser bueno en eso. Puede que me encasillen como punk, pero mi música no es realmente punk".  todo, sin embargo, tiene la actitud.

Quiero tocar en vivo y quiero obtener algo de esa emoción en vivo en mis grabaciones".  Perspectiva final del futuro del movimiento punk británico.

Cuando Idol llegó a sus años formativos, su hogar estaba en Inglaterra. Creció en un entorno esencialmente de clase media baja en las afueras de Londres, En su adolescencia, como muchos de sus contemporáneos musicales, Idol abandonó la escuela para buscar fortuna como intérprete de rock.

Se ganó una reputación entre los miembros del circuito de clubes de Londres como cantante de clase alta.  Este se convirtió en el lugar de la voz principal de la banda Generation X que formó con Tony James.  Él y James coescribieron la mayor parte del material original de la banda.  El grupo ganó notoriedad en 1977 con el sencillo "Your Generation". 

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SALON DE LA FAMA 19 (2004)

Antonio Martínez y José Sanchez

George Harrison,Prince, Traffic y ZZ Top se encontraban  entre los miembros del Salón de la Fama del Rock and Roll de 2004. Jackson Browne, los Dell y Bob Seger completan el grupo.

Harrison fue incluido anteriormente en la clase de 1988 del Rock Hall como miembro de los Beatles; los antiguos compañeros de banda John Lennon y Paul McCartney ya había sido incluidos como solistas.

La 19a ceremonia anual de inducción se celebró el 15 de marzo en el Hotel Waldorf Astoria de Nueva York.

Los artistas cumplen los requisitos 25 años después del lanzamiento de su primera grabación. Un comité de la Fundación nomina a los artistas elegibles, que luego son votados por un organismo internacional de unos 700 expertos en música. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

En 2018, después de un divorcio con moretones, la cantante británica Sarah Brown estaba "rota, financiera, emocional y espiritualmente, no tenía nada por lo que vivir". En su reflujo más bajo, se volvió hacia una voz que le había dado una guía y socorro cruciales cuando era niña: Mahalia Jackson, la estrella evangélica preeminente del siglo XX.

"La música pop estaba prohibida en mi casa mientras crecía", dice Brown. "Pero mi padre poseía discos de Jim Reeves, Aretha Franklin y Mahalia Jackson. Y la voz de Mahalia abrió mi espíritu. Crecí en un hogar volátil: mi padre golpeó a mi madre, golpeó a mi hermano mayor. Tenía siete años, vivía con miedo". Pero en la voz volcánica, resonante y apasionada de Jackson, Brown encontró refugio y catarsis muy necesarios. "Pude gritar junto con ella y liberar ese miedo. Mahalia me ayudó a liberarme". 

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SUREÑOS DEL NORTE AL SUR 100 (Quincenal)

Hemos llegado a la publicación número 100.

Hace 2 años quise con la publicación de  esta playlist mezclar lo mejor de los sureños de los mas importantes países de la música,estuve durante un tiempo llevándolo a cabo pero sentí que me quedaba grande o necesitar más conocimiento de la parte que dedicaba a los sureños españoles y decidí cambiar el formato pero no el titulo,en parte porque me lo inspiró uno de los grandes que admiró y seguiré admirando,ya sabréis que me refiero a Silvio gran rockero amante de la música americana e italiana.

Por otra parte a la misma vez he descubierto estilos de la musica sureña americana que desconocía. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Cuando se trata del álbum pop, Marvin Gaye poseía ese cierto je ne sais quoi que hacía que sus álbumes fueran un poco más especiales y un poco más memorables que los de cualquier otra persona. Moods of Marvin Gaye puede ser su álbum más valiente y animado. Llegó en un momento en el que estaba alcanzando su punto máximo como intérprete y estaba a punto de explotar en el compositor y arreglista con el que el mundo todavía lo celebra. La mayoría de las canciones aquí provienen de Smokey Robinson o de Holland/Dozier/Holland, así que si te encanta Motown, te va a encantar. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Después de dos décadas de lanzamientos mediocres que simplemente siguieron las sosas tendencias de R&B de la época, Stevie Wonder estuvo de vuelta con su mejor álbum desde Hotter Than July de 1980. Al evocar sus mejores sonidos de los 70, Wonder se revitaliza a sí mismo y nos da a nosotros un regalo de bienvenida en el proceso. La pista de comienzo en realidad está construida sobre un surco de reggaetón, asegurándose una marca de verificación para mover la cadera desde el principio y mostrando que todavía puede pasar el rato con la multitud.

Funciona bien, pero su mejor material en A Time To Love se toma prestado de su propia caja de herramientas. Oye, Talking Book nunca dejó de sonar fantástico, así que ¿por qué no revisar esas texturas de órganos, riffs de armónica y enfoques melódicos animados? 

Pues mano a la obra Stevie.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El álbum que consolidó el sonido space rock de Hawkwind y que contiene dos de sus canciones más representativas como “Master of the Universe” y “You shouldn’t do That”. Aunque similares, ambas muestran dos facetas del grupo, la primera de manera más concisa y la segunda en su versión extendida hasta llegar a los 16 minutos, lo que puede ser una experiencia alucinante o excesiva dependiendo de la tolerancia del oyente. La canción nunca pierde su acento rockero y se sostiene bien a pesar de su duración, comparado con otros intentos similares en un estilo parecido, aunque otros grupos como Gong en su Camembert Electrique hicieron algo mucho más imaginativo sin necesitar tantos minutos. Sicodelia espacial sin tregua pero un tanto repetitiva y definitivamente para escuchar en ocasiones especiales. 

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DIRECTISIMO 37

Escudriñar en los entresijos de la historia de la música rock ha sido momento a momento un pasatiempo tan mágico como fascinante. Cuando vemos una película estamos contemplando en menos de dos horas el trabajo de muchos meses de un equipo de personas. Cuando oímos una canción, de tres, cuatro o cinco minutos, nos estamos asomando muchas veces al alma de su autor o de su intérprete. Cuando asistimos a un gran concierto de rock, somos testigos de lo más externo y superfluo. Recibimos descargas decibélicas, adrenalina en dosis total, participamos del shock y de la comunión como acólitos fieles y somos parte del gran espectáculo. Pero hemos de saber que el espectáculo no siempre está de cara al escenario, sino a espaldas de éste. La vida de las estrellas del rock no es fácil.

Y algunos se queda en el camino muy jóvenes,dándole un mitifico sentido a su musica.

Ese es el caso de Janis Joplin. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El segundo álbum en vivo de Nice (y también la grabación de su último concierto) fue música pertinente para los sombríos días de diciembre de 2010, cuando lo escuché por primera vez. Estaba de mal humor porque mi mejor amigo murió y mi novia empezó a dejarme. Intenté escribir mi tesis intensamente y todo parecía infructuoso. Y ese lunes de diciembre estaba escuchando este concierto y me hundí en recuerdos y tristeza. La atmósfera de este disco es realmente equilibradora: la primera canción, Hang On To A Dream de Tim Hardin, está llena de citas de piano de estándares de jazz y otras canciones profundizan estos tonos grises, aunque algunos solos de Emerson son dinámicos y valientemente vívidos y las voces de Jakcson tienen alegría interior. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Heavy Horses se apoyan en sonidos sureños.  Con base de bluegrass a lo Union Station, Justin Mahoney crea el perfecto decorado sonoro para enfatizar esas historias sobre la muerte.  Ese Country-Roots visualizando forajidos... ese punteo de banjo oliendo a pólvora... y esos evocadores sonidos de Slide, a lo Jerry Douglas, poniendo nostalgias...

Cada corte del disco, presenta la historia de un asesinato. Mahoney las canta, como sí él con sus propias manos, hubiese sido el autor.

Todas tienen idéntico formato: La balada.  Temas directos y llenos de languidez para que la belleza de sus formas quede permanentemente al descubierto. 

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CLÁSICOS DEL ROCK 97

De vez en cuando, las voces de dos personas se unen en canciones (lo siento, lo sé, lo sé) y parece que nacieron solo por esa razón. Ann Savoy y Linda Ronstadt tienen esa magia en este álbum. Una delicia, para mí de todos modos. Creo que este fue un álbum difícil de lograr: Ronstadt tiene una voz tan pura y a menudo no sale tan arraigado como creo que le gustaría ser, pero Savoy es capaz de moderar eso tanto vocal como instrumentalmente. Buena Americana.

Demoledor debut. Escuchando esto parece mentira que se trate del mismo grupo que se hizo famoso con True (lo que, a la vez que fama, también les sirvió para ganarse la antipatía de muchos). Este primer LP remite directamente a aquellos primeros 80, es deudor de los primeros Human League y de Japan, mezcla los sintes con las guitarras, el baile con ese toque de introspección y frialdad tan típico de aquella época.

Mahalia es el arquetipo de lo que pensamos como canto de gospel: su música es los bloques de construcción de la edad de oro del gospel", añade el músico y fundador del sello Matthew E White. "Ella es para el gospel lo que Louis Armstrong fue para el jazz: el comienzo de esta música que prolifera en toda la cultura".

La madre de Jackson murió cuando tenía cinco años y fue criada por su devota tía Duke en Nueva Orleans. Cantó himnos protestantes con el coro de la iglesia bautista de Plymouth Rock, y aunque Duke le prohibió entrar en la cercana iglesia pentecostal, no pudo resistirse a espiar sus servicios desde la calle, seducida por sus ruidos exuberantes, caóticos y alegres hacia el Señor.

Mud Slide Slim and the Blue Horizon" fue el tercer LP del cantautor estadounidense.

Precisamente King compuso You've Got a Friend, una de las más conocidas de James Taylor (incluso ganó un Grammy por ella) y que cuenta con coros de Joni Mitchell. El otro sencillo fue Long Ago and Far Away, mientras con los años se ha hecho popular la preciosa You Can Close Your Eyes (aquí mi favorita), gustándome del resto muchísimo Riding on a Railroad. Este trabajo vendió todavía más y tiene a su favor que cuenta con algunas canciones extraordinarias que son de mis preferidas de este cantautor.

El último álbum de la mejor formación de James Gang es, con mucho, el más débil de los tres primeros álbumes. Los recortes de Joe Walsh son los más fuertes, mientras que la contribución de los otros miembros es casi tan a mitad del camino como el hard rock. No es un álbum terrible de ninguna manera, sino una cierta decepción en comparación con Yer Album y Rides Again.

Los vínculos entre Stevie Wonder y Ray Charles no solo se limitan a ser ciegos, sino a una forma de ver la vida a través de la música. Soul, jazz, gospel ... fue un amplio espectro tocando con Ray Charles, convirtiéndose en una piedra angular en la educación musical de un pequeño Stevie Wonder que escuchó con admiración sus canciones en la radio. Su voz profunda, áspera y llena de sensación de blues, fue la cosecha ideal para fomentar y avanzar en la explosión creativa interior del pequeño Stevie.

Lamentablemente, su existencia terrenal desapareció el 10 de junio de 2004, pero su legado en forma de canciones como "Georgia On My Mind", "I Fool For You", "I Got A Woman" y "Hallelujah I Love Her So" nunca desaparece. 

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1968’s # 1 UK ALBUM

A pesar de todo su éxito internacional de los dos años anteriores, Gran Bretaña todavía se estaba poniendo al día con los Four Tops a principios de 1968, cuando sucedió algo histórico el 10 de febrero de 1968.

Comenzando con la inmensa popularidad de "Reach Out I'll Be There" en el otoño de 1966, habían tenido cuatro éxitos en el Top 10 en poco más de un año, con un quinto en camino.

Pero algunos de sus grandes sencillos anteriores de Motown, como "Baby I Need Your Loving" y "Something About You", no habían superado el Atlántico.

Así que cuando el sello lanzó una colección Greatest Hits, los fans aprovecharon la oportunidad para poseerla. En esa lista de bestsellers de febrero de 1968, subió al número 1 y se convirtió en el primer álbum de Motown en el Reino Unido.

Entró en los bestsellers del Reino Unido en enero, en el número 26, y progresó rápidamente al número 12 y luego al número 4.

Luego, la colección se trasladó a la cumbre, reemplazando al álbum de los Beatles Sargent Pepper, nada menos. Ningún álbum anterior de Motown había logrado la hazaña, pero irónicamente, el reinado de los Tops terminó solo siete días después, de todos los artistas, sus compañeras de sello Diana Ross y la propia colección Greatest Hits de los Supremes. Pero la retrospectiva de los Tops pasó no menos de 16 semanas consecutivas en el Top 10, e igualmente impresionante, más de un año en la lista de 40 posiciones de la época. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El niño prodigio de doce años "Little" Stevie Wonder, quien hizo su debut en vivo en el club Latin Quarter de Detroit, se unió a la Motown Records Motor Town Revue de dos meses de duración, que se estrenó en Washington.  Con los Miracles, Mary Wells, Marvelettes, Marv Johnson, Contours y Supremes, concluirá el 16 de diciembre con una aventura de diez noches en el legendario Teatro Apollo de Nueva York.  Destetado con la música de otro cantante negro ciego de R&B, Ray Tv Charles, Wonder aprendió a tocar el piano, la batería y la armónica a la edad de siete años, y comenzó a escribir canciones a los ocho.  También en el cartel de su primera gira de Motown estaba el cantante de 23 años Marvin Gaye, que ya formaba parte de la cuadrilla ya de Hitsville USA como baterista de sesión y compositor.

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1962’s # 1 USA ALBUM

Tal vez uno de los primeros grupos musicales "fabricados", reunidos con el propósito de hacer discos de éxito, sin embargo, tipificaron el renacimiento de la escena folclórica de la cafetería de principios de los 60 a principios de los 60. Mientras que el movimiento original estaba poblado principalmente por beatniks, P,P&M trajo una salubridad al género que los llevó a una gran aceptación entre el público principal que compraba música. Después de escuchar a todos los fabulosos grupos de armonía vocal masculino/femenino que han seguido a su paso, a veces podría ser sorprendente descubrir que sus armonías no eran tan acertadas. Para ser justos, para un trío, suenan bastante espectaculares, especialmente con la ayuda de producción para suavizar los bordes ásperos. Me gusta este primer álbum principalmente por las selecciones que han elegido. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

'Eden es, simplemente, un álbum pop de Everything but the Girl. Su marca de pop está impregnada de influencias de jazz, r&b, folk y bossa nova en varios puntos, siendo la influencia del jazz la más prominente. La música va acompañada de la voz alta completa de Tracey Thorn. Desafortunadamente, las canciones suenan algo similares en la segunda mitad del álbum. Sin embargo, la fusión ecléctica de la música y la excelente voz de Thorn trabajan juntas de manera excelente para salvar esto de la suavidad.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Este LP, el último de Joe Walsh con el grupo, comienza con "Walk Away", que es una de las dos canciones emblemáticas de JG y merece su estatus como clásico del rock clásico. El resto del álbum está en su mayoría bien... un poco mediocre, no demasiado memorable, posiblemente en parte debido a la medida en que Walsh compartió tareas de composición con los otros dos miembros, Dale Peters y Jim Fox, que contribuyeron con dos pistas cada uno, frente a cuatro de Walsh. "Walk Away" es seguido por "Yadig?", un vals instrumental tranquilo y jazzístico que suena un poco como Ray Charles en un estado de ánimo tenue; 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS 63 (Quincenal)

Un álbum que aún conserva la sensación de tiempos cambiantes. El amanecer del punk de Nueva York. Patti fue la primera imagen del punk para mucha gente, el hecho de que sea una mujer es importante y dice mucho teniendo en cuenta su línea de apertura en este disco, vinculando irrevocablemente la blasfemia con la ética punk. Ella es poeta, y este álbum es claramente poético. La actuación de la banda es comprensiva y está relacionada con la conmovedora entrega de Patti. Todo en este álbum solo haciendo clic y te sentirás bien. 

The Guess Who es una banda muy buena y “American Woman”es fácilmente su mejor álbum. Aquí hay muchos aspectos destacados que aligeran el álbum. "American Woman" comienza lento como una vieja canción de blues directamente desde el delta, luego viene el riff estrellado y se dispara como un elemento básico del rock. "No Time" es una canción genial y se mueve muy bien. A pesar de eso, es difícil competir con "The New Mother Nature/No Sugar Tonight", que es una pieza impecable, llena de funk y divertida con mucho que amar. No es un gran álbum, pero es el mejor de The Guess Who.

Lejos de ser un álbum influyente en Punk y uno de los mejores discos de principios de los años setenta, este lanzamiento es bastante manso. Comienza con una versión a medio hornear del gran clásico de rock Little Richard, pero luego inmediatamente entra en una muy buena segunda pista, Tonight, lo que me hacía pensar que este iba ser un muy buen álbum después de todo.

Sobre la base de surcos funky, crea una atmósfera reflexiva que es a la vez nostálgica y futurista. El álbum está estructurado como una suite, con las melodías que se desvanecen entre sí. El resultado es algo que podría llamarse Prog-Jazz. McCann creó un sonido visionario cuando grabó este álbum en el 72. Sin embargo, es probable que los fanáticos tradicionales del jazz o el rock no encuentren satisfacción aquí.

El grupo fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1996, el Salón de la Fama del Grupo Vocal en 2001 y recibió un Premio a la Trayectoria de la Fundación Rhythm & Blues en 1998. Gladys Knight y los Pips están clasificados como el noveno grupo más exitoso en aparecer en The Billboard Top 40 Book of R&B and Hip-Hop Hits (2005). Este Álbum es uno de los mejores.

Los álbumes Song Book de Ella Fitzgerald se clasifican junto con lo mejor de Frank Sinatra como los puntos culminantes de la música popular estadounidense pre-Rock & Roll: una hermosa mezcla de canción, arreglos y voz.

