50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Balls to the Wall es definitivamente el Magnum Opus de Accept. Es un asalto verdaderamente brutal de imponente pesadez de metal para su día. Y si no estabas por aquí en 1983, realmente no vas a ser capaz de entender realmente cuánto ha cambiado y evolucionado el Heavy Metal en las últimas tres décadas. 1983 fue un año decisivo para el Heavy Metal, y Accept estaba a la vanguardia. Este álbum es aplastante para su época. La canción "Balls To The Wall" ha seguido siendo un himno de metal desde entonces hasta ahora, y seguirá siendo así hasta el infinito. Esta es una piedra angular del género. Un plan de cómo se debe hacer el metal tradicional. Las ardientes guitarras de Wolf Hoffmann y las Thunderous gravelly Vocals de Udo Dirkschneider son de lo que se trata el Metal. Y si hay alguna duda sobre el dominio de Accept de la musicalidad y la composición de canciones, solo escucha la balada "Winter Dreams". Es tan impresionante como la canción principal. Balls to the Wall es uno de los mejores álbumes de metal de la época. Confía en ello. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Lo escuche en su momento y me gusto mucho. Al re-escucharlo ahora aún me gusta más. 

Colateralmente, gracias a este grupo por enseñar que se pueden hacer discos transcendentes e innovadores (sí en serio) dentro del pop en 10 canciones y poco más de 33 minutos. Este disco debería ser enseñado a todos los nuevos músicos para que nos dejen de hacer perder el tiempo con canciones innecesariamente largas y con el ya ritual trece o catorce canciones por disco (con al menos cuatro o cinco de absoluto relleno).

Similar sonido e intencion que su debut,con pocas novedades.Quizas un poco mas de preponderancia en las guitarras,pero el mundo de Mercer sigue inalterable.De nuevo guarda el mejor tema para el cierre,estupendo "Those to come".

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DIRECTISIMO 94

Live and Dangerous es posiblemente el mejor álbum en vivo jamás hecho. Phil Lynott nunca sonó mejor.

Sus voces y líneas de bajo únicas brillan de verdad.

Entonces está el ataque de guitarra gemela de Brian Robertson y Scott Gorham (que puede ser la mejor guitarra gemela jamás grabada).

El álbum se abre con una versión rockera de Jailbreak y mantiene la gran música.

Still in Love with you tiene una de las actuaciones vocales más inquietantes de la historia.

Entonces tienes otros grandes temas como Emerald,Suicide,Cowboy Song, Rosalie,Dancing in the Moonlight y la firma Thin Lizzy Songs The Boys Are Back Town.

Una obra maestra brillante que todo fanático del rock serio debería tener.

Menudos tiempos aquellos!! De la época son directos como "Strangers in the Night" de UFO, "Double Live Gonzo" de Ted Nugent (por ejemplo) o este "Live and Dangerous" de los irlandeses Thin Lizzy. Impresionantes versiones de lo mejorcito de su repertorio. Brilla toda la banda. Obra magna.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

He aquí, la obra maestra de Tom Waits. Nada de lo que Waits lanzó nunca superó esto mi subjetiva opinión.

Realmente es así de simple, tan sencillo y así de claro. De todos los lanzamientos de Waits, este es el único que desde el principio de la primera escucha te golpea con un "¿qué demonios es esto?" Mule Variations ES lo que debería ser un álbum.

Una historia relajante. La moderación apasionada y la intensidad inigualable por cualquier otra cosa. Mínimo al máximo.

"Big In Japan" es el mayor éxito #1 que nunca ha sido. El chico "Get Behind A Mule" rivaliza con el mayor material de sus años salvajes.

"Cold Water" avergüenza al propio ídolo de Waits, el capitán Beefheart, con su combinación espiritual de blues, lo que demuestra que nadie escribirá con tanta pasión como Waits y que nadie canta con pasión como Waits. "Chocolate Jesus" es tan bueno como sugeriría el título, al igual que el Rain Dogs con sabor e igualmente inquietante "Black Market Baby".

"Come On Up To The House" cierra el álbum con la sensación de que habrá una secuela, al igual que el día que nunca llega.

Lanzado en 1999, Mule Variations fue fácilmente el mejor álbum del año y aclamado por la crítica más que cualquier otro lanzamiento del año, como suele ser el caso de un álbum de Tom Waits que son más que esenciales. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

"Coplas de Madrugada" es el tercer álbum de estudio de la cantante española Martirio, lanzado en 1986. El álbum es considerado como uno de los más importantes de su carrera, ya que le permitió consolidarse como una de las figuras más destacadas del flamenco y la música española en general.

El disco está compuesto por canciones populares españolas, principalmente coplas y boleros, interpretados por Martirio con su característica voz rasgada y emotiva. Algunas de las canciones más destacadas del álbum son "La Bien Pagá", "Ojos Verdes" y "Tatuaje".

El álbum fue producido por Jesús Glück y contó con la participación de músicos de renombre como Javier Krahe, Kiko Veneno y Alberto García-Alix. La producción musical es sobria y elegante, permitiendo que la voz de Martirio brille en todo momento.

"Coplas de Madrugada" fue un éxito comercial y de crítica, y es considerado como uno de los discos más importantes del flamenco y la música española de los años 80. El álbum consolidó la carrera de Martirio como una intérprete de referencia en el panorama musical español, y la convirtió en una figura clave en la renovación del flamenco y la música popular española.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Básicamente, solo conozco a Gladys Knight & the Pips de "Midnight Train to Georgia". Supongo que fue su mayor éxito. Pero resulta que también he escuchado la segunda canción, "I've Got to Use My Imagination". Por lo tanto, las dos primeras pistas hacen que este álbum se sienta casi como un Best Of, porque contiene las únicas dos canciones suyas que he escuchado.

Extrañamente, la mayoría de las canciones están escritas por Jim Weatherly, un compositor country, que supongo que fue descubierto por este grupo a través de "Midnight Train to Georgia". Sé que muchos sellos de soul tenían equipos internos de composición de composiciones, pero no estoy seguro de haber oído hablar de este tipo de polinización cruzada de género, donde el pseudo compositor interno era un artista de grabación en un género diferente. El resto del álbum está desarrollado por canciones de los principales compositores y un original. La selección de canciones es bastante fuerte y creo que podría preferir su versión de "I Can See Clearly Now" a la original.

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1972’s # 1 UK ALBUM

10.6.1972-16.6.1972 

Hay dos álbumes de grandes éxitos de los Rolling Stones. Uno es el más famoso. Con canciones como Satisfaction, Paint It Black y Gimme Shelter. El otro es el “Exile on Main Street.

No es tan famoso como el otro y los éxitos no se mueven como esperas. Pero cada momento es oro puro. Los Stones hicieron más éxitos que cualquier otra banda de la historia (los Beatles son la excepción) desde 1965 hasta 1971. Luego tomaron sus raíces -blues, country, soul y gospel- y las combinaron y grabaron su mejor 

álbum.

En la historia del rock, escribir sobre este álbum es tan difícil como escribir como suena . Ni siquiera Mick Jagger sabe por qué los críticos comparaba esto como el mejor trabajo de Stone, pero yo lo sé. Y me encanta el álbum. Los Stones estaban cansados de la vida del rock and roll. Puedes decirlo escuchando este álbum. El álbum suena cansado y tedioso para un álbum de rock. ¿Pero las bandas alternativas después de eso no sonaban de la misma manera?

Esta es la mayor referencia a la cultura y la música estadounidenses de cualquier banda de rock británica

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Si "Unplugged" (1992) fue una mirada sentimental deliberada a su vida y carrera, con este álbum Clapton se remonta a sus primeros ídolos del blues y rinde homenaje a los músicos que le precedieron, chicos como Willie Dixon, Charles Brown, Tampa Red, Lowell Fulson, Elmore James y Muddy Waters.

Dado que siempre fue reconocido como un virtuoso de la guitarra rock/blues, en realidad es una sorpresa que Clapton nunca haya lanzado un verdadero álbum de blues puro hasta este momento.

Su forma de tocar la guitarra está chisporroteando, como se esperaba, y la mayor sorpresa es la forma en que su canto había mejorado con los años, donde una vez fue reticente y tímido, ahora se convirtió en un gruñidor de blues de garganta completa.

Algunos encontraron que esto "de vuelta a las raíces" era un signo de estancamiento artístico y criticaron a Clapton por no llegar a algo nuevo, pero para mí esto suena como un excelente escaparate para un músico que hace lo suyo y no compromete nada para el éxito comercial.

Todo, desde la elección del material clásico hasta su interpretación y canto, es puro paraíso del blues.

Si quieres sencillos pop, busca en otro lugar - personalmente encontré este álbum muy preferible y más agradable para muchos de los lanzamientos anteriores con sus momentos de éxito y falta, este suena muy bien de principio a fin. 

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1970’s # 1 USA ALBUM

16.5.1970-22.5.1970

No siempre el segundo disco es algo problemático. Aquí vemos que se puede entregar una obra de gran calidad a la sombra de un estreno grandioso. En este disco destaca el empaste vocal, ese coro celestial que siempre fueron. También se percibe la frescura del hálito campestre y rudo de Neil Young, con algún detalle eléctrico de los de pellizco. Por lo demás no deja de ser lo que apuntaron en su estreno. Crosby con sus temas complejos y muy arreglados, Stills y sus conatos rockeros y latinos y el tapado de Nash que como George Harrison se destapa con los temas que más enganchan. Imprescindilble esa mirada pop que encandila en una maravillosa "Our House". No sorprende que sea el disco más vendido del grupo incluyendo sus discos por separado. Será porque ofrecen lo de siempre, pero como nunca. 

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50 AÑOS DE VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Escrita para una película documental sobre exploraciones en el cosmos, esta admirable obra de Brian Eno constituye una confirmación de su capacidad para dar una dimensión psíquica y transversal incluso a la música diseñada para ser más descriptiva y “analógica”.

Enriquecido artísticamente con esa gran parte de discografía que en toda la década anterior generó y consolidó el filón Ambient -firmando verdaderas obras maestras del sonido contemporáneo- con “Apollo” el compositor inglés se adentra en un laberinto aún más profundo y en cierto modo inquietante.

Además, el cosmos, el espacio sideral inspiran inevitablemente la percepción de lo desconocido y la llenan de sugerencias fantasmagóricas. Timbrales increíbles, voces sintéticas, momentos de gran aliento que se alternan con un minimalismo oscuro de gran eficacia.

No es uno de los álbumes generalmente más celebrados, sino para mí una piedra angular que sintetiza perfectamente la importancia de Eno en la escena cultural del siglo XX.

La música se realiza con la colaboración de su hermano Roger Eno y Daniel Lanois. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Steve Hillage hace lo que mejor sabe hacer, y ofrece un álbum genial y alucinante con un montón de buenos sonidos de guitarra y efectos de sonido electrónicos que dan una agradable sensación espacial a los procedimientos. Algunas de las canciones, como Musik For The Trees, tienen un mensaje "hippy" definido, pero eso no es necesariamente algo malo. Salvar el planeta y proteger el medio ambiente es algo por lo que todos deberíamos preocuparnos después de todo.

Hay algunos toques agradables de rock progresivo en todas partes que proporcionan algo de pesadez y nerviosismo, por lo que no se permite que las cosas simplemente floten sobre una cama de nubes suaves y esponjosas.

La pista final, The Glorious Om Riff en particular, es una pesada porción de jam rock psicodélico que bandas posteriores utilizarían.

Un álbum bien equilibrado que tiene suficiente de todo para mantener a todos felices. 

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OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (2008)

Mucho se ha hablado de esta cinta, muchos son los premios que ha recaudado y esto genera muchas expectativas para el publico, pues bien, todas estas son cumplidas en Slumdog Millionaire dejándonos el mejor sabor de boca de la temporada con su formula, brillante y original de exponer el caso curioso de este pintoresco joven: “Jamal”. Desde “Trainspotting” no se veía a un Danny Boyle tan potente e incluso ante esta nueva producción, Boyle se disculpa por la inestabilidad en su pasado, y nos ofrece el mejor trabajo hasta la fecha de su carrera. Como es habitual, lo que más atrayente del film es la formula utilizada por Boyle para dirigir, una formula que consigue un ritmo impresionante, que no aburre, que no decae, que entretiene y sobre todo que aporta algo al espectador, un mensaje tan esperanzador tan positivo que de inmediato se ubica entre una de las mejores películas indies de la historia del cine. 

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DISCO CLÁSICO ROCK DEL DÍA

Este es el mejor álbum de las tres hermanas. La pista de apertura tiene un sonido pop-rock.

También lo hacen las versiones de Steely Dan y Fleetwood Mac. Stephen Stills escribió As I Come of Age para ellos, una canción tranquila con estrecha armonía y un solo de guitarra de Waddy Wachtel.

Después de la lenta introducción, Happiness tiene un estado de ánimo emocionado con un bajo funky y sintetizadores.

El sugerente Fire de Bruce Springsteen extrae energía del riff de bajo, el órgano y la voz picante de Anita Pointer. En Everybody Is a Star, una versión de Sly & The Family Stone, imitan el cacareo de los pollos. No hay tanta influencia disco como cabría esperar en 1978. 

