jueves, 30 de noviembre de 2023

DIRECTISIMO 116

Barón al rojo vivo es el álbum insignia en directo de la mítica formación madrileña. Fue grabado en plena gira de Metalmorfosis en el año 1984, en concreto en sus dos conciertos consecutivos del mítico Palacio de los Deportes de la Comunidad de Madrid, y contó con la que fue la formación clásica de la banda, Armando De Castro a las guitarras solistas, Carlos De Castro a las voces y guitarras, Sherpa al bajo y voces, y Hermes Calabria a la batería.


Todo un símbolo de una generación del Rock en Castellano, en la cual  yo todavía era demasiado joven, aunque siempre supe apreciar el talento de esta gente y mostrando desde siempre todo mi respeto.


El disco presenta un muy buen sonido, contando con la producción, nada más y nada menos, del mítico Chris Tsangarides, aunque quizás los cortes entre tema y tema, le quitan algo del dinamismo y la vitalidad que deben ir implícitos a cualquier disco en directo.


Inicio pletórico con su gran "Barón Rojo" y buen repaso a su corta discografía hasta el momento, a lo que unieron el estreno de cinco nuevos temas, un instrumental, "Buenos Aires", y cuatro temas con voz, "Mensajeros De La Destrucción", "El Mundo Puede Ser Diferente", única canción en la historia de la banda con la firma de Hermes, "Atacó El Hombre Blanco" y el fantástico "Campo de Concentración", con el sello de Sherpa tanto en melodías como letra. Además, por si fuera poco, brindan homenaje a Led Zeppelin con una adaptación de su imperecedero "Whole Lotta Love".


Barón Rojo es sin duda la formación bandera del Heavy Metal en Castellano, y aquí en Barón al rojo vivo legaron de por vida, para todos sus fans, la magia del Rock en vivo y en directo. Casi  40 años  contemplan ya a los míticos Barón, que por siempre volarán tan alto como en aquellos dorados años 80'. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA


En Feels de Animal Collective, el equipo coral avant-pop incluyó más estructura en sus rondas vocales psicodélicas y gritos posteriores a Pet Sounds.


Cuando los miembros clave del grupo, Avey Tare y Panda Bear, grabaron juntos por primera vez en 2000, en el álbum Spirit They're Gone, Spirit They've Vanished, la música era ambiental, desconectada, resonaba y de sobra; curiosamente, a medida que ganaban miembros e impulso, y se trasladaban a diferentes partes del Mundo (uno se fue a Portugal, los otros se quedaron en Nueva York y Baltimore, su música se hizo más cohesiva.


Desde entonces, la banda ha descrito a Feels como su "Love Record”, pero que conserva un sonido ligeramente deformado, que vino de afinar sus instrumentos a bucles del piano desajustado de un amigo.


"Grass", el primer sencillo gorgoteante, percusivo y chillón del álbum, dura exactamente tres minutos, ofreciendo un gran ejemplo de cómo a medida que Animal Collective se desarrollaba, lograron empujar firmas fuera de lugar y ganchos experimentales pegadizos en estructuras más pequeñas y dinámicas.

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miércoles, 29 de noviembre de 2023

LA MALDICIÓN DE LOS “ONE HIT WONDER” 11

No es necesariamente malo ser conocido como One Hit Wonder.

? Y los Mysterians encabezaron las listas en 1966 con el ahora clásico "96 Tears". La canción cuenta con un riff de órgano inolvidable y una voz principal distintiva del cantante principal del grupo, Rudy Martínez, que lleva gafas de sol. Una vez que escuchas la canción, es difícil sacarla de la cabeza. La producción de repuesto y el estilo único de la melodía la han convertido en una de las favoritas desde hace mucho tiempo de muchos rockeros, especialmente de bandas de punk como The Ramones, The Cramps y X, que la consideran algo así como un himno proto-punk. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Repetidas escuchas y la comparación con la música de lo que va de década (que creo que es de las más desastrosas de la historia del pop-rock) me hacen elevarlo a la categoría suprema. Un disco impresionante de una altura lírica y musical que anonada y de una atemporalidad que sólo los muy grandes consiguen.


Solo cabe seguir preguntándose por qué un coloso compositivo y una de las tres mejores intérpretes de la historia siguen siendo figuras cuasi minoritarias.


Destacan Streets of Paradise (con su letra punzante), Nights Comes In (curso magistral de como tocar la guitarra) y Dimming of the Day (una de las canciones mejor cantadas de las que conozco), pero el resto es igualmente excepcional. 

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martes, 28 de noviembre de 2023

1974’ # 1 UK ALBUM

22.12.1973-4.1.1974 


El disco de rock total que se inventó el pianista británico con su séptimo album mantiene intacta su aura y su poder devastador. Así se hacían las cosas en los gloriosos 70, con materiales de una calidad a prueba de bomba e inmunes al paso del tiempo. Se le daba valor al poder del sonido y se cuidaban los detalles, la producción, el envoltorio, en fin todo lo que hace que un álbum pueda aspirar a ser una pieza memorable.


Este "Goodbye Yellow Brick Road" es un doble de esos que están más que justificados. Un grupo selecto de obras que dan buen uso a su extenso minutaje. Como no podía ser de otra forma Mr. John se desmelena aquí como nunca y da rienda suelta a su eclecticismo de manera casi obscena. El disco empieza con una pieza de rock sinfónico más que sospechosa. En medio lo intenta también con el reggae. Dos de las extravagancias más curiosas del disco. Los dos momentos que menos me gustan, también. Y eso que el de Londres clava los palos como si hubiera estado toda su vida componiendo en dichos estilos. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Me gusta mucho el primer álbum de Fruupp, Future Legends.

El álbum tiene un fantástico sonido progresivo sinfónico desde la primera canción hasta la última nota aquí. Pero como dijo alguien , este álbum podría incluir demasiadas voces. En realidad, ese es el único defecto que encontré en este álbum, por lo demás bastante buenísimo .


Algunos de los aspectos más destacados incluyen "Decisión" y "Canción para un pensamiento", por ejemplo, pero el resto del material también es sólido como el infierno. Si no quieres echar un vistazo a todo el álbum, al menos escucha esas dos canciones brillantes. Estoy bastante seguro de que si te gusta el programa sinfónico, disfrutarás de este álbum.

El álbum es un álbum de rock prog casi perfecto de este grupo de Irlanda del Norte

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lunes, 27 de noviembre de 2023

1972’s # 1 USA ALBUM

25.3.1972-28.4.1972 


Un disco que define la música rock de principios de los 70, o al menos el rock suave de esa época. Fue un período un poco de transición; acababa de salir de los años 60 y lo que parecía un Summer of Love sin fin, las bandas todavía se aferraban a algunos de los estilos musicales hippies y temas líricos, mientras que el rock y el metal "duro" aún no se habían hecho cargo. Este estilo suave y ventoso de la música rock es más notable aquí en canciones como "Children" y "Never Found the Time", donde Estados Unidos se apoya en sus influencias de Crosby, Stills y Nash y hace todo lo posible en sus armonías vocales. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

"Children of Sanchez" es un álbum doble del trompetista y compositor Chuck Mangