lunes, 31 de octubre de 2022

1966’s #1 USA ALBUM

1966 fue annus mirabilis para Sinatra. En marzo recibió 3 premios Grammy por su trabajo en el álbum September Of My Years de 1965. Tres meses después, volvió a estar en la cima de las listas de sencillos y álbumes con este álbum y su canción principal. En el Reino Unido, el álbum elegido en el número 4, negando por poco a Frank la oportunidad de convertirse en el primer artista en tener éxitos simultáneos de singles y álbumes en los EE. UU. y el Reino Unido, una hazaña que finalmente sería lograda 5 años después por Rod Stewart.


El álbum tiene que verse desde 2 perspectivas diferentes. El noventa por ciento representa un álbum tradicional de Sinatra. Era una práctica normal en la obra de Sinatra para que los álbumes de balada se alternaran con sets de tempo... por lo que el seguimiento de Moonlight Sinatra sería otra dosis de Swinging Sinatra con Nelson Riddle a mano para orquestaciones y Sonny Burke con créditos de producción. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

De nuevo, otro clasicazo.

En esto no solo influye la calidad del material del álbum (la cual es fantástica), si no lo que supuso este álbum para el género. 


Recordar que estamos en 1976. Poco a poco, géneros que lo estaban petando y gozaban de gran popularidad a inicio de los 70 como el progresivo o el Hard Rock, comenzaban a decaer. Tener en cuenta que al año siguiente publicarían su primer álbum Sex Pistols o Television. 


Por lo que este álbum, aparte de ser el mejor de Thin Lizzy a nivel musical junto al Bad Reputation de 1977, supuso una bocanada de aire fresco a un género que realmente me gusta mucho.


Al igual que el resto de álbumes , se trata de un trabajo muy equilibrado. Ambas caras del disco son espectaculares. 


El álbum comienza con el atronador Jailbreak, para pasar a Angel From The Coast y Running Back. Y seguimos el álbum con piezas clave para la banda como Warrios, el himno The Boys Are Back In Town y Cowboy Song. Este trabajo acaba de una forma frenética, gracias al tema Emerald.

A nivel de producción es impecable.


A modo de resumen, estamos ante el que puede ser el mejor trabajo de toda la carrera de Thin Lizzy. Al menos es el más famoso de ellos. Un buen álbum para descubrirlos e iniciarse en su discografía. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

En septiembre de 1971 John Lennon y su esposa Yoko Ono viajaron a Nueva York. La intención era radicarse en la Gran Manzana y escapar de la locura beatlemaníaca luego de la separación del grupo, poner distancia entre todo lo que tenía que ver con los Beatles y hacer vida en familia, privada, es decir, una vida normal.

Consiguieron su vivienda en el famoso Dakota, edificio construido por allá en los años 1880, primero de su estilo que se construía en el sector y el único que sigue en pie. Instalados, John hizo contacto con algunos de los activistas estadounidenses, que obviamente tenían interés en el músico que tan vocalmente había expresado sus opiniones sobre diversos temas sociales.

John Lennon se había ido convirtiendo en un referente de las causas sociales. Canciones como de su época Beatle como los Revolution del llamado Álbum blanco de 1968, o temas como Power to the people , Remember , Happy Xmas (War is over) , Working class hero , Gimme some truth y el glorioso Give peace a chance , muestran filosofía de vida. Así pronto se vio involucrado en la escena de protestas en su nuevo país.


Participó en diversas marchas y durante una protesta contra la detención del activista y poeta John Sinclair, encarcelado por la posesión de dos cigarrillos de marihuana, subió con Yoko al escenario durante el mitin realizado en Ann Arbor, Michigan. Los Lennon interpretaron cuatro canciones que meses más tarde fueron incluido en el álbum doble Some Time in New York City

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domingo, 30 de octubre de 2022

SALON DE LA FAMA 30 (2015) Quincenal

Antonio Martínez y José Sánchez 


BILLIE JOE ARMSTRONG miró fijamente a la multitud reunida para la 30a ceremonia anual de inducción al Salón de la Fama del Rock and Roll y se maravilló en voz alta de que fuera como si su colección de discos de la infancia cobrara a la vida. Cuando las estrellas de tantas generaciones y géneros chocan, las chispas vuelan, y la extraordinaria noche en Cleveland demostró lo poderoso que puede ser el rock & roll. Risas, lágrimas, chistes de pedos: Ringo Starr, Green Day, Bill Withers y compañía los trajeron a todos. Estos fueron los momentos más importantes de la gran noche.


La ceremonia de 2015, que se celebró el 18 de abril en el Public Hall de Cleveland, eligieron a Starr, Lou Reed, Green Day, Joan Jett and the Blackhearts, Stevie Ray Vaughan y Double Trouble, e incluyó actuaciones colaborativas de Dave Grohl, Stevie Wonder, Beck, Karen O y más. Grohl, Cyrus, Tommy James y Joan Jett y los Blackhearts tocaron "Crimson & Clover" y Wonder, Legend y Bill Withers tocaron "Lean On Me", según Rolling Stone. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Siempre se ha dicho que las cosas pasan en un momento indicando, y eso sucedió con el disco ‘El Camino’ del dúo de los EE.UU. ‘The Black Keys’ compuesto por Dan Auerbach (guitarra, voz) y Patrick Carney (bateria), es su séptimo trabajo, y quizás sea el mejor de su carrera, un disco influenciado por el rock clásico, en donde se nota cierto aires al estilo de bandas como Led Zeppelin, The Doors y The Who, por nombrar algunas, pero al mismo tiempo se puede observar una propuesta nueva, en donde las predominan las canciones guitarreras, el disco es sin duda uno de los mejores del 2011, es más si lo hubiese prestado atención el momento que salió mi ranking de ese año hubiese cambiado, no hay canción mala, no hay rellenos, solo algo de cuarenta minutos de buen rock, que catalogan a este dúo como uno de los más creativos de los últimos años. 

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sábado, 29 de octubre de 2022

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Viniendo después del concepto de magnificencia de Recovering The Satellites, This Desert Life siempre iba a ser un registro difícil de hacer. Counting Crows podría haber continuado explorando el emotivo catharsis-rock que hace de Recovering the Satellites un disco tan poderoso, o podrían haber vuelto a su popular sonido folk-rock comercialmente popular que hizo que August And Everything After fuera tan exitoso.


Al final, la banda eligió una ruta completamente diferente; estudio-rock experimental, con énfasis en la producción transparente y los arreglos complejos. Fue un movimiento valiente y encomiable, pero desafortunadamente coincidió con la colección de canciones más débil hasta ahora en cualquier álbum de Counting Crows.


Hay que decir que hay algunos momentos agradables en el álbum; más particularmente la joya country-pop de 7 minutos Mrs Potter's Lullaby, que es tan hermosa, tan pegadiza que casi guarda el álbum. Casi.

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viernes, 28 de octubre de 2022

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

The Dark Side of the Moon es el mejor álbum de todos los tiempos. Puede que tengas un álbum favorito por encima y eso está bien, puedes creer que hay un álbum mejor por ahí y eso puedes ser cierto , pero la realidad es que este es el mejor álbum de todos los tiempos.

King Crimson puede haber introducido el mundo al rock progresivo, pero Pink Floyd lo perfeccionó con este álbum. El lado oscuro de la luna es una de las grabaciones más memorables de la historia tanto en términos de producción como de composición musical. Este es el alto nivel de la integridad musical de Pink Floyd. Alcanzaron la madurez con este álbum , mostrando a su base de fans y a sí mismos que entendían las dificultades de la vida. El amor, la locura, el dinero, el tiempo y todo el espectro humano están presentes en este logro monumental. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DE DÍA

Una de las grandes figuras de todos los tiempos de la música popular estadounidense, el vocalista Sam Cooke llevó una vida extraordinaria y murió de muerte extraordinaria, y en el proceso se convirtió en el cantante más influyente de la historia de la música soul.


Desde su aprendizaje como cantante de gospel hasta su paso al mundo secular del estrellato pop, Cooke mostró tanto talento como una perspicacia empresarial que no tenía precedentes en el campo del rhythm and blues (R&B). A pesar de su trágica muerte temprana en 1964, el legado del cantante ha vivido tanto su música como su esfera de influencia, atestiguado por el profundo impacto que tuvo en titanes del R&B como Otis REDDING, Aretha FRANKLIN, Al Green y muchos, muchos más. 

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jueves, 27 de octubre de 2022

DIRECTISIMO 59

No se necesitaría demasiado para afirmar de manera convincente que "White  Shade of Pale" de Procol Harum es quizás una de las canciones pop más bellas y tristes que se han escrito en los últimos cincuenta años. Y la versión de King Curtis de la canción en este álbum es posiblemente el mejor ejemplo de la belleza desgarradora de la canción. Esta es la misma canción agridulce que abre la gran película de Bruce Robinson "Withnail and I".


Los críticos de música pop y los obsesivos siempre están interesados en los clásicos revisionistas. Este es un lugar para buscar una joya así. El álbum en su conjunto no siempre resuena conmigo, pero la actuación anterior es notable. La gran potencia de la actuación debería convertirla en un elemento básico de la radio. Absolutamente hermoso. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA



Los tres primeros álbumes de Uriah Heep son muy buenos. Este es el cuarto y lo que tiene de "mejor" que el resto son las propias canciones, que son fantásticas. La cara A comienza con el tema "The Wizard", toda una declaración de lo que se avecina en el resto del vinilo. Después de la también destacable "Traveller in Time" viene un trío de gemas impresionante con "Easy Livin´" (una de las canciones más populares del grupo), "Poet´s Justice" (qué temazo!!) y "Circle of Hands" que es puro Heep. Para la cara B dejan otros tres temas excelentes: "Rainbow Demon", "All My Life" y el ejercicio progresivo "Paradise/The Spell". Una obra maestra. 

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miércoles, 26 de octubre de 2022

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

“I Sing The Body Electric" es el segundo álbum de estudio de larga duración del grupo estadounidense de rock/fusión de jazz Weather Report. El álbum fue lanzado a través de Columbia Records en mayo de 1972. Después de dejar el grupo de Miles Davis, el saxofonista Wayne Shorter y el teclista Joe Zawinul formaron Weather Report para explorar aún más el estilo de jazz rock/fusión que habían tocado con Miles Davis en algunos de sus innovadores lanzamientos de finales de los 60/principios de los 70. Sobre todo en "In a Silent Way (1969)" y, por supuesto, "Bitches Brew (1970)" (Wayne Shorter contribuye a un par más).

La música del álbum es jazz rock/fusión tocada con gran intensidad y habilidades impresionantes. Mucha soprano y saxofón tenor tocando de Wayne Shorter, ritmos complejos y maravillosos, bajo de clase alta y un montón de experimentos diferentes con sonidos y notas de teclado de Joe Zawinul. La actuación de este último aquí es absolutamente brillante. Ese sonido distorsionado de Rhodes es pura magia en manos de Zawinul. 

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AYER VÍ 3

El Ángel De La Muerte (The Good Nurse)


Amy (Jessica Chastain) es una enfermera con dos hijos que sufre una enfermedad en el corazón.No pasa por un buen momento aunque su vida cambia cuando entabla una amistad con un nuevo enfermero, Charles Cullen (Eddie Redmayne).Todo va bien con Cullen hasta que en el hospital se suceden unas misteriosas y Charles parece el principal responsable.

La película se basa en hechos reales expuestos en un libro biográfico del asesino en serie Charles Cullen, escrito por Charles Graeber.

Darren Aronofsky es uno de los productores.

Se rodó en los Estados Unidos: Connecticut (Stamford).

Se emite en Netflix. 


Angel's Flight es como escuchar música clásica en una sala de hielo. Geir Jenssen crea un ambiente fríamente hermoso, uno en el que las cuerdas gritan en un iglú. El Ártico no se enfurece con una tormenta de nieve aquí, pero su mordedura todavía se puede sentir a su temperatura. Para Angel's Flight, Jenssen recogió muestras de Beethoven y las distorsionó para que sonara más borroso, más distante. En lugar de las corrientes que fluyen de una grabación nítida, la música clásica aquí suena arriba, zumbido por debajo y adquiere un ambiente borroso.

Gracias a la manipulación de la cinta, la muestra repetida le da al álbum una surrealidad añadida. La discografía de Biosphere en este momento es bastante prolífica, y aunque la mayoría de esos álbumes no son tan buenos como Substrata en mi opinión, todavía logran crear una buena experiencia ambiental. Angel's Flight proporciona una buena experiencia ambiental, con suficiente belleza en las muestras para perseguir al oyente. Esta no es una obra maestra, pero sin duda vale la pena escucharla.

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martes, 25 de octubre de 2022

1969’s# 1 UK ALBUM

En 1964, Motown había acumulado suficientes éxitos británicos para que EMI lanzara un álbum de grandes éxitos, A Collection of Tamla Motown Big Hits.En los siguientes años, se lanzaron varias compilaciones más, incluidas seis de la serie 16 Original Big Hits.

En 1967, el sello publicó el primero de la serie Motown Chartbusters. Aunque la serie comprendía principalmente sencillos de éxito de varios artistas de Motown, los álbumes también incluían otras grabaciones que no habían sido éxitos en Gran Bretaña y muchos éxitos individuales significativos fueron excluidos de la serie.

Los álbumes posteriores de la serie no incluyeron ninguno de los diez mejores sencillos logrados por Stevie Wonder, ni ninguno de sus lanzamientos. A veces se incluían éxitos menores en lugar de éxitos más grandes, sobre todo para los Jackson 5 y Michael Jackson.

Debido a la política de Motown de reejecuciones de pistas en singles de forma regular, hay algunas anomalías en la inclusión de pistas. "¿Qué se convierte en el corazón roto" de Jimmy Ruffin Está incluido tanto en el Volumen 1 como en el Volumen 9, ya que fue un éxito en el Reino Unido dos veces.

El éxito de Mary Wells "My Guy" aparece en el volumen 7, lanzado en 1972, después de que hubiera sido un éxito de reedición sustancial, a pesar de haber sido lanzado por primera vez en 1964 y de manera similar "Baby Love" está incluido en el volumen 9, ya que había sido reeditado en 1974, diez años después de que llegara por primera vez en el Reino Unido para The Supremes 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Si no hubiera sido por dos hombres, la música reggae nunca habría salido de Jamaica. A Chris Blackwell, el propietario de Island Records, le encantaba el reggae, pero creía que esta música rebelde necesitaba un líder y que ese hombre era Bob Marley. Un joven jamaiquino cuyos primeros años en los Estados Unidos lo sintonizaron con la música soul, Marley era un rastafari en una misión por la justicia social y la santidad de la marihuana.


Los Wailers se referían originalmente al trío vocal de Marley, Peter Tosh y Bunny Livingston. A ellos se unieron el teclista Earl 'Wire' Lindo y los hermanos Barrett: el bajista Aston 'Family Man' y el baterista Carlton, una de las mejores secciones rítmicas de la historia. Mucho del reggae depende del bajo y Family Man escribió el manual. "The Wailers era el mejor grupo vocal y el grupo I era la mejor pequeña banda de acompañamiento en ese momento", recordó Family Man. "Así que decimos: "¿Por qué no nos unimos y destrozamos el mundo?" 

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lunes, 24 de octubre de 2022

1966’s # 1 USA ALBUM

Se han escrito muchas narrativas sobre la música de los años 60, y la mayoría de ellas no incluyen música lounge y fácil de escuchar. Herb Alpert & the Tijuana Brass hicieron mucha música lounge y fácil de escuchar, y terminaron siendo el segundo álbum más vendido de los años 60, solo superado después de los Beatles. Incluso lograron incluir tres álbumes en la lista de álbumes de todos los tiempos de Billboard, siendo este el último de ellos. El asombroso éxito de estos chicos a mediados de los 60 es realmente más interesante que la música en sí, porque, quiero decir, no hay mucho aquí.


Al igual que mucha música de Alpert, este álbum funciona como una aproximación de la música lounge y mexicana a través de la lente del pop de los años 60, y en ese sentido, hace su trabajo. Todos los músicos de aquí son profesionales, incluido Alpert en su trompeta, y mantienen las cosas vivas sin llamar demasiado la atención. Si estuvieras organizando una cena o algo así en los años 60, y necesitaras algo agradable y discreto, y supongo que vagamente exótico, para poner en segundo plano, este álbum valdría.

Sin embargo, aparte de eso, no estoy muy seguro de lo que haría con esto en cualquier otro contexto. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Twentysomething es una pepita bastante guay en el mundo del jazz moderno. Jamie Cullum es un excelente cantante de jazz británico que definitivamente tiene lo que se necesita para ser una leyenda.


El álbum está lleno de material original, así como de una gran cantidad de clásicos de jazz y rock, todo hecho en arreglos de jazz. Del material original, las pistas destacadas incluyen "Twentysomething" y "All at Sea". Las opciones de portada son interesantes, si no sobresalientes, y cuentan con muchas canciones que generalmente no esperarías ver en un álbum de jazz. Además de cosas más tradicionales como "Singin' in the Rain" o "I Get a Kick Out of You" de Cole Porter, también obtienes cosas como "Wind Cries Mary" de Jimi Hendrix, "Love, You Should've Come Over" de Jeff Buckley y "High and Dry" de Radiohead. Si bien puede sonar como una herejía tomar algunos de estos clásicos del rock y ponerlos en arreglos de jazz, en realidad funciona muy bien y es ayudado por la gran entrega de Cullum.


En general, si te gustan los cantantes de jazz y disfrutas de una buena musicalidad, este disco debería estar en tu discoteca. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

La pieza central de la obra maestra de Kraftwerk, "Trans-Europe Express", fue la canción principal de un álbum cuya influencia es simplemente incalculable. Incluso antes de considerar que era el material de origen de una de las pistas de hip-hop más fundamentales de todos los tiempos, "Planet Rock" de Afrika Bambaataa, "Trans-Europe Express" es una grabación colosalmente importante.


Lanzado como sencillo avanzado, "Trans-Europe Express" fue la canción más concisa y orientada al pop en la carrera de Kraftwerk hasta la fecha. Sus ganchos musicales, ritmo contagioso y voces separadas, con referencias a Iggy Pop y David Bowie, establecerían instantáneamente una nueva plantilla para la música pop accesible y electrónica.


En el álbum, "T.E.E." se amplió a una duración de casi catorce minutos; una suite virtual que abarcaba dos pistas contiguas en "Metal on Metal" y "Abzug". Fue aquí donde el efecto hipnótico y rítmico de la canción alcanzó su pleno rendimiento; sus muchas repeticiones sugieren la fusión de lo humano y lo mecánico que no solo fue el foco de gran parte de las letras de Kraftwerk, sino también la esencia misma de su forma de arte.


Como una sola pieza de seis minutos, "Trans-Europe Express" era un punto de referencia dentro de un punto de referencia, dentro de otro punto de referencia. Junto con las otras canciones de Trans-Europe Express, sugirió un desafío audaz pero acogedor para el futuro de la música popular; un futuro que era difícil de imaginar sin la influencia de este grupo absolutamente pionero. 

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domingo, 23 de octubre de 2022

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

“Hasta la edición de 3 + 3 en 1973, la gente veía a los Isley Brothers como una formación en la onda de The Drifters o The Moonglows, es decir, como un grupo de negros sonrientes embutidos en elegantes trajes de angora. El público adoraba sus hits. De hecho, consiguieron un éxito con «Shout», un trallazo de R&B influenciado por el gospel, y hasta los Beatles hicieron una versión de su «Twist And Shout». De todos modos, el material que los Isley grabaron para Motown fue de una inconsistencia frustrante.