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AYER VÍ 36

Llegué a 1883 curioseando buscando alguna serie novedosa que pudiera interesarme, y al ver su temática western decidí correr el riesgo...

Cierto que conocía bastante de la obra de Taylor Sheridan que ya me parecía un creador notable con obras tan interesantes como Comanchería, Wind River, Sicario... y con 1883 sigue en su excelente progresión.

Como western no defrauda, es una conquista del oeste rigurosamente detallada con gran lujo de detalle y con una aproximación muy veraz a lo que debió ser aqella odisea.

Un western intimista que conserva sus tópicos , sus cabalgadas, su aventura, sus paisajes ...todo lo que hace maravilloso a este genero

En cuanto al intimismo este está muy presente en las reflexiones de la protagonista, algunas tremendamente hermosas, otras excesivas, pero en su conjunto son maravillosos momentos de reflexión y pausa.

Es un western de ritmo lento,como el viaje de sus protagonistas, pero se acelera en muchas ocasiones debido a las vicisitudes de nuestros protagonistas, merece la pena verlo sin prisa dejando que el viaje nos atrape, nos sorprenda...todo ello acompañado por la soberbia banda sonora de Brian Tyler.

El elenco muy correcto, grande Sam Elliott con su enorme presencia, brillante Tim McGraw y Faith Hill y soberbia Isabel May como la indómita protagonista.

En conclusión brillante western intimista que va mucho más allá de la aventura, la épica y las grandes llanuras... Habla también de la vida, el autodescubrimiento, la felicidad y nuestro lugar en el mundo.

Una gran serie que te llevará a un gran viaje y que te hablará del viaje más maravilloso de todos... La vida 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Dios mío, ¿cómo es que no he oído esto antes? ¿Por qué esto no es bien conocido? ¿Por qué hay tres veces más calificaciones para Them Changes que esta?

La gente se está perdiendo. Guitarra psíquica pesada como la mierda, efectos de sonido que estoy luchando por reconciliar con su fecha de lanzamiento de 1968 (no sé qué hicieron para conseguir ese efecto vocal en el tema que abre el álbum , ni tengo ni idea de cómo consiguieron el sonido de la puerta de ruido en la caja para Let Your Lovelight Shine, una técnica que fue revolucionaria cuando Tony Visconti lo consiguió.

Y la producción es inmaculada 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Es prácticamente imposible disociar a Randy Newman del "tipo de Toy Story", pero escuchar este lanzamiento anticipado de él ha enmarcado su música en un nuevo contexto.

Sorprendentemente, este álbum no me recuerda a Elton John, sino a Elliott Smith.

Las letras sombrías, las voces emocionales y las melodías y ritmos intrincados me recuerdan al trabajo de Smith en los años 90.

Canciones como "Baltimore" y "Jolly Coppers on Parade" suenan como nada más de la época con las fuertes e inquietantes melodías de piano combinadas con percusión optimista. El álbum abarca desde los novedosos éxitos "Short People" hasta una encantadora canción country "Rider in the Rain". Newman es el verdadero negocio

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Villains a menudo se consideran el mayor problema de la discografía de QOTSA, que se mantiene en el mismo sentido que un álbum como VH3 de Van Halen o Raditude de Weezer. La razón principal de esto es la producción más orientada al pop de Mark Ronson y la composición más simplista en comparación con otros álbumes de QOTSA, además del hecho de que es una continuación de la obra maestra de la banda, ... Como un reloj. Aunque este está lejos de ser el mejor álbum de QOTSA, la reputación que tiene es extremadamente injusta, porque sigue siendo un álbum de rock increíblemente por encima de la media. Es un ejemplo de una banda que se arriesga y hace algo que nunca ha hecho antes, y en su mayor parte, vale la pena.

Lo más destacado del álbum es "The Way You Used to Do", un shuffle de dance-rock elegante y fantásticamente divertido inspirado en Franz Ferdinand con un riff difuso y la voz de Josh Homme como la de Elvis. Luego es seguido por "Domesticated Animals", otra pista destacada con un riff psicodélico similar a pistas como "Smooth Sailing" del álbum anterior. Otras pistas sólidas incluyen la tremendamente pegadiza "Head Like a Haunted House" y la emotiva más cercana "Villians of Circumstance". 

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DIRECTISIMO 93

Malinterpretados, incomprendidos, deportados por alguna gente más miope que Rompetechos al mismo departamento "pretecnológico" de gente insignificante en comparación a ellos (Jean-Michel Jarre, MIke Oldfield, Vangelis y por ahí...) Ha llegado la hora de hacer justicia a los inmensos Kraftwerk, de asumir que, en efecto y para bien, su influencia soterrada fertiliza desde las producciones de Giorgio Moroder hasta las de James Murphy (y, en medio, las de centenares de músicos e ingenieros de sonido más o menos ilustres). 

Como manifiestan más que nunca en este festivo "grandes éxitos" en vivo que es "Minimum-Maximum", Kraftwerk fueron y son, por encima de todo, una sublime banda pop. Si quieren, tecnopop. Eso mucho más que ilustradores recurrentes para las fantasías de lectores de revistas sobre ovnis, cazadores de sicofonías o freaks de la ciencia ficción. Que alguien pruebe a despojar, por ejemplo, esa delicia llamada "Das Model" de su divertidísimo envoltorio futurista, y a ver si la melodía no resiste la prueba del algodón de una interpretación a palo seco con guitarra acústica. ¡Pop! 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Lo que hicieron los británicos con el sonido americano enriqueció hasta un punto infinito el sonido eléctrico. El blues, una música genuinamente negra y aparentemente inalterable, fue reconducida por algunos grupos ingleses hacia territorios insospechados, atrevidos y novedosos. Si John Mayall o Peter Green fueron las cabezas visibles de esta transformación, otras bandas como Chicken Shack o Savoy Brown dieron un paso más allá en la concepción de arreglos sorprendentes en esa forma que tenían de ver el blues.

Savoy Brown se formó en 1965 por el guitarrista Kim Simmonds y rápidamente se convirtió en una de las bandas de blues rock más populares del Reino Unido. A lo largo de los años, la banda ha sufrido varios cambios de formación, pero Simmonds se ha mantenido como una presencia constante. La banda ha lanzado más de 20 álbumes de estudio hasta la fecha y continúan de gira y grabando nueva música.

En resumen, "Looking In" es un álbum fantástico que muestra lo mejor de Savoy Brown. Con su magistral trabajo de guitarra, poderosas voces y ritmos infecciosos, este álbum es imprescindible para cualquier fanático de la música blues rock.