Décadas después de su lanzamiento inicial, este magnífico álbum homenaje a Irving Berlin sigue brillando, gracias a los talentos involucrados y al alto nivel de rendimiento. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Taylor se mete con su saber hacer en  su tercer álbum. Continúa donde lo dejó su predecesor, pero de alguna manera profundiza al ser menos diverso. El sonido es más rico, más funky y cálido, incluso en una balada tan lenta como You've Got A Friend, el bajo se mueve contra el ritmo y crea una síncopa suave que satisface. Esto es lo que me encanta de esta música, nadie necesita pisar los dedos de los pies de nadie más y, sin embargo, todo el mundo tiene un papel crucial que desempeñar. Las canciones de Taylor no siempre son tan simples como él las hace sonar y el flujo suave de los acordes que cambian regularmente da a los músicos la oportunidad de mostrar sus habilidades. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Mahalia Jackson fue una cantante de gospel estadounidense. Con una poderosa voz de contralto, se la conocía como "La Reina del Evangelio". Jackson se convirtió en uno de los cantantes de gospel más influyentes del mundo y fue anunciado internacionalmente como cantante y activista de los derechos civiles. Fue descrita por el artista Harry Belafonte como "la mujer negra más poderosa de los Estados Unidos". Grabó unos 30 álbumes (en su mayoría para Columbia Records) durante su carrera, y sus discos de 45 rpm incluyeron una docena de "oros", millones de vendedores.

"Canto la música de Dios porque me hace sentir libre", dijo una vez Jackson sobre su elección del evangelio, y agregó: "Me da esperanza. Con el blues, cuando terminas, todavía tienes el blues". 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

En primer lugar, me encanta esa portada. Es casi como una pintura de una impresionista francesa, y Ella allí en el centro con su túnica de noche con bastante segura.

Y cuando interpretas a este ganador del premio Grammy, esa impresión de confianza se ve confirmada por la producción (arreglos) pero, sobre todo, por la voz de Ella. Ella es claramente la reina del jazz aquí. La voz de jazz no hay nada mejor que esto. Está acompañada en las 32 canciones que fueron elegidas para este set por Paul Weston & His Orchestra.

Cualquier persona interesada en Jazz vocal y Jazz en general debe asegurarse de escuchar este álbum. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Había varias bandas de New Romantic a principios de los años ochenta, pero los dos líderes fueron Duran Duran y Spandau Ballet. ¿Cuál era mejor?

Bueno, Duran, por supuesto. Obviamente. Era difícil ignorar sus habilidades de composición inolvidablemente pegadizas que los convirtieron en uno de los mejores de su arte. Spandau simplemente no podía igualarlos en ese sentido.

Sin embargo, vencieron a Duran de dos maneras. Uno, llegaron primero en lo que respecta a su sencillo debut y su álbum. Y dos, tenían un vocalista superior, la voz rica y poderosa de Tony Hadley que estaba por delante del grito más nasal de Simon Le Bon, y probablemente las amígdalas de todos los demás en la escena teenybopper también en ese momento. 

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DIRECTISIMO 36

Este álbum doble, el segundo álbum de Pentangle, es mitad en directo y mitad de estudio. La primera parte en vivo tiene un par de canciones originales, pero está dominada por versiones y arreglos, en su mayoría de canciones tradicionales. La música es bastante variada: folk original y tradicional, blues y folk. Hay un par de instrumentales de Mingus, mientras que "So Early In The Spring" ve a McShee cantar sin compañía. Lo más destacado para mí son sus arreglos de "Watch The Stars" y el "viejo favorito" "Bruton Town", que estaba en su primer álbum. Pensé que se suponía que Pentangle era todo acústico (los créditos solo se refieren a guitarras acústicas). Pero si una de las dos guitarras de este primer álbum no es eléctrica, entonces soy un malvavisco. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

¿Es Madonna realmente una reina de la auto-reinvención? Bueno, no lo creo mirando la carrera de Linda Ronstadt. "Adieu False Heart" es otra prueba de que Linda Ronstadt es una artista verdaderamente notable que busca implacablemente diferentes modos de expresión, desviándose de la música pop sobrecomercializada. Después del decepcionante álbum de portada "Hummin' To Myself", Ronstadt decidió asociarse con Anne Savoy y como ZoZo Sisters grabaron uno de los mejores álbumes de 2006, lleno de música cajún. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Seis de cada diez pistas son originales. Las portadas son arreglos conmovedores de canciones pop conocidas. Fire and Rain fue originalmente de James Taylor; Help Me Make It through the Night de Kris Kristofferson. Esa última canción es una balada cariñosa con una introducción oral y uno de los aspectos más destacados de este álbum. 

El popurrí funciona bien;Un gran original es Master of My Mind. Todas son canciones de amor con un sonido completo de Motown, con cuerdas, trompas y, a veces, clavecín. La voz de Gladys suena ronca, apasionada y conmovedora. 

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CLÁSICOS DEL ROCK 96

Posiblemente el LP más odiado de los fans de Mahavishnu,Inner Worlds no se parece en nada a sus lanzamientos anteriores. Marcó un cambio importante en la idea de John McLaughlin para su orquesta, se ha ido el virtuosismo del violín de Jerry Goodman y Jean-Luc Ponty. El teclado ya no sirve como importante dispositivo en solitario, y la música pasó de una intensa mezcla de jazz y rock a un intento comercial flácido y soso. Dicho esto, Inner Worlds no es del todo malo.

El paso del tiempo es un tema central en uno de sus últimos discos de Willie Nelson, Last Man Standing; y eso no es nada sorprendente ya que el astuto cantautor de country tiene  89 años ahora.

En la portada mira con atención a su legendaria 'Trigger', que parece casi tan vieja como él. Como bien saben los amantes de la vida y la música de Nelson, ciertamente ha compartido una gran parte de su rica, y a menudo salvajemente texturizada, historia.   �De hecho, Willie Nelson y ‘Trigger’ se encuentran en el primer lanzamiento en video del álbum, también titulado Last Man Standing, junto con sus compañeros guitarristas tocando una Fender Jazzmaster y una Stratocaster. 

Romantic Warrior fue lanzado como uno de los últimos álbumes de RTF, por lo que en este punto los músicos estaban bastante hinchados por los botines del pasado. La pretensión gotea solo de una manera que los artistas musicales progresivos pueden tocar. Los álbumes de fusión a menudo pueden sonar agradables, pero debajo de la superficie el alma es más difícil de discernir; está cubierta de chuletas musicales y no de esfuerzos emocionales. Por eso la puntuación es media. Hay muchos lanzamientos mejores en el género progresivo.

Pero aquí con estos fantasmas que persiguen a Nick Cave y este álbum que está tan en la nariz sobre la muerte de su hijo, siento cada vez más que esta cosa realmente de mierda y pesadilla que le ha pasado a Nick Cave es casi una mercancía en el panorama de la música pop. Si bien esto podría ser positivo para muchos fans, esto podría haber afectado negativamente al artista y a su entorno que se refuerza social, comercial e institucionalmente en el mundo de la música hoy en día y es, en este punto, casi una tradición.