3 + 3 fue el renacer del grupo, comenzando por la portada. La fotografía de Don Hustein mostraba a los cinco hermanos junto a su primo Chris Jasper. Todos parecían muy seguros de sr mismos y calzaban atuendos espectaculares. Los Isley eran originalmente un trío, de ahí el título del álbum, que se refiere la incorporación de las nuevas generaciones al grupo.


El disco era la prueba de que la banda podía tocar y cantar con tanta pasión y sonar tan pop como cualesquiera de los grandes.

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sábado, 22 de octubre de 2022

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA


“Innervisions completó una trilogía que dio comienzo en 1972 con Music Of My Mind y en la que se aprecian los destellos finales de la explosión creativa que siguió a la renegociación del contrato de Wonder con la Motown. Editado apenas siete meses después de Talking Book, Innervisions no era ningún último cartucho. Tal y como sugiere la portada que pintó Efram Wolf, se trataba de su disco más ambicioso, inabarcable y profético.


Antes de editar el álbum, Wonder metió en un autobús a varios periodistas con los ojos vendados y se los llevó de paseo por Nueva York, para que experimentaran la vida urbana tal y como él lo hacía. Después, les hizo escuchar el disco también a ciegas. Cabe preguntarse qué debieron sentir al oír «Living For The City», un thriller épico, sazonado con diálogos y efectos, que hablaba del descenso de un ingenuo chico de pueblo al mundo del crimen en una Gran Manzana podrida. La denuncia fue el combustible del disco: la melancolía de «Visions», las descargas funkies de «Higher Ground» (maltratada años después[…]” 

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viernes, 21 de octubre de 2022

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

El extenso álbum doble de Elton John es típico de la época. Se consideró genial tener un álbum doble, porque te convirtió en un artista "serio". La mayoría de los intentos fueron ejercicios en exceso y GYBR no es una excepción. Como "The White Album", "Exile On Main Street", "Physical Graffiti", "Tusk", etc., habría sido un gran álbum y medio. Hay suficiente relleno para que sea una tarea escuchar hasta el final de una sola vez. Dicho esto, las primeras cuatro pistas son clásicas certificadas y las buenas pistas están muy bien hechas. El instrumental de apertura, "Funeral for a Friend" muestra que EJ podría escribir rock progresivo, así como lo mejor de ellos, y simplemente se llena de una energía y convicción que deberían silenciar a aquellos que lo descartan como un cantante de pop ligero. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

¡CUIDADO! Para un oyente que está acostumbrado a escuchar rock/pop, esto suena como música country estándar de Nashville de los años 70, bueno, sí, sin el pulido cursi, pero no incorpora rock, folk o blues como Gram Parsons, por ejemplo.

Teniendo en cuenta eso y la aceptación del oyente, este es un álbum country agradable. Sin embargo, es obvio que el country alternativo no lo adoptó demasiado, porque esto es rebelde solo desde un punto de vista muy conservador. El estilo vocal de Waylon, que es un canto presionado, solo se suma a la impresión general de que estamos tratando con alguien que no rompe ninguna barrera del género country. En pocas palabras: si no te gusta el country, esto no te gustará. 

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jueves, 20 de octubre de 2022

DIRECTISIMO 58

Momentos mágicos en la historia: Jean-Michel Jarre había sido emitido en la radio china como el primer artista occidental o incluso extranjero al menos desde la Revolución Cultural y pasó valientemente a actuar en vivo en China. Esto ocurrió a finales de octubre de 1981, primero en Pekín y luego en Shanghái. Hubo algunos problemas inesperados, por supuesto (por ejemplo, la mayoría de la audiencia en el primer concierto de Beijing se fue antes del final porque el transporte público iba a parar a las 10 pm), pero en general la operación fue un éxito y escuchando el final del magnífico "Magnetic Fields II" (definitivamente una versión mejor que en el álbum de estudio) se puede escuchar que el

The Concerts in China es un impresionante paquete de música electrónica. Contiene algunos momentos aburridos ("Equinoxe VII", "Noche en Shanghai"), pero también mucho material genial ("Orient Express", "Magnetic Fields IV", "The Last Rumba", el mencionado "Magnetic Fields II") y de otro modo interesante ("Fishing Junks at Sunset"). De una manera sorprendente, The Concerts in China es uno de los álbumes que cambiaron el mundo, aunque no fue este álbum real, sino los acontecimientos que está documentando 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Mott the Hoople fueron una de las bandas más infravaloradas de los 70. Las obsesiones de su líder, Ian Hunter, se filtraron en canciones emparedadas entre Bob Dylan y un glam rock barato que las hacía deliciosamente guarras. Como ejemplo imperecedero tenemos este clásico, el sexto trabajo del grupo, obra capital y lustrosa en cualquier discoteca exquisita.


"Mott" se alimenta de lo comentado arriba. Guitarras sucias espolvoreadas de brillantina y un estilo vocal emparentado a ratos con el Dylan más desagradable dan como resultado un rock melódico pero feísta, atmosférico pero directo y crudo. Este disco es espectacular de cabo a rabo. Tiene tanto a lo que engancharse que es un auténtico festín. Es proto-punk y proto-heavy, el germen de tantas cosas... Marc Bolan debió quedarse henchido de orgullo y verde de envidia. Seguro. 

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miércoles, 19 de octubre de 2022

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Como George Benson, Ramsey Lewis tenía un indudable talento para el jazz que fue al menos parcialmente eclipsado por el enorme éxito comercial que conquistó a lo largo de su larga carrera. A menudo subestimado por los críticos, el hábil piano de Lewis se caracterizó por un toque suave y a menudo repetitivo, que recuerda sus raíces gospel.

Wade in the Water (1965), el disco que contenía The in Crowd fue un clamoroso éxito de público y de ventas, y desde entonces la mayoría de su producción no estaría dirigida a una audiencia de jazz, sino de funk y de pop.

De todas maneras  aquí tiene un puente para que te sumes a la larga lista de fans.

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AYER VÍ 2

La voz de Jeff me sorprendió, trabaja las canciones como si le pertenecieran, y la interpretación de Townes de "If I Needed You", me trajo lágrimas a los ojos, sonando tan fresca y limpia, dejándome preguntarme por qué necesitaba salir del planeta; nunca lo hemos necesitado más de lo que lo hacemos ahora. Ryan Bingham nunca ha sonado más anhelante y lleno de deseos solitarios, mientras que Colin Farrell te hará buscar su música si aún no la conoces. Hay un par de sorpresas ingeniosas que hicieron que algunos pliegues conocedores se levantaran de mi frente, pero te las dejaré para que las descubras. Todo ha sido elegido con extremo cuidado por su efecto y su capacidad para mover la música a través de la película... de todos modos, esto es algo para que te lo lleves a casa y lo recuerdes después de que todas las imágenes se hayan desvanecido, y la historia es solo un recuerdo perdido en el tiempo. 

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martes, 18 de octubre de 2022

1969’s # 1 UK ALBUM

Podrán decir que en el disco Truth, Jeff Beck forjó el sonido que Led Zeppelin asumió como propio un año después. 

Tampoco podemos olvidarnos de la obra maestra de Jimi Hendrix; su impresionante Are You Experienced que movió todas las bases y las estructuras con un sismo musical de magnitudes Richterianas. 

Podemos recordar todas las influencias bluseras, el uso de covers de artistas lejanos, la posibilidad de alguna que otra discusión acerca de que tan parecidos suenen sus temas a otros previos.

Podemos poner todos los peros que queramos, pero lo que no me cabe ninguna duda es que estamos ante la presencia de una obra maestra. 

La potencia musical, la fuerza, la densidad y el ritmo de estos 4 muchachos es impresionante, logrando por primera vez para esa época un disco tremendamente pesado y a la vez totalmente disfrutable.

El disco no decae nunca, ni siquiera en una canción que puede ser tan amada como criticada como Moby Dick, ya que el solo de batería que realiza Bonham combina perfectamente con el resto del disco.

Y ni hablar del bajo de Jones que en canciones como The Lemon Song o Ramble On es tremendo.

Fantástica por otra parte la mezcla de momentos intimistas con explosiones en donde la banda te puede hacer pasar por ambos estados dentro de un mismo tema como en What Is And What Should Never Be o Ramble On. 

Ni hablemos de Heartbreaker, Whole Lotta Love o Living Loving Maid... son clásicos eternos.

Un disco esencial a partir del cual todo cambió en el sentido de lo que entendemos como Hard Rock. Una aplanadora que cautivó a millones de oyentes y lo sigue haciendo 50 años después. No es poca cosa. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Comenzando su carrera a finales de los años cincuenta como escritor/pianista de jazz y, finalmente, ganando múltiples premios y elogios por su trabajo, Ramsey Lewis se convirtió en un pianista icónico y compositor innovador. Un trabajador tan prolífico, Lewis lanzó alrededor de 2 álbumes al año a lo largo de los años sesenta y hasta principios de los setenta, donde la música de jazz y sus tradiciones estaban siendo probadas y sus límites fueron empujados por artistas como Miles Davis y Herbie Hancock al reino de Jazz/Funk Fusion. Además, vemos aquí en este disco un ejemplo temprano de sonidos disco que se convertirían en un fenómeno mundial a finales de los años setenta. 

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lunes, 17 de octubre de 2022

1966’s # 1 USA ALBUM



If You Can Believe Your Eyes And Ears es un claro ejemplo de un álbum en el que las canciones más conocidas, en este caso “Monday Monday” y “California Dreamin’” no son necesariamente las más destacadas, aunque ésta última compite con el rock de “Staright Shooter” y “Got A Feelin’” por el primer lugar. Los arreglos en “Do You Wanna Dance” y “I Call Your Name” son bastante originales y al menos hay una intención por hacer algo diferente con un cover, pero da la impresión de que todo pudo haber sido mejor sólo con composiciones de John Phillips. Las clásicas armonías del cuarteto ya están en perfecto orden en su debut y si a eso le sumamos las también irresistibles melodías y un inspirado conjunto de canciones, éste es el álbum del grupo a conseguir fuera de las recopilaciones, a pesar de decaer ostensiblemente hacia el final con lo“Hey Girl” y “The In Crowd”. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Encontré este disco usado a mediados de los 80 y no coincidía en absoluto con lo que esperaba (canciones de OMD Pop). En las escuchas repetidas, empecé a disfrutarlo cada vez más. "Dazzle Ships" de Orchestral Manoeuvres in the Dark es uno de los discos de New Wave/Synth Pop más emocionantes que he escuchado. El tema: los Dazzle Ships de la Segunda Guerra Mundial y la era o la radio son súper geniales. La naturaleza experimental del disco con muestras grabadas de teléfono, telégrafo y radio combinadas con el dominio de Orchestral Manoeuvres in the Dark de los ganchos de sintetizador y pop hace de este un disco muy especial. La canción "Radio Waves" es el hermano de una madre diferente a "Airwaves" y "Radio Silence" de Thomas Dolby (ambos en "Golden Age of Wireless"). 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Encontré este disco usado a mediados de los 80 y no coincidía en absoluto con lo que esperaba (canciones de OMD Pop). En las escuchas repetidas, empecé a disfrutarlo cada vez más. "Dazzle Ships" de Orchestral Manoeuvres in the Dark es uno de los discos de New Wave/Synth Pop más emocionantes que he escuchado. El tema: los Dazzle Ships de la Segunda Guerra Mundial y la era o la radio son súper geniales. La naturaleza experimental del disco con muestras grabadas de teléfono, telégrafo y radio combinadas con el dominio de Orchestral Manoeuvres in the Dark de los ganchos de sintetizador y pop hace de este un disco muy especial. La canción "Radio Waves" es el hermano de una madre diferente a "Airwaves" y "Radio Silence" de Thomas Dolby (ambos en "Golden Age of Wireless"). 

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domingo, 16 de octubre de 2022

SALÓN DE LA FAMA 29(2014) Quincenal

 


Antonio Martínez y José Sanchez


La ceremonia de admitidos al Salón de la Fama del Rock and Roll de 2014 estuvo llena de momentos surrealistas (Cat Stevens en el escenario con KISS), tomas de marihuana en la organización anfitriona, recuerdos lacrimógenos de los miembros de la banda pasados y, por supuesto, mucho rock and roll.


La clase del Salón de la Fama de 2014 incluía a Nirvana, Peter Gabriel, a los gerentes Brian Epstein y Andrew Loog Oldham, la llamada "chica con la voz dorada" Linda Ronstadt y el cantante y compositor Cat Stevens. También se indujeron Hall y Oates, KISS y la banda de E Street, todos celebrando 40 años de hacer música.

Cat Stevens, Daryl Hall, John Oates, Nirvana, KISS, Linda Ronstadt y Peter Gabriel son al final los admitidos al salón de la fama de rock en una ceremonia en Brooklyn, Nueva York.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DIA

Entre la desilusión del agotado sueño hippy y la crítica a la clase política americana surgió este disco, claro reflejo de una época difícil. Y es que el funk nunca sonó tan denso y oscuro: bajos martilleantes, letras pesimistas y polémicas ("Family Affair" va sobre el incesto), guitarras del Hendrix más negro... Un disco roto que se convierte en enorme por derecho.