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Enterrado entre los estereotipos de mediados de los 80(A.O.R). se encuentra una actuación realmente decente de Roger; teniendo en cuenta que este es, ante todo, un álbum de Daltrey, la supervisión de Alan Shacklock ni siquiera debería intentar endurecer a uno tan malhumorado como este tipo en particular.

Lo hace hasta cierto punto, material e instrumentos como 1985 como se pone, Roger es muy consciente de esto, por lo que pone sus pulmones y su garganta bajo presión adicional de lo habitual.

Nada aquí amenaza con hacer que la carrera en solitario de Roger sea más que servicial, dejando a un lado la pista de título razonablemente decente, por supuesto.

Teniendo en cuenta su relación a veces fractuante con Keith, es un esfuerzo honorable para elogiarlo, algo que dolorosamente el paisaje sonoro de los 80 no pudó más ser doloroso. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Es el tipo de álbum en el que, sobre un ritmo que claramente está destinado a parecerse a Marvin Gaye de los 80 edita un disco a tener en cuenta.

Sería una parodia perfecta de adultos contemporáneos si no fuera tan bonita, e incluso entonces no se sale totalmente con la suya.

Sin embargo, para los más sentimentales, The Hunter también tiene dos preciosas joyas pop casi de cámara (Lights of Lousianne y la canción principal), y el Donald Fagen, al estilo gaucho, coescribió Big Noise, Nueva York. Recomendado para aquellos que desean ser sacudidos con extrema suavidad.

El álbum "The Hunter" de Jennifer Warnes fue lanzado en 1992. Fue el primer álbum de estudio de Warnes en cinco años y fue producido por Roscoe Beck y ensamblado por diferentes artistas y compositores.

El álbum presenta una variedad de géneros musicales, incluyendo pop, rock, blues y jazz. Uno de los aspectos más notables del álbum es la interpretación de Warnes de la canción "Way Down Deep", originalmente compuesta por Randy Newman, que se convirtió en un éxito en las listas de Adult Contemporary. 

Además, "The Hunter" incluye colaboraciones con artistas como David Crosby, Neil Young, Bill Payne y Doyle Bramhall II. La canción que da título al álbum, "The Hunter", es un tema de rock fuerte coescrito por Warnes y Roscoe Beck, con una letra oscura y enigmática.

En general, "The Hunter" es un álbum emocionalmente intenso con interpretaciones excepcionales y una variedad de estilos musicales que demuestran la versatilidad de Jennifer Warnes como cantante. 

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1972’s # 1 UK ALBUM

20.5.1972-9.6.1972

Una compilación  dirigida al inesperado éxito en las listas de Marc Bolan después de conectarse a la escena musical británica desde mediados de los años 60. De repente, casi de la noche a la mañana pasó de ser un artista de culto underground acústico a un ídolo adolescente eléctrico.

Musicalmente, su primer material siempre tuvo más en común con Eddie Cochran (cuyo "Summertime Blues" versiona aquí) y Chuck Berry que con The Incredible String Band, todo lo que necesitaba era enchufarlo y subirlo. Y el éxito del pop nunca alteró sus tontas (pero divertidas) letras toma sus primeros éxitos británicos de T Rex "Ride A White Swan", "Hot Love", "Get It On" y "Jeepster" - con cualquiera de los cuales valdría la pena comprar todo este álbum - y añade el lado B "Raw Ramp" y algunas pistas del álbum pasadas por alto, incluyendo mis favoritos "She Was Born To Be My”  

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

 

Look How Long es el nombre del álbum de Loose Ends. Esta banda británica que duró diez años puede no haber dejado un impacto duradero en el periodismo musical, pero durante los años ochenta, cuando Soul and Funk fue reemplazado por un R&B uniformado y dominado por los teclados creado por gadgets digitales de primera generación, Loose Ends era como un banco seguro con una sólida composición de canciones, arreglos sofisticados y ritmos gordos que garantizaban pistas de buena musica de baile

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1970’s # 1 USA ALBUM

7.3.1970-15.5.1970 

Es uno de los mejores álbumes pop jamás grabados y el mejor álbum de 1970. Soy un gran fan de la ola de sensibilidad y emoción que barrió los sencillos y álbumes en 1970/1971 y el nacimiento del movimiento de los cantantes y compositores. Paul Simon estaba a la vanguardia de eso. Su trabajo es fundamental. Están pasando muchas cosas aquí. Simon y Garfunkel estaban alcanzando su punto máximo como dúo justo en su último álbum. También estaban alcanzando su punto máximo al mismo tiempo que los Beatles se separaban. Fue uno de esos tiempos de cambio de mar en la cultura pop.

Cada canción es perfecta. Sí, incluyendo Why Don't You Write Me, que me encanta (y pienso en ella como una canción escrita desde la perspectiva de un soldado de Vietnam). Sí, incluida la versión de Bye Bye Love y la forma en que el estruendoso aplauso muere a favor de la fragilidad y la empatía de Song for the Asking. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Spirit debería haber sido una de las bandas más grandes de la década de 1960, el hecho de que no lo fueran probablemente se deba a la mala suerte. También el hecho de que la música cubriera tantos estilos diferentes y en ninguna parte es más evidente que esto - su "difícil" tercer álbum que fue lanzado en 1968. - Probablemente porque fue su tercer álbum en unos 18 meses y eso no incluye su banda sonora para la película "The Model Shop" - hay una dependencia de los instrumentales de jazz escritos por el teclista - Esto significa que "Clear" es increíblemente variado, lo que significa que fue menos popular que "The Family That Plays Together" su segundo álbum, ciertamente en este país. PERO "Clear" merece escuchas repetidas y, debido a esta diversidad, su reputación ha crecido a lo largo de los años y creo que es igual a su predecesor y del álbum que le siguió: "The Twelve Dreams Of Doctor Sardonicus".

Un álbum clásico, que nadie reconoció en ese momento 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Este álbum no es aburrido y no es falso y no sé cuándo las mentes prodigiosas decidieron que las canciones con este nivel de emocionalidad sofisticada y matices compositivos no eran dignas, pero eso me molesta muchísimo. Mucha música soft salió de California en los años 70, pero Late for the Sky NO estába entre ellos. Esta es una extraordinaria clase magistral de composición de canciones con músicos maravillosos. El lirismo de Jackson Browne en este disco es uno de los mejores jamás escritos. 

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OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (2009)

UP es una película de animación muy querida por muchos espectadores alrededor del mundo. Y la banda sonora compuesta por el galardonado Michael Giacchino, es una de las razones por las que esta película es tan especial. 