Y la vida sigue.

Que este álbum funcione para ti dependerá por completo de tus expectativas, incluso si eres fan de Glass.

La presencia de tantos nombres pop conocidos es engañosa. Este no es un álbum pop. No es un álbum crossover. Excepto aquí, los temas son el típico "minimalismo" de Philip Glass de la época.

Pero "Freezing" es hermoso, pase lo que pase. "Open the Kingdom" es lo que tocan a las puertas del cielo.

"Evening Star" debería ser uno de los peldaños para cualquier persona interesada en la música ambiental. Los arreglos de la primera mitad del álbum son lo suficientemente accesibles como para que cualquiera que ame la música los disfrute. Las capas de sonido cuidadosamente colocadas revelan nuevos detalles con cada escucha, lo que siempre hace que sea una experiencia gratificante. Echa un vistazo a este álbum por su innovación y la combinación de dos genios musicales en el apogeo de sus carreras. 

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1967’s # 1 UK ALBUM

En el primer álbum, el objetivo era hacer que todo sonara como "Last Train to Clarksville", ahora el objetivo es hacer que todo suene como "I'm a Believer". Bueno, al menos la adición del órgano hizo que las cosas sonaran un poco más "modernas", y el álbum introdujo a Neil Diamond en el mundo, así que eso es positivo (incluso si "Look Out (Here Comes Tomorrow)" es realmente cursi). La historia clásica con esto fue que los propios cuatro Monkees tenían tan poco que ver con este disco que ni siquiera sabían de su lanzamiento hasta que lo vieron en el escaparate de una tienda de discos local mientras estaban de gira. Su indignación por esto los llevó a luchar por el control de su propio destino artístico (algo que en realidad no tenían hasta que lucharon por él) lo que, al tiempo que descarrilaba su atractivo comercial, llevó a mayores récords. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Como su nombre indica, Fripp & Eno es una pareja musical de dos músicos muy prolíficos e influyentes. Brian Eno ha trabajado e influido en innumerables músicos con su innovador trabajo de producción y álbumes en solitario que superaron los límites de la música ambiental/experimental. Por otro lado, Robert Fripp es más conocido como el guitarrista de la legendaria banda de rock progresivo King Crimson. Juntos lanzaron dos álbumes ambientales en la década de 1970, titulados "(No Pussyfooting)" y "Evening Star".

"Evening Star" es el álbum que me abrió los ojos a la belleza potencial y el propósito del ambiente. El álbum está lleno de electrónica burbujeante y melodías de guitarra bellamente escasas que se entrelazan entre sí para hacer algunas de las músicas más hermosas pero sutiles que he escuchado. La canción del título, que es mi favorita personal, comienza con un bucle de guitarra desplazado hacia un lado con las teclas electrónicas que lo acompañan encuadradas hacia el otro. A medida que avanza la pieza, se añaden ondas de sonido altísimas a la mezcla, lo que resulta en una sensación casi abrumadora de exquisitez.

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1962’s # 1 USA ALBUM

Obviamente, un disco importante, pero que no se ha mantenido. El problema es que Charles no está jugando a sus puntos fuertes aquí en absoluto; estaba en su mejor momento en entornos muy confinados y despojados, en su elemento cuando sus canciones y su voz eran todo con lo que tenía que trabajar. Este álbum, sin embargo, es todo cuerdas y coros masivos y 10 personas en la habitación grabando a la vez, y simplemente se pierde en él. Definitivamente no es lo que llamarías un mal disco, pero aunque "I've Got a Woman" y "What'd I Say" se han convertido en piedras angulares a lo largo de los años (especialmente desde el lanzamiento de Ray), te resultaría muy difícil imaginar que suceda lo mismo para cualquier cosa aquí en esté album.

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

En 1973, el experimentado pianista y vocalista de soul jazz Les McCann había adaptado su sonido para los funky años 70 con álbumes como Invitation to Openness y Talk to the People. En Layers, es menos comercial al lanzar un álbum de mayor parte de electrónica aparentemente inspirado en la producción musical de Stevie Wonders de la época. McCann fue uno de los primeros en usar un estudio de 32 pistas y sobregrabar todo él mismo creando paisajes sonoros conmovedores de estado sólido con sintetizadores ARP y pianos Rhodes mientras lo mantenía funky. Con canciones como "Harlem Buck Dance Strut" y "Sometimes I cry", el álbum más tarde se convertiría en un elemento básico para los productores de muestreo de la década de 1990. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DIA

¡Líquid Days es precioso! No sabía que Glass podría ser tan melódico. Me encanta la forma en que la melodía se resuelve en "Changing Opinion", y los ritmos que toca lo que supongo que es un triángulo en "Lightning" son geniales.

También hay algo de humor aquí en Liquid Days, parte 1, que es muy bonito.

Sin embargo, lo más destacado para mí en este álbum es la melodía de los dos primeros minutos en "Freezing". Es casi inductor de lágrimas.

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SALON DE LA FAMA 18 (2003)

Antonio Martínez y Jose Sánchez 

En 2003 a pesar de la postura antisistema del Clash, la banda recibe con gracia el abrazo grupal del Rock Hall of Fame, menos de tres meses después de la muerte de Joe Strummer. Mick Jones dice que acepta el honor "en nombre de todas las bandas de garaje". Actuando juntos en público por primera vez desde 1992, The Police revive "Every Breath You Take" con coros de Steven Tyler, Gwen Stefani y John Mayer. Los Righteous Brothers son inducidos por Billy Joel, quien dice que el dúo demostró que "a veces los blancos pueden ser realmente conmovedores". 

Elvis Costello y AC/DC fueron también incluidos ese año. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Una obra de profunda ternura y crudeza emocional. El extenso Ghosteen, parecido al trance, no juega como ninguna otra cosa, y eso también incluye el catálogo de Nick Cave. Skeleton Tree, que subestimé un poco en ese momento, disculpas, tal vez se debió a que se registró en gran medida antes del fallecimiento de su hijo, bastante diferente a esto (nada aquí es tan espeluznante como lo fue "Jesús solo", por ejemplo). En composición, esto es más capaz que espectacular. Sin embargo, Ghosteen es convincente; una meditación prolongada sobre la pérdida y el dolor. En el tremendamente magnífico "Galleon Ship", una de las mejores canciones de su larga carrera, asciende a la verdadera grandeza. Sigue flotando cerca para "Ghosted Speaks" y la pista más corta, "Fireflies". 