La polémica estaba servida desde la portada. Soles en lugar de estrellas sobre fondo negro en lugar de azul retan al patriota de pacotilla a repensarse sus amores incondicionales por un país con muchas sombras entre sus luces . Con ella y una simbología algo rebuscada, todo sea dicho, Sly Stone ponía las cartas sobre la mesa de lo que iba a ser un disco de profunda negrura. Su adicción a las drogas, en su punto álgido, colaboró en todo este aire ominoso y así las canciones le salieron como le salieron. Llenas de graves, lentas como nunca y con un sonido turbio auspiciado por el toque sintético que les daba una caja de ritmos y el hecho de que las voces estuvieran enterradas en la mezcla. 

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sábado, 15 de octubre de 2022

SUREÑOS DEL NORTE AL SUR 110

Memphis, Tennessee: Stax Records, éxito tras éxito hasta convertir un sonido en una leyenda

Cuando Satellite Records, en Memphis, cambió su nombre a Stax en 1960, sus fundadores nunca pensaron la fama que traería el nuevo nombre. Con el paso de los años, el sello "acumuló" artistas que usaban un ritmo característico y lanzaban un éxito tras otro hasta triunfar en el mundo de la música. Otis Redding, conocido por la canción "(Sittin' On) The Dock of the Bay", y Wilson Pickett, de "In The Midnight Hour", fueron algunos de los músicos que llegaron a lo más alto a través de melodías lentas conmovedoras, ritmos seductores, trompetas gloriosas y voces potentes. A comienzos de la década de 1970, Stax Records estableció un nuevo sonido en Memphis de la mano de la música soul con influencia funk de Isaac Hayes, Staple Singers y Albert King.

Puedes experimentar la historia en el Stax Museum of American Soul (Museo Stax del Soul Estadounidense), en el vecindario de Memphis donde operaba el sello discográfico. El museo cuenta con una réplica del estudio con instrumentos originales, una pared repleta de discos exitosos y el Cadillac Eldorado de color plata y oro de Hayes.

Si quieres disfrutar de música en vivo, visita el B.B. King's Blues Club, que cuenta con artistas como la banda de ocho miembros King Beez y Blind Mississippi Morris, uno de los mejores armonicistas del mundo. En el festival Soulsville USA Festival, que se realiza cada octubre, disfruta de cientos de músicos mientras se presentan en el espectáculo de tres escenarios. Algunos elementos que forman parte de la experiencia son el arte, el step dance, la gastronomía y los recorridos por el Stax Museum. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Puede que pase a la historia como el robo más crucial en la música pop. En 2003, los punks de Berkeley, California Green Day, cortaron lo que iba a ser su séptimo álbum, pero justo después de terminar de rastrear las 20 canciones para un lanzamiento titulado Cigarettes and Valentines, las cintas maestras fueron robadas.

American Idiot es una gran y extensa sección transversal de rebelión y comentarios sociales, patetismo y saqueo, que llama a los Who en su álbum conceptual en su mejor momento y a los Ramones en su punto más contundente. Fue una  disco bestial, con 13 canciones, dos de las cuales tenían cinco movimientos distintos cada una, que duraban casi una hora. Y fueron las cualidades que una vez habrían sido anatema para la banda, como la grandeza y la ambición temática, las que la anudaron e hicieron que las canciones pasaran de personajes ficticios a atrapar el sentir de la época. 

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viernes, 14 de octubre de 2022

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Este álbum presenta las letras clásicas, sexys, psicodélicas y angustiadas de Turner, pero musicalmente es probablemente su trabajo menos interesante. Como álbum pop-punk con mucha menos guitarra que su sonido habitual, muy simple, generalmente más lento, batería y un buen trabajo de sintetizador, se inclina mucho más al pop que al punk. Irónicamente, este álbum es la introducción de la mayoría de la gente a los monos árticos, y si intentas que un amigo sumerjas los dedos de los pies en el punk, este es bueno para recomendar 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

El álbum realmente no lo hizo por mí. Dicho esto, nunca he escuchado nada igual. Creo que la banda estaba por la variedad en este, pero honestamente, fue confuso. Algunos de los mejores aspectos del disco son las transiciones geniales de los diferentes DJ de radio, que fue una toma única e inteligente para mostrar las canciones y crear bombo dentro del álbum. Además, el álbum suena increíblemente nítido. No estoy seguro de dónde se grabó, pero la calidad del sonido es fantástica. Realmente asalta los sentidos (tal vez hasta el punto de que no es agradable, pero sigue siendo genial) Las únicas canciones que realmente recuerdo y la primera y la última, así que supongo que eso te muestra qué tipo de álbum es... 

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jueves, 13 de octubre de 2022

DIRECTISIMO 57

Para este fanático de Mink de Ville/Willy de Ville desde hace mucho tiempo, esto es muy decepcionante.


Iría tan lejos como para decir que mi actuación favorita en vivo fue Mink De Ville en Cleveland alrededor de marzo de 1984. Un club pequeño y una actuación realmente excelente, apoyando su entonces nuevo álbum Where Angels Fear To Tread...


¿Pero este álbum? Willy está tratando de ser un vocalista de blues y NO es una escucha agradable. Ninguno de los materiales se parece a sus obras maestras teñidas de latín de finales de los 70 y principios de los 80. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Curiosamente, este álbum sin pretensiones de estándares ligeramente contabilizados es el álbum más vendido de Willie Nelson. Vendió unos asombrosos cinco millones de copias y estuvo en la lista de álbumes country de Billboard durante diez años consecutivos en un momento dado. Mientras que la producción de Booker T.Jones es bastante justa, Willie Nelson da tiernas lecturas de estas viejas castañas. Y tocar la guitarra es excelente como siempre. Los aspectos más destacados incluyen "Georgia on My Mind", "Blue Skies", "Someone to Watch Over Me" y "September Song". Forajido Willie, esto no lo es. Y a pesar de carecer de esa ventaja subcultural que hizo que sus discos de mediados de la década de 1970 fuera tan grandes, Stardust es Willie Nelson en su mejor momento para complacer a la multitud. 

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miércoles, 12 de octubre de 2022

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Podría haber llegado con la misma facilidad a English Oceans de 2014 este álbum , pero el primer tema "Ramon Casiano" no es solo una de las mejores canciones de rock escritas por cualquiera en esta década, sino que también debería recordarse en los libros de historia como una de las pocas piezas de música que describe adecuadamente el clima político. Lo que me molestó de la música lanzada a finales de 2016 y a lo largo de 2017 no fue el exceso de calidad, eso también, obviamente, sino que tantos artistas estadounidenses simplemente dieron la punta en lugar de abordar el problema.