La música de UP es una mezcla perfecta de una orquesta emotiva que refleja las emociones de los personajes, así como la sensación de aventura y asombro que se siente en la trama. La música comienza con una obertura que establece el tono de la película, que es alegre y aventurero. La música es rápida y está llena de aceleraciones emocionantes que encajan perfectamente con las imágenes de la película.

En el transcurso de la historia, la música se encarga de enfatizar los momentos más emotivos y tristes. En particular, las piezas como "Married Life" y "Ellie's Theme" son destacadamente emotivas. "Married Life" es una versión enriquecida de la música que se escucha en los primeros minutos de la película. Es una pieza nostálgica que aporta un fuerte contraste con la vida cotidiana real y el amor eterno que existe entre los protagonistas, Carl y Ellie. "Ellie's Theme" se reproduce varias veces a lo largo de la película, cada vez que Carl se siente abrumado por la pérdida de Ellie. La pieza es muy emotiva y, a pesar de su simplicidad, evoca una sensación de nostalgia y pérdida que es desgarradora y conmovedora.

Además, la música también se adapta perfectamente a la trama de la película, y encaja perfectamente con los personajes y las situaciones que se presentan. La música es muy efectiva en enfatizar los puntos de inflexión clave de la historia, agregando una dimensión extra a la experiencia cinematográfica.

En resumen, la banda sonora de UP es una obra maestra musical que contribuye en gran medida al éxito y la emotividad de la película en sí. La música es emotiva, alegre, aventurera y se adapta perfectamente a la trama. Es una de las razones por las que UP es una película tan especial y amada por tantas personas en todo el mundo. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

No es música, es mística, de las caderas al cuello. Pasando por el centro del universo, donde la cintura pierde su nombre. Entre hermanos, porque la liturgia del asunto obliga a recogerse en la oscuridad, en el calor del cuerpo a cuerpo y dejarse transportar. No es de esos discos que se disfruten en una conferencia, no va a salir un político a anunciar nada reseñable. Puede que quites el disco antes de que acabe. Otra cosa es que estés acompañado y lo gastes como tus riñones, empujando. No olvides pegar unos chillidos, no olvides hacer que los de el/ella. Empezar a sudar a los quince segundos del primer corte. Acabarás molido. Incluso cuando acabes, y James B. siga sonando, volverás a intentarlo. Al llamado del trombón, con los coros aferrándote, buscando un nuevo lugar oscuro donde hacerlo. Es James Brown, una de lección de sexo en vinilo, pa'que aprendras algo antes de ir a dormir. Si es que te dejan. 

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AYER VÍ 35

Uno de los mayores logros de la serie es abordar una gran cantidad de temas emocionales complejos y salir airosa. Temas como la igualdad de la mujer en puestos directivos, la integración de las personas de color, la transexualidad, la inteligencia emocional, la sordera, el duelo, las enfermedades degenerativas… Los personajes son de carne y hueso, piensan, sienten, dudan y a veces necesitan ayuda. Y cuando la piden, la piden a ritmo de “Help!” de los Beatles. Porque hay emociones que solo se pueden expresar en forma de canción.

 

Nunca una ficción me había tocado tanto, llenando mi interior y mostrando la belleza y la diversión de la vida así como la crueldad de nuestro mundo y lo inexplicable de las frustraciones y los fracasos.

Un guión y una puesta en escena soberbios con unos números musicales magníficos e increibles. ¿Acaso puede haber alguien que haya empezado a ver esta serie y no se haya sentido apabullado por la forma en que hace vibrar los sentimientos del ser humano a través de la música? No pierdas el tiempo y vela si puedes 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Obra Maestra. Seminal. Influyente 100%... 

¿Grupo que ha comenzado a valorarse tarde? Sí.. ¿y? 

Grupo de culto en los 80s, supergrupo ahora..., no es raro, esto ha pasado muchas veces. 

La cuestión es que aquí se enlazan una tras otra canciones superlativas, de una intensidad memorable. 

Un grupo surgido cuando todos echaban de menos a Joy Division y aparecían posibles herederos como Echo and T B o los Pyschedelic Furs, que destacaba sobre todo y por encima de las guitarras "atmosféricas" o los épicos riffs, por la impresionante voz del cantante. Las letras son muy poéticas, muy bonitas, mundos etéreos entre arpegios de guitarras. 

Es difícil elegir pero mis canciones favoritas son "Here Today" y "A Person Isn't Safe Anywhere These Days", 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

All Blues's Up! Songs of Led Zeppelin es una escucha obligada para cualquier aficionado a la música rock o al blues. Este álbum es una compilación de 16 pistas, con algunos de los artistas más talentosos de la industria tomando las canciones de la legendaria banda de rock Led Zeppelin y reinterpretándolas en un estilo de blues.

Una de las pistas más destacadas del álbum es la versión de Eric Gales de "Heartbreaker". La forma de tocar la guitarra de Gales es magistral, mostrando su increíble habilidad y rango como músico. Su voz también es poderosa, entregando la letra de la canción con una emoción cruda que captura perfectamente la esencia del blues.

Otro punto destacado del álbum es la versión de Walter Trout de "The Lemon Song". La versión de Trout de la canción es un verdadero placer para los fanáticos del blues, con una sección rítmica de conducción y solos de guitarra vertiginosos que enorgullecerían a Jimmy Page.

Es un gran ejemplo de cómo las canciones de Led Zeppelin se pueden reinventar y darles nueva vida en manos de talentosos músicos de blues.

¡All Blues's Up! Songs of Led Zeppelin es un álbum fantástico que rinde homenaje a una de las mejores bandas de rock de todos los tiempos y al mismo tiempo muestra el increíble talento de algunos de los mejores artistas de blues de la actualidad. Si eres fanático de Led Zeppelin, la música blues o simplemente la buena música en general, te recomiendo que escuches este álbum. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Pioneros de Country Rock , The Youngbloods liderados por el newyorkino Jesse Colin Young,tienen un lugar privilegiado en mi coleccion. 

Mitad Folkies , pero tambien embarcados en el Pop , finos instrumentalistas y en la historia por haber interpretado el Clasico "Get Together" , himno de la juventud Californiana. 

Un album realmente hermoso repleto de sonidos Westcoast sesenteros en los que brillan temas como "All over the World" o el Blues "Statesboro Blues".

Excelente debut de esta poco conocida banda, cuyo “Get Together” puede ser el único tema famoso aunque hay bastante más para investigar. Dejando de lado algunos blues no muy logrados, aparecen excelentes temas folk, dos geniales baladas.

Con un destacado trabajo en guitarras y teclados, mereció haber desplazado a otros sobrevalorados discos de ese competitivo 1967.