Y continua la desgracia…..

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SUREÑOS DEL NORTE AL SUR 99

Elvis Presley y Escarlata OHara, Louis Armstrong y William Faulkner, Tina Turner y el general Lee, Truman Capote y Martin Luther King, presentan algo en común: todos ellos nacieron en alguno de los estados del Sur de los Estados Unidos. Lo mismo puede decirse de Lo que el viento se llevó, o de la música country, del blues, del rockabilly y del rock. Todos ellos son tan sureños como el julepe de menta, los tomates verdes fritos o el pollo frito estilo Kentucky. El dar a conocer tan sugestiva y peculiar parte del planeta fue lo que me impulsó hace mas de un año  a comenzar a publicar una playlist semanal (hace poco pasó a quincenal)titulado Sureños de Norte al Sur, un espacio en el que la gente puede escuchar la música del sur, conocer la historia de los distintos estilos de la musica del sur de los EEUU y paladear otras historias del sur.

La presente  publicación constituye un viaje por ese sur de los Estados Unidos de la mano de su música, pero también de su geografía, de su cultura y de su Historia. Olvídese de sus problemas y prepárese para disfrutar. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Al igual que se dice que del cerdo son bonitos hasta los andares. De este álbum, es bonita hasta la cara del jinete, y eso que no se ve.

Sin duda estamos ante una de las obras maestras no solo del género, si no de la música en general. Y todo ello gracias a Chick Corea y la superbanda Return To Forever.

De una banda formada por los mejores en su posición no cabe esperar otra cosa que un gran trabajo. Me estoy refiriendo a músicos de la categoría de Stanley Clarcke al bajo, Lenny White a la batería y el sensacional, y joven en aquel momento, Al Di Meola. Y ya no digo nada de Chick Corea.

A nivel musical y compositivo es perfecto. Con la entrada de Al Di Meola, la banda fue capaz de canalizar y mezclar ese toque virtuoso y complejo del Jazz-fusión con un toque más comercial y "escuchable". Este joven americano sabía lo que hacía.

El álbum es ameno, frenético, y en ciertos tramos aventurero. Una obra clave del género. Sería absurdo comentar temas en concreto, ya que deberíamos de tomar este álbum como una obra en sí.

Y la producción es magnífica. Producido en su totalidad por Chick Corea y el resto de miembros de la banda. Esto es de vital importancia ya que les permite a los músicos dirigir el álbum por el camino correcto. Enfocar bien su trabajo.

A modo de resumen, es un álbum perfecto con el que iniciarse en el mundo del Jazz-Fusión. Es ameno, pero con partes musicalmente más complejas. Y permite disfrutar del virtuosismo y calidad de los miembros de la banda. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

¡Otro álbum clásico de rock'n'roll del MC5!

La pequeña producción lo hace más cerca del power pop que del proto-punk, pero como lo llames, ¡se mece con venganza!

Guitarras de buena calidad, energía y ganchos para matar, 11 canciones en menos de media hora, se puede argumentar de manera convincente que The Ramones (y Saints and Damned y Pistols) no existirían sin este disco.

Las pistas más esenciales: "Tonight", "Shakin' Street" y especialmente "Looking At You", ¡uno de los tres minutos más vitales de pura angustia de rock'n'roll jamás grabados por nadie, en cualquier momento! 

Obra maestra del proto-punk-rock. Impresionantes temas, tocados con una crudeza envidiable, que ya quisieran para sí mucho grupitos que iban de duros.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

 

A pesar de cumplir 85 años en 2018, Willie tenia la energía para hacer una gira con Beto O'Rourke, el joven demócrata tejano que hace campaña para senador. Por lo que sabemos, el consumado cantante/compositor podría estar presente durante mucho tiempo. Pero, al menos a veces, su álbum Last Man Standing cuenta la mortalidad con humor y gracia. "No quiero ser el último hombre en pie", dice, pensando en su envejecido círculo de amigos, antes de añadir: "Espera un minuto, tal vez lo haga".

Como de costumbre, Willie toca con una banda de estudio experta, profesional a cada paso. Estos chicos son simplemente buenos. Y teniendo en cuenta alguna tontería como "Don't Tell Noah", que tienes que esperar con él (quiero decir, piensa en "Shotgun Willie"), la composición es tan sólida como siempre lo fue. Nunca sombrío y a menudo divertido, sus letras todavía logran tocar la pérdida de amigos, sentirse ambivalente hacia tu propia muerte inminente, soportar el dolor, aceptar que podrías haberlo hecho mejor en esta vida.

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DIRECTISIMO 35

Cualquiera que decida escuchar esto y esperar un álbum lleno de clásicos de la guitarra surf está terriblemente equivocado. En lo que en realidad consiste el engañosamente titulado King of the Surf Guitar es en tres asaltos salvajes a la guitarra de surf (Hava Nagila, México y Riders in the Sky), el resto son instrumentales aburridos de boogie-blues o pistas vocales deficientes. Quien le dijera a Dick Dale que debería cantar en algunas de las pistas claramente no estaba pensando sabiamente, ya que Dale es un cantante increíblemente poco carismático que no añade absolutamente nada. Es una pena, ya que algunas de estas pistas serían geniales si se dejaran como instrumentales. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Este álbum tiene muchos buenos momentos, sin embargo, lo mucho que te guste depende de lo diverso que sea tu gusto musical. Considerándome un fanático de la música de mente bastante abierta, pude disfrutar de todo, excepto de las piezas vocales. Eso todavía me dejó con mermeladas de fusión salvajes, fanáticos de la guitarra Hendrix, interludios acústicos, música del mundo y me olvido de qué más. Agradable seguro, pero lamentablemente un fracaso como "álbum". Sin embargo, eso no me impidió escuchar otro álbum de Mahavishnu Orchestra 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

El Album American Woman (1970) fue concebido para ser recordado. Su Mega hit American Woman esta presente en toda recopilacion de temas de los 70s que se respete. The Guess Who el grupo Canadiense y su 7mo album en su discografia va de la mano estre el Rock y el Pop en temas somo No Time , No Sugar Tonight o 8.15 , con grandes arreglos vocales y mucho oficio. 