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CLÁSICOS DEL ROCK 117

Lanzado por Paul McCartney Badfinger fue una maldita banda que se convirtió en una tragedia cuando Pethe Ham y Tom Evans se suicidaron sucesivamente.

Su álbum debut es solo un buen comienzo. Algunas canciones son pegadizas y otras son más o menos rellenos, pero ninguna de ellas es mala.

"Come and Get it" es una composición de Paul McCartney; alcanzó el número 4 en el Reino Unido.

"Crimson Ship" también es bueno con un buen riff de guitarra eléctrica que comenta cada frase cantada. "Fisherman" es una bonita pieza acústica.


La voz de Wilson es rica y cálida como el suelo del Delta, y es menos ostecible aquí que en los álbumes anteriores, tratando de impresionar menos, pero la impresión general es de música pop muy pulida. Por lo general, está respaldada por un par de guitarras, un bajo y algo de percusión. Todo es de muy buen gusto, pero me cuesta encontrarlo interesante: ella no hace lo que hacen los mejores cantantes de jazz, no reinventa, reimagina o replantea las canciones. Y como música pop, son muy educados, pero los buenos modales no son necesariamente lo que queremos de la música pop. Mis canciones favoritas son Darkness On the Delta, donde está acompañada solo por el piano de Boogaloo Ames, y You Gotta Move, donde es ella, una guitarra y un par de coros.


El álbum también tiene sus momentos más tranquilos: la Amatuer Hour más lenta y sincera muestra un lado más lamentable y emocional del canto de Jackson que es bastante impactante. La producción de David Kershenbaum abraza firmemente al bajista de Jackson, Graham Maby, - en algunas pistas se siente como si Maby estuviera tocando "bajo de plomo", y está igual de bien porque Maby es un excelente musico con su interpretación melódica que se las arregla para destacar.


Bridges protagonizó la película Crazy Heart en 2009, donde interpretó a un cantante de música country caído. En la banda sonora de la película, Bridges cantó cinco de las dieciséis canciones. En 2011, firmó con el sello de música de jazz Blue Note Records, donde anunciaron que Bridges grabaría y lanzaría su álbum debut a finales de ese año.

El 23 de mayo de 2011, se lanzó la lista oficial de canciones y otra información sobre el álbum. 3] Ryan Bingham, Rosanne Cash, Sam Phillips y Benji Hughes aparecen como vocalistas invitados en el álbum.

La canción de apertura, "What a Little Bit of Love Can Do", fue lanzada como el primer sencillo el 15 de agosto de 2011.


Una recopilación de películas de Ry Cooder, que destaca su interés por las formas musicales americanas tanto como crea atmósfera y enriquece las películas que ha anotado. En algún momento de principios de los 80, Cooder decidió abstenerse de los álbumes en solitario y centrarse en el trabajo cinematográfico, se demostró que era una buena decisión. Ciertamente uno de un artista sensible con una buena conciencia de sí mismo.

Gran musicalidad en todo momento con contribuciones de Jim keltner, Jim dickonson, Van dyke parks, entre otros.


Es imposible para mí revisar objetivamente este disco, ya que lo he tocado tanto que cada nota no solo se memoriza, sino que es parte de mi propio ser en un sentido musical. "Stranger in a Strange Land" es la mejor canción de este, el mejor disco de Leon Russell. Ve al último minuto de esa canción y empieza por ahí. Si el estilo Gospel de León te ayuda y las llamadas se aferran, entonces eres un posible adicto a Leon Russell y al Shelter People. Si no te mueve, entonces veo pocas razones por las que te encantaría el disco. Si da el paso, estás a punto de escuchar algunos de los mejores pianos tocando (y tambores con bateristas estelares como Jim Keltner, Jim Gordon, Roger Hawkins y Chuck Blackwell turnándose detrás .

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martes, 11 de octubre de 2022

1969’s # 1 UK ALBUM

Disco completo. Posiblemente el mejor de la historia, con unos Beatles en pleno apogeo, a punto de la decadencia, con canciones para todos los gustos, imponiendo nuevo estilo, mejorando instrumentalemnte, revolucionando la tecnica de grabación, imponiendo ideas, involucrandose en sus letras, tocando todos los estilos que controlan, en fin, posiblemente estaría contando y contando mientras escucho el final del "I want You" que me marcó por el resto de mi vida. Si ese corte puede ser post-rock!!!

Una recomendacion: Escuchad las ultimas canciones seguidas del album (es realmente sublime y hoy en dia estarían como hit parades seguro.

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AYER VÍ 1 (Quincenal)

Nueva York, invierno del año 1990. Jonathan Trager (John Cusack) y Sara Thomas (Kate Beckinsale) son dos extraños comprometidos con sus parejas que se sienten atraídos en un encuentro casual.

Puestos en manos del destino, ambos vivirán mundos distintos hasta un nuevo encuentro pasados los años.

Una vez más, un tema recurrente en la comedia romántica norteamericana de los últimos años: dos personas, dos medias naranjas, que ansían encontrarse, con el azar y el destino como compañeros de reparto, y con la ciudad que nunca duerme como escenario ya habitual. Un planteamiento nada original sobre el papel, aunque una vez vista se aprecian ciertos rasgos propios.

Dirigida acertadamente en esta ocasión por el irregular Peter Chelsom, la película se sustenta gracias a su ritmo, los giros en el rumbo de la historia (quizá demasiados, no obstante), y al carisma de su pareja protagonista, con un John Cusack en un papel, una vez más, a su medida. Obviamente, el espectador debe asumir ciertos axiomas o licencias argumentales en relación al azar y a la ley de la probabilidad para poder disfrutar de esta agradable película, que intenta crear un ambiente entre mágico e irreal, un submundo en el que ciertas cosas son posibles, como que al cabo de los años vuelva a nuestras manos un billete en el que anotamos un número de teléfono.

No en vano la trama se desarrolla en Navidad, dándole así el entorno perfecto para un cuento, lo que en definitiva es Serendipity, un entretenido cuento para adultos. Si bien como película se queda en aceptable, cierto es que posee cierto encanto, de ese que consigue que para algunos espectadores sea algo especial.

Una curiosidad: Fue rodada antes del desastre del 11-S, pero estrenada después, por lo que se decidió borrar digitalmente las torres gemelas del skyline neoyorquino.

FUENTE(Fichas en AlohaCriticón) 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Su caracteristica voz de lija, que algunos encuentran excesivamente impostada, destila sabor a honky tonk sureño ya desde el descomunal "Stranger In A Stran-ge Land", con ese aire góspel que impregna todo el álbum.