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DIRECTISIMO 92

Echo & The Bunnymen era una banda en pleno funcionamiento, que también habia lanzado su tercer nuevo álbum de estudio en cuatro años con Flowers de 2001 .

Y como indicaban sus espectáculos en vivo, sonaban mejor que nunca. Documentado para la posteridad su actuación en el Instituto de Artes Escénicas de Liverpool.

Aunque se echaba de menos al baterista trinitense Pete de Freitas, la voz de Ian McCulloch apenas cambio en veinte años, y las pistas que cortan y serpentean de Will Sergeant son más afiladas como siempre. La mayoría de los clásicos están ahí, desde el extravagante sencillo post-punk de 1980 "Rescue" (dado un arreglo extra impulsado por el teclado tipo Doors), el amenazante "All That Jazz", "Back Of Love" de 1983 y una interpretación absolutamente impresionante del sonido de Oriente Medio "The Cutter" y, por supuesto, la suite asesina del lado dos de Ocean Rain de 1984.

 Sorprendentemente, las canciones más nuevas como "King Of Kings", "Buried Alive", "An Eternity Turns" y la épica "Nothing Lasts Forever" se mezclan perfectamente. Aquellos que pensaron que, junto con The Teardrop Explodes, Wah!, The Sound y Comsat Angels deberían haber sido la verdadera explosión de Britpop, estos Liverpudianos se han probado la vieja corona por su tamaño y todavía encaja. U2 puede haber ganado el concurso de popularidad, pero los conejitos tienen mi respeto. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Un álbum pop absolutamente maravilloso y altamente sofisticado, en mi opinión en la parte superior de la pila de sophistipop.

Las dos primeras pistas son clásicos del pop, llenos de melodías ascendentes, optimismo brillante e incluso una guitarra al revés de muy buen gusto. Además, "Southbound Excursion" cuenta con una encantadora flauta veraniego y una atractiva letra sobre los excursiones de un día en el país y evadiendo la tarifa del tren.

El álbum se debilita un poco en este punto con "Unless", que es relajante pero no demasiado agitado, y "Natural", la pista más rocosa que suena un poco única, pero no es una gran composición. Sin embargo, la grabación de vinilo se voltea, y todo el lado dos es simplemente excelente.

Puedo ver que han comparado este álbum con los Forever Changes teñidos de tijuana. Pacific Street es un gran álbum, influenciado por los años sesenta, repleto de trompeta, coloreado con cameos de cuerdas, violonchelo y la flauta mencionada anteriormente. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Tal vez un álbum perdido para la prodigiosa producción de gran música de 1969. Brave New World puede no sonar familiar para los fanáticos de los 70' Steve Miller, pero el sonido está muy en consonancia con el sonido psicodélico del verano de 67' de amor en algunas pistas y si eres un verdadero fan de Steve Miller, necesitas escuchar a Steve temprano. Siempre comparo la guitarra de Steve Miller con Neil Young, ambos guitarristas subestimados, conocidos más por sus éxitos o su capacidad para escribir canciones.

Este es un gran álbum de guitarra de Steve Miller, principalmente porque Steve Miller es un gran guitarrista.

Esa es la característica principal, pero algunos de piano inspirados de Niki Hopkins en la última pista en el lado uno y Paul McCartney que aparece en la última pista del lado dos es solo la guinda del pastel que es Brave New World, así como los otros miembros de la banda que son excelentes tocando, también la composición de la canción. Hay una gran cantidad de riffs de blues junto con los elementos psicodélicos de este álbum, para todos los fanáticos del blues.

Echa un vistazo a los riffs largos de "Space Cowboy", no es una canción de blues, pero los huesos del blues están ahí, Steve Miller puede tocar blues en cualquier momento y cualquier día.

De hecho, saca la diapositiva de la siguiente canción después de "Space Cowboy", en "LT's Midnight Dream".

Mi única queja con este álbum es que es demasiado corto. El primer lado se acabó en un instante. Todo el álbum es solo 29:51, no hay tiempo para estirarse, y quiero escuchar a Steve Miller estirarse, muy lejos. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Glorioso trascendentalismo pop en este gran álbum. Las dos primeras canciones, All the Children Sing y Can We Still Be Friends, oscilan salvajemente entre estados de ánimo y arreglos, estindo un amplio territorio que abarca un mundo sonoro ecléctico. Rundgren podría haber pasado su carrera escribiendo himnos pop/soul/rock de Carole King/Beatles, pero Todd siempre ha escuchado su propia mente interior. En vinilo, este álbum tenía dos caras, la primera se titulaba "Fácil" y la segunda "Difícil", principalmente como una respuesta a los ejecutivos de la compañía discográfica que escucharon esta música y la malinterpretaron. 

No es el más sólido de los esfuerzos, es cierto, pero los puntos altos eclipsan a la mayoría de la otra música rock que derramó las plantas que presionaban récords en su día. Como algunos han señalado, el sonido del CD carece de cuerpo, probablemente debido a la predilección de Todd por las mezclas de alto sesgo, irónicamente porque sentía que el vinilo no podía grabar el bajo adecuadamente.

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1972’s # 1 UK ALBUM

6.5.1972-12.5.1972 

Interesante... pero no muy bueno. Después de las tres primeras canciones, incluso tuve la sorprendente sensación de escuchar un álbum de mierda. Por suerte, las siguientes tres pistas son bastante bonitas. En el lado B vuelven a pasar las mismas cosas: "Mustang Ford", "Afghan Woman" y "Knight" no son memorables, pero "Graceful Fat Sheba" es fácilmente la mejor canción del álbum. "Weilder of Words" no es tan bueno, pero "Frowning Atahuallpa (My Inca Love)" cierra el álbum con un estado de ánimo positivo.

Este álbum se grabó a principios de 1968 (algunas fuentes dicen que 1967) y, por supuesto, era algo nuevo en ese entonces. Esto puede tener algún significado real, pero aún así, si comparas el primer álbum de Tyrannosaurus Rex con decenas de otros álbumes de 1968, este no va a ser de los mejores.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

La 5a Dimensión es muy fácil de escuchar,no son muy complicado , pero lo hacen bien. Las voces son excelentes y ocasionalmente apasionadas (como en "It'll Never Be the Same Again" y "Broken Wing Bird"), las canciones son bastante pegadizas, y hay un montón de adornos orquestales vintage de los años 60. El lado A comienza y termina con las canciones de Laura Nyro: "Sweet Blindness", que todavía disfruto escuchando incluso con el tratamiento al estilo de Las Vegas, y la canción principal, que es genial, pero puede que la haya escuchado suficientes veces en mi vida. Ese lado también incluye "It'll Never Be the Same Again"; "The Sailboat Song", que es bastante atmosférica y es mi corte favorito en el LP después de las canciones de Nyro; y "It's a Great Life", que es tan ridículamente alegre que casi te preguntas si eran serios... suena como algo de "A Mighty Wind".