La mistica "Talisman" de liricas fantasticas y magicas es hermosa, pero lo mejor del album a mi juicio esta en el tema instrumental 969 (the oldest man) y el Blues Humptys Blues / American Woman que cierra el album y que muestra una desgarrada voz de Randy Batchman quemandose en vida, quien junto al gran Burton Cummings pianista energetico y brillante letrista , ya son parte de los Clasicos de comienzos de los 70s.

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CLÁSICOS DEL ROCK 95

Al diablo la evolución: retro y sensual soul-funk al mejor estilo de los 70's y eso está bien. En cierto modo soy mucho más indulgente con el reciclaje musical hecho con los géneros afro-americanos que con el que a menudo se hace en el rock, quizá sea porque aquel normalmente es recreado en estos tiempos con mucho mejor gusto y espíritu que este: El reverendo Al Green debería estar orgulloso de un disco como Faithful Man, que presenta una interpretación apasionada, precisos arreglos de viento y cuerdas y muy buenos temas (hay un cover de "Moonlight Mile" de The Rolling Stones). De acuerdo, alguien podría decir que no es nada que no se haya oído antes y mejor, pero el resultado suena cálido, honesto y acompaña muy bien. Pulgar arriba.

First Take de Roberta Flack parece un debut prometedor desde el punto de vista de sus créditos. Con su alineación estelar de músicos de acompañamiento, siempre imaginé que grabar este álbum debe haber sido una experiencia un poco nerviosa para Roberta. Sin embargo, tocar el piano es fantástico y las voces son fuertes. Mi problema es más con la música, que a veces me suena muy anticuada. First Take incluye , Compared tp What, Tryin' Time, etc., pero estas versiones son demasiado relajadas para incendiarse y demasiado largas.

Probablemente el disco más psicodélico de la banda Echo and Bunnymen, pistas de sonido pesadas e intensas aquí con mcculloch haciendo su mejor estilo vocal jim morrison/david bowie, mientras que el increíble sargento de voluntad continúa recibiendo un nuevo kilometraje del trabajo de guitarra de lou reed y george harrison alrededor del 66.

"The cutter" y "back of love" fueron 2 grandes sencillos, pero no te puedes perder "heads will roll", "gods will be gods" y "clay" también.

Sin embargo, en mi opinión, la sección de ritmo no es tan buena aquí como en discos anteriores, pero pasaré por alto eso, ya que sigo siendo un fan.

Quincy Jones es un productor legendario conocido por su inmaculado trabajo con el Rey del Pop. Es un vitalicio de la industria de la música con un perfil increíblemente alto y una ética de trabajo rigurosa. Gran parte de su material existe como cortes profundos inmortales en la era del jazz o el R&B y su enfoque del diseño de sonido sigue guiando a los productores modernos hoy en día. Lo que mucha gente no se da cuenta es que él también era bastante compositor. Hizo sus propios discos con regularidad, y en 1989 decidió reunir a todos los que pudiera llamar en un espectáculo pop gigante. El resultado fue "Back on the Block" de 1989. Vendió más de 1 millón de copias en 1990 y ganó el álbum del año en los Grammy ese año. Se establece como un punto culminante tardío de su carrera con toneladas de elogios y elogios.

Este disco de PJ Harvey me suele gustar bastante. Tiene un ritmo tremendamente neurotico, de puro nervio y raramente desquiciado. Se sabe el gusto por la muchacha a las declaraciones descarnadas, al todo o nada, a sus letras repletas de confesiones. Sus discos suelen ser tensos en ese sentido, siempre con el propsito de poner los pelos de punta. Y justamente son todos esos elementos los que hacen que PJ Harvey sea una de mis artistas preferidas. 

Fusión en el sentido más completo de la palabra, Horses & Trees de Ginger Baker combina jazz, funk, música del mundo, electrónica, reggae, hip-hop y algo ruidoso todavía.

Publicado en 1986 en el sello de baile artístico Celluloid, con sede en Nueva York, este esfuerzo angular y profundamente desafiante fue producido por Bill Laswell, que también aparece en el bajo. La víctima tal vez de su propia complejidad, Horses & Trees, ha estado agotado en los EE. UU. desde al menos 1995. 

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1967’s # 1 UK ALBUM

La gloria del Sargento Pepper se explica más allá de su extraordinario contenido musical por los símbolos que emite. Por esta razón, goza de una reputación absolutamente unánime en el aspecto del "álbum", aunque puede que no se considere uno de los mejores de todos los tiempos, ni siquiera lo mejor de la discografía de los Beatles. La importancia radica en entender la idea de lo que estoy diciendo. En primer lugar, el sargento Pepper es el símbolo de la cima de la música psicodélica, articulada socialmente como una de las figuras clave de la contracultura, de la generación del baby boom en los albores del Verano del Amor 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

 

Ginger Baker me parecía grandioso cuando lo escuchaba en Cream y me imaginaba que debía tener discos en solitario bien rompedores . Este disco de los ochentas es el primero que escuché de su carrera solista y debo decir que si bien no cubrió mis expectativas y que de repente parece que el buen pecoso está como ensayando, el disco tiene un encanto tipo jazz pop que hace el disco no solo agradable a la escucha, sino también interesante. Ginger se rodea de músicos muy capaces (desconozco quienes sean, pero no me extrañaría algún nombre de calidad por ahí) y que hacen que su música suene cada vez, conforme avanza el disco, menos convencional. 

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1962’s # 1 USA ALBUM

Aunque los musicales no es mi estilo favorito en la música , creo que hay un valor innegable en este disco. La instrumentación es increíble y me gustan mucho sus partes instrumentales. Un amigo mío dice que es un poco triste ver a Bernstein dirigiendo una sinfonía de Beethoven después de componer y dirigir esto. Estoy seguro de que Beethoven es mucho más aburrido.

Lo único que todavía no capto del todo son las voces. Supongo que tienen que reflejar la atmósfera de las "calles", pero a veces parecen demasiado forzadas. Sin embargo, después de ver el programa y volver a visitar la película, entiendo por qué la bandeja para alinear a los personajes con los diferentes enfoques vocales. Sin embargo, todavía no lo alineo. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Patti Smith nació en Chicago y creció en Nueva Jersey, expuesta a la influencia de poetas como Arthur Rimbaud y cantautores como Bob Dylan. Su carrera, a caballo entre la poesía y la música, se ha desarrollado siempre al margen del éxito comercial; sin embargo, su estilo descarnado se ha convertido en referencia imprescindible para artistas posteriores. Patti Smith se inició en el rock a través de su novio, Allen Lanier, de Blue Oyster Cult. Enseguida fue descubierta por el crítico de rock-guitarrista Lenny Kaye, que la animó a grabar y la rodeó de una banda formada por el mismo, el pianista Richard Sohl, el bajista Ivan Kral y el batería Dee Dau gherty. Su debut, Horses, apareció además con la garantía de John Cale (ex Velvet Un derground), que hizo de productor. El álbum incluía versiones y temas propios, a los que, en cualquier caso, aportaba su voz escalofriante y conmovedora. Entre las versiones, Gloria (Them) y el clásico Land of a thousand dances. En sus textos, referencias a ídolos como Jim Morrison y Jimi Hendrix. No fue un disco muy vendido, pero su influencia en la música rock posterior fue enorme. En las listas no pasó del cuarenta y siete, aunque su tercer y cuarto discos sí entraron en el top 20 de Esta dos Unidos. Pero sin medir la categoría por el dinero, éste es el gran álbum de Patti Smith y uno de los mejores trabajos dentro de la filosofía punky de la época. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Encabezados por la cantante, guitarrista y gran compositora Polly Jean Harvey, el trío PJ Harvey se formó en 1991, y muy poco después tenían su álbum de debut en la calle. Dry, que fue publicado por la independiente Too Pure en Inglaterra y por Island en Estados Unidos, fascinó tanto a la prensa como al público underground. Su rock dinámico, crudo, austero y sus letras provocativas centradas en la mujer fueron un revulsivo necesario en la escena musical del momento y todo un reto para los oídos acostumbrados a canciones accesibles. El descontento de Harvey con su cuerpo y su feminidad se convirtió en combustible inagotable para sus letras, exposiciones brutales y llenas de humor negro so bre sexo, amor y odio. Y a la vez, sus temas difíciles, estructurados como si fueran blues pero interpretados con la agresividad del punk, siguieron ganando adeptos con el segundo elepé del trío, Rid of me. A pesar de su relativo éxito, es difícil que una música tan cruda y que exige tanto del oyente llegue alguna vez a triunfar en los circuitos comerciales 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS 62 (Quincenal)

Sorprenden estos britanicos cantando como si fueran de los páramos del centro de Norteamerica. Incluso Crosby, Stills and Nash debieron palidecer en su dia al escucharlos. Imagino que era la tendencia de la epoca, aunque suenan muy bien. Los mejores cortes, Sandman (Excelentes voces y acordes) A Horse With No Name (una obra de arte por el calor de la canción) y I Need You (balada interesante). Buen trabajo con guitarras acusticas.

Definitivamente, una edición más bien pasteurizada de CSN&Y. Agradable, algo tópico  y más bien inofensivo. Chicos sanotes, letras a veces de sonrojante "poesía", olor a campo abierto, bonito entramado de acústicas.

El desproporcionado e inmerecido éxito de Bad Company resulta sencillo de explicar en 1974, cuando el rock en general atravesaba un oscuro período creativo y la aparición de este supergrupo no hace más que reafirmar esa tendencia. Con su hard rock complaciente, pocas ganas de innovar y canciones francamente insulsas, es uno de los álbumes más sobrevalorados de su tiempo. 

Resulta difícil creer que la mitad de Free y la guitarra de Mick Ralphs estén detrás de todo esto. Al parecer la famosa “Can’t Get Enough” fue suficiente para convencer y es por lejos lo más destacado

Muy pocos podían presagiar que parte de los sonidos más innovadores y sicodélicos de 1966 iban a ser creación de una banda de blues eléctrico, y todavía es más sorprendente que en los 10 meses que pasaron desde su debut el grupo expandiera su música de forma tan radical. Pese a ello esa marca registrada que es el blues de Chicago todavía está presente en buena parte del álbum, destacando sobre todo la furiosa toma de “Two Trains Running” y el slow blues “I Got A Mind To Give Up Living”, una magnífica muestra de cómo se debe hacer blues, con un cautivante solo y un Paul Butterfield entregando una de sus mejores interpretaciones.

Puedo entender que este álbum no tenga una calificación tan alta,

Pero tengo que decir que, a pesar de toda su producción y sonidos anticuados, me gusta bastante, y hay una razón:

Es la artesanía superior a la media detrás de las canciones.

Aunque, en términos comerciales, este "regreso" no funcionó,

Esos chicos todavía sabían cómo escribir buenas canciones con buenas letras.

Si alguna vez pensaste que a la salsa le faltaban largos solos de guitarra entonces esto es para ti, por que es lo que es, música de salsa con solos de guitarra. No intento ser malo (jeje) con el grupo pero así lo percibí, aunque en su defensa, esas percusiones y la batería se escuchan algo mas alocadas para de lo que suelen ser en la salsa común, además de que los solos de guitarra son muy buenos.

Sería prácticamente imposible revisar este álbum sin mencionar a otra banda de rock de influencia latina, así que ni siquiera intentaré no... ¡Santana! ¡Santana! ¡Santana! Si te gusta ese sonido (primeros años), entonces te va a gustar esto. Si no es así... evítalos 

Hair, subtitulado The American Tribal Love/Rock Musical, es una ópera beat sobre la cultura hippie de los años 1960 en los Estados Unidos, incluyendo el amor, la paz, la libertad sexual o el uso de drogas, todo lo cual produjo cierto impacto en la época, incluidos los desnudos integrales de todos los actores en algunas escenas. Más allá de todo esto, el musical Hair ha dejado algunas de las canciones más conocidas en todo el mundo hasta hoy en día, como «Aquarius» o «Let the Sunshine in», a pesar de que mucha gente no conoce el musical al que pertenecen. 

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