Una vez más, la marca de la casa es ese piano sincopado, omnipresente, como las poderosas coristas femeninas, en canciones adhesivas como "Alcatraz", "The Ballad Of Mad Dogs And English-men" y "She Smiles Like A Ri-ver", aunque lo mejor del disco hay que buscarlo en dos memorables revisiones de Dylan ("it Takes A Lot To Laugh, It Takes Train To Cry" y "t's A Hard RainGonna Fall") y en las excitantes"Of Thee I sing" y "Crystal Closet Queen", puro rock'n'roll negro dedicado a Little Richard. 

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lunes, 10 de octubre de 2022

1966’s #1 USA ALBUM

Es difícil calificar este álbum, ya que es bastante único y está vinculado al período de tiempo en el que fue lanzado.


Sadler sirvió en Vietnam como boina verde en una unidad especial. Al regresar a los EE. UU., escuchó muchas charlas y música contra la guerra y el Vietnam. Queriendo dar una visión diferente, escribió "The Ballad Of The Green Berets", una palabra hablada "canción" con música de fondo. Fue un gran éxito en ese momento, pero ha recibido poca emisión desde entonces. El resto del álbum es solo un relleno con poco para recomendarlo. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS



Cuando pienso en "suave", Barry es probablemente el primer vocalista que me viene a la mente. Tiene una de las voces más sedosas que he escuchado, aunque en realidad no había oído mucho de él 😉🤣antes de este álbum (aparte de lo obvio "Can't Get Enough"). Sus introducciones habladas son algo que no muchos artistas pueden lograr (Isaac Hayes es una excepción), pero Barry lo hace con facilidad. La guitarra, el teclado y las cuerdas giran alrededor de cada canción (junto con las vocales femeninas ocasionales), creando un cojín auditivo sobre el que Barry canta seductoramente, cosas buenas y relajantes. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Un hito atmosférico, con el tobogán de Ry Cooder invocando visiones del desierto, ambrosía atrapada en el viento y Harry Dean Stanton a la deriva de la nada para encender imágenes a cámara lenta de Wim Wenders. Un concierto de cantina y un blues de Blind Willie Johnson, Dark Was The Night, encajan en la partitura, que por lo demás es reproducida prácticamente en modo solo por Cooder, aunque Jim Dickinson y David Lindley proporcionan un apoyo minimalista. Un sonido que lanzó un millón de imitadores. 

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domingo, 9 de octubre de 2022

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS 73

El primer disco de Pretenders es una de esas revelaciones que suceden muy de vez en cuando. Apenas un puñado de veces en toda una vida. Uno de esos discos generacionales que marcan a toda una caterva de adolescentes. A mí me ha llegado tarde pero no importa. Estoy acostumbrado ya. Simplemente me deleito en su escucha, la más placentera de los últimos meses. La casualidad lo puso en mi camino en un mercadillo de vinilos de segunda mano y por eso no sé a quién tengo que agradecérselo. ¿Azar, destino?

"Pretenders" huele a clásico desde que empieza a girar. Carpeta sencilla, sin ambages. Demasiado, quizá. Galletas de vinilo en blanco y en negro, como el yin y el yang, como todo lo que importa en esta vida.


Abandonando la mayor parte del estado de ánimo y la ambición de los dos primeros álbumes, Walsh intenta armar un disco de puro rock'n'roll, y esto es lo que más le conviene. "Welcome to the Club", "Time Out", "Turn to Stone", así como la balada "Falling Down", son algunos de los momentos más convincentes de su carrera en solitario. Junto con "But Seriously Folks", este es el verdadero clásico de Joe Walsh.

Aunque no es uno de sus mejores álbumes, incluye tres de sus mejores canciones. "Turn To Stone", "Welcome To The Club" y "Time Out". Solo esas 3 canciones lo convierten en un muy buen álbum.


Jimmy Smith sabía cómo hacer un sonido de órgano bluesy y conmovedor, aunque los arreglos de este disco son obviamente jazz. La fusión de estos tres estilos hace de este álbum un ejemplo para todos los álbumes de jazz soul funky posteriores. El álbum es completamente instrumental, pero deja que el órgano cante para él y, por lo tanto, influye en muchos artistas de los años 60 y 70, especialmente Booker T. Y Los MG.


Uno de los álbumes de soul más relajados que he escuchado hasta ahora. No hay nada realmente psicodélico aquí, pero la atmósfera que crea este álbum es relajada de una manera que generalmente escucho en álbumes de pop psicológico contemporáneos más "de cabeza genial". El órgano y los metales son lo que realmente le da a este álbum su etiqueta de soul, de lo contrario pensaría en esto más como cosas de cantante y compositor ligeramente indie y con tinte country. El álbum está relajado y de humor relativamente ligero, con un toque de contemplación mezclado. La voz de Frazey es lo suficientemente agradable, al igual que los instrumentales.


Audiomachine produce principalmente música para tráileres de películas y anuncios, pero recientemente su música también ha aparecido en el programa oficial de los Juegos Olímpicos de 2010, 2012 y 2014 etiquetado como Epic Music.

Muchas de las pistas de Audiomachine han aparecido en tráileres de películas teatrales, incluidos los de las películas de Avatar, Las Crónicas de Narnia, Iron Man, Venom, Avengers: Endgame, Dune y otros.

Originalmente, Audiomachine lanzó álbumes solo para el uso profesional de la industria cinematográfica, pero desde 2012 también ha lanzado álbumes y compilaciones seleccionados para el público en general. Los álbumes lanzados por la industria incluyen Deus Ex Machina, Phenomena, Origins, Leviathan, Awakenings, Millennium y Monolith.


Mi reacción inicial es comparar esto con mi querido Steely Dan. También podría comparar esto con Nick Cave o Frank Zappa, pero sigamos con una comparación por ahora. Ambos tienen una producción bastante buena. Intrincado y exuberante sin ser abrumador. Ya sabes... bien hecho. Todavía suena bien hoy. Casi demasiado suave. Y las letras son bastante específicas, sardónicas y casi divertidas. No me importa.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Dejando a un lado las comparaciones obvias, el álbum homónimo de Jeff de 2011 no deja a nadie indiferente.

La producción es sólida, mientras que las canciones, aunque apenas revolucionarias, le dan a Jeff la oportunidad de ejercitar sus talentos menos conocidos. Nada es especialmente memorable aquí, que es probablemente la razón por la que (con el debido respeto a Jeff) debería poner la pantalla grande primero; dicho esto, "Falling Short" no sonaría fuera de lugar en el cancionero de Jeff Tweedy, con Jeff sonando mucho como Brian Wilson de 1971 apareciendo como un viajero en el tiempo . 

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