El lado B incluye "California Soul", un sonido similar a Mamas & Papas empapado por letras fáciles sobre lo maravillosa que es California; "Lovin' Stew" similar a The Asociattion ; "Broken Wing Bird", otra canción con el sonido de Bacharach; "Good News", lo más parecido al rock en el álbum.

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1969’s # 1 USA ALBUM

 27.12.1969-2.1.1970 

17.1.1970-23.1.1970 

31.1.1970-6.3.1970 

El mejor álbum de Zeppelin,y quizás podamos equivocarme es el mejor álbum de rock de la historia. Una colección de los mejores riffs de Jimmy Page, aunque cada miembro brilla en todo momento. El blues rock en su máxima expresión a pesar de que la mayor parte fue exagerado hasta la muerte por la radio de rock clásico. Nunca fui un gran fan de "Thank You", pero el resto del álbum es perfecto. Aspectos destacados: el bajo de John Paul Jones en "The Lemon Song", el solo de batería de John Bonham en "Moby Dick", el trabajo de guitarra de Jimmy Page en "Heartbreaker"... todo el álbum es un punto culminante que podría ser un paquete de grandes éxitos. 

El sonido de la guitarra en "Whole Lotta Love" es increíble y el resto de las canciones de ese lado del álbum son perfectas

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Lanzado cinco años después de que Eric Burdon y War se hubieran ido por caminos separados, "Love Is All Around" de 1976 fue una compilación de seis canciones que reunió una colección aleatoria de las primeras demos, tomas alternativas de canciones lanzadas anteriormente, un par de actuaciones inéditas y una pista que en realidad fue extraida de un álbum de Eric Burdon y Jimmy Witherspoon ("Home Dream"). 

Nada aquí estaba alterando la vida y la mayoría de los fans de Burdon y War probablemente ya habían escuchado la mayoría de estas canciones; aunque en versiones alternativas. De las seis canciones, solo la canción principal y su versión de los Beatles "A Day In the Life" fueron esfuerzos inéditos. La canción más fuerte del álbum también fue el número más divertido: "Magic Mountain". Entonces, ¿qué hacer con la compilación? Bueno, mucho mejor de lo que hubieras esperado, pero fuera de los fans de Burdon y War, probablemente tenía una pequeña audiencia.

De esos álbumes que tiene que tener en tu discoteca 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DIA

Solamente quiero recalcar que "Can-utility and the coastliners" es una de mis cuatro o cinco canciones favoritas del grupo,y rara vez está entre las más reconocidas por los fans: el trabajo que realiza Tony Banks es enorme,y la voz de Gabriel pocas veces tuvo tanta intensidad y matices.Añade a eso el tipico trenzado de acusticas al comienzo del tema,y el final magico de la Gibson de Hackett (otro musico con sonido particularisimo)y se obtiene una destilacion perfecta del mundo genesiano en media docena de minutos.Portentoso.

Porque de "Supper´s ready" o "Watcher of the skies" cansa ya hablar,a pesar de ser canciones superlativas...Por contra,le quito la maxima calificacion por culpa de "Get'em out by Friday" ,un tema arisco,que rompe un poco el encanto general de esta gozada continua. 

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OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (2010)

No insistiré demasiado a estas alturas en cosas como el montaje, el guión, reparto o la dirección. Baste decir que estaba  a nivel de Oscar, y que muy posiblemente se lo iba a llevar y se lo llevó. 

Mención especial para Sorkin. Si Fincher le da cuerpo al relato, Aaron le da el alma. Su guión, aparte de estar hilvanado con maestría, logra mostrar la diferencia entre ser popular y tener amigos. La diferencia entre tener amigos y tener fans. Ahí está lo extraordinario de La Red Social. Que le mete un directo al corazón a uno de los fenómenos más extraordinarios de la sociedad actual: el hacerse famoso de cualquier manera. Hazte famoso y te querrán. Sé popular y te invitarán a todas las fiestas, y todos/as querrán acostarse contigo. Todo eso está en la peli: Facemash, los gemelos y su ansia de destacar, el personaje de Timberlake, Eduardo y su novia asiática… gente que no quiere tener amigos, que lo que quiere es tener fans. ¿Somos así en el siglo XXI? Gracias a la redefinición de la palabra "amigo" que emana de Facebook, al final puedes tener 500 millones de amigos y estar más solo que la una. Porque a fin de cuentas, uno no está pegado a la pantalla si tiene compañía, ¿a que no? 

Ahh por cierto tiene una buena banda sonora

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

1977 había sido un año tan complicado para la música que fue bastante difícil lanzar un verdadero álbum clásico aceptable para todos.

El año del Punk fue un regreso a la simplicidad con un rock muy básico; el rock progresivo se estaba muriendo porque se volvió redundante; la discoteca estaba en aumento, así como la música electrónica.

Sin embargo, ¿quién podría realmente hacer una fusión de todas estas transmisiones?

Steve Miller Band lo hizo.

La base de este álbum es solo el buen rock clásico.

El sintetizador nunca apesta aquí y su uso es incluso memorable.

Escucha "Threshold", utilizado como introducción de "Jet Airliner", el suspenso de sintetizador antes de la pista de rock es bastante impresionante. La entrada de sintetizador de "Jungle Rock" se hizo tan famosa que las radios francesas la usaron como jingle para varios anuncios. La pista en sí es un clásico de la pista de baile del rock.

La introducción de "Electro Lux Imbroglio" es como un guiño para aquellos a los que les gusta The Dark Side of the Moon, mientras que su melodía y sus arreglos están bien con un interesante solo de guitarra.

"Winter Time" es una hermosa balada acústica con bonitos arpegios de guitarra y arreglos refinados.

"Babes in the Woods" es una pista instrumental pegadiza con una melodía fácil de recordar.

Este álbum contiene una excelente interpretación de la guitarra y un canto agradable también.

Hacer tal alquimia en 1977 fue una apuesta, ya que no había corrientes musicales realmente dominantes para construir un álbum clásico sobre uno de ellos.

Muy recomendable 

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AYER VÍ 34

No siempre se consigue hacer un thriller fronterizo casi perfecto con el manido tema del tráfico de drogas. Hace falta tener un pulso especial a la hora de contar historias, y Villeneuve lo tiene. El director de origen canadiense dota de un ritmo muy especial a sus historias, y en "Sicario" logra crear un tempo que quita el hipo al espectador.

Nos cuenta una historia tremendamente dura y difícil, haciendo que muchas de sus secuencias queden para el imaginario colectivo.

La atmósfera creada es asfixiante, acentuada por una banda sonora original que hace que nos sintamos parte de este mundo tan oscuro. La fotografía del maestro Deakins termina por redondear un aspecto técnico decididamente brillante.

El reparto está impecable, destacando a una contenida y sobria Emily Blunt, y sobre todo a Benicio Del Toro, cuya sola presencia llena la pantalla.

"Sicario" es fue de las revelaciones de 2015, los amantes del "neo-noir árido" y del buen cine en general disfrutarán de este chute de celuloide en vena. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Aunque no puede estar a la altura con el primer Álbum . El segundo y último álbum de Immediate de Arnold es, sin embargo, una oferta dramática, sus mayores defectos se encuentran más en el conflicto entre el cantante y el sello discográfico que en la actuación o en la producción. Grabado con  Andrew Loog Oldham en los controles, Kafunta está dividida por su sueño de establecer a Arnold en el mismo mundo de entretenimiento masivo que Cilla Black y Lulu, al mismo tiempo que Arnold lucha por retener su propia sensibilidad de R&B.

Ocasionalmente, el conflicto funciona bien: el rompecorazones k "Ángel de la mañana" se realiza con una profundidad de anhelo que ninguna otra versión en la tierra sonará tan majestuosa.

"As Tears Go By", también es poderoso, el tercer intento de Oldham con la canción (después de Marianne Faithfull y los Rolling Stones) sacando nuevas conclusiones de esa melodía más maravillosa, mientras que el acompañamiento espartano juega con el fantasma de "Lady Jane" detrás de ella.

"God Only Knows", impulsado por un acompañamiento casi marcial de trompetas y tambores, es aún más dramático: el propio Oldham nunca ocultó  su amor por la canción, y la atención prestada en esta versión la hace elevarla como una de sus mejores producciones. Del mismo modo, sus reinnovaciones de las canciones que todos los cantantes de la época aparentemente abordaron - "Yesterday", "Eleanor Rigby" y "To Love Somebody" de los Bee Gees - están envueltas en un relumbro impresionante, con "Yesterday" 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

 "Turn Up the Quiet" es el decimotercer álbum de estudio de la cantante y pianista canadiense Diana Krall, lanzado en mayo de 2017. El álbum se centra en el repertorio de jazz estándar y cuenta con arreglos de canciones de compositores legendarios como Cole Porter, Irving Berlin y Johnny Mercer.

"Turn Up the Quiet" presenta un sonido íntimo y refinado, con Krall acompañada por un pequeño grupo de músicos de jazz de alto nivel.

El álbum recibió críticas en general muy favorables, con muchos elogiando la elegancia y sofisticación de las interpretaciones de Krall y su habilidad para dar nueva vida a las canciones clásicas de jazz. "Turn Up the Quiet" se convirtió rápidamente en un éxito comercial, debutando en el top 10 de las listas de álbumes de jazz de Billboard en los Estados Unidos. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Este siempre ha sido uno de mis discos preferidos de la psicodelia Inglesa, un trabajo que busca expandir un poco las fórmulas patentadas por el grupo, pero no hay que engañarse, esto sigue siendo esencialmente Hollies, es decir inigualables armonías y pegadizas melodías repletan el álbum, acompañadas con densas orquestaciones (“Would You Believe”) cítaras ("Maker") y algunas aproximaciones a terrenos más sicodélicos en “Try It” y “Elevated Observations”. 

Prácticamente todo funciona a la perfección en Butterfly (“Dear Eloise”, “Postcard" y "Pegasus"), y es que siempre fueron conscientes de que lo suyo no iba por el lado de las improvisaciones ni las pirotecnias instrumentales, que para eso habían muchos otros grupos haciendo cosas insuperables. Los Hollies hacían perfectas joyas pop con la justa dosis de experimentación tan en boga en 1967, lo que puede sonar inocente pero sigue siendo una mezcla irresistible. 

Recomiendo encarecidamente este álbum si te estás metiendo en la música psicodélica, está a la altura de los estándares de la psicodélica de los años 60.

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DIRECTISIMO 91

España no le ha conocido prácticamente, solamente como componente a la guitarra de la banda 'Eagles', en discos tan imprescindibles para cualquier archivo como es el "Hotel California". Yo le conocí en persona en el concierto de Las leyendas de las Guitarras en 1991 en Sevilla prolegómenos musicales de la Expo 92.

Joe Walsh.

Este hombre ha entretenido a las masas sedientas de notas por más de tres décadas, con obras denominadas ya clásicas en el mundo de la música norteamericana tales como "Funk#49", "Walk away", "Life's been good" y "Ordinary averange guy". 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Creo que este es, probablemente, el álbum más subestimado e injustamente olvidado en la historia de Alan Parson, aunque Eric Woolfoson nunca ha estado más inspirado. Creo que es mucho mejor que sus dos predecesores, ya que, por fin, todas las canciones aquí contenidas son geniales (tal vez la más débil sea la tonta "Pyramania"). El espectacular instrumental "In The Lap Of The Gods" es probablemente su mejor pieza instrumental de la historia, y "Hyper-Gamma-Spaces" también se encuentra entre las mejores. Las dos baladas "Shadow of a lonely man" y, especialmente, "The Eagle Will Rise Again" deberían ser clásicas, pero por alguna razón no lo son. Y "Lo que sube..." es una suma perfecta de todas las virtudes de los registros de APP. En una palabra, si te gusta Alan Parsons, este es imperdible, y si no, sigue siendo muy recomendable. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Cuando hablamos de Power-Pop se nos vienen infinidad de bandas a la cabeza: The Knack, Badfinger, e incluso ciertos álbumes The Who. Sin embargo, de entre todas ellas resalta un nombre: Big Star.

Big Star y su inclíble #1 Record. Obviamente, estamos ante una de las mejores obras del género. Pero, ¿Qué diferencia este álbum de los demás? ¿Qué le hace diferente, tan especial?

En mi opinión, es simple. Es un álbum que ha sabido envejecer con encanto. Ha sabido perdurar en el tiempo gracias, en parte, al toque genuino de Alex Chilton y Chris Bell. 

Con respecto al contenido del álbum, es un trabajo sutil y sensato, pero con toques desenfrenados y potentes. Por poner un ejemplo, el álbum comienza con el atronador Feel. Potente Riff de guitarra y una voz desgarradora de Chris Bell. Todo ello para pasar a una de las grandes canciones no solo del álbum, sino de ese año: The Ballad Of El Goodo. Con una selección de acordes simplemente sensacional.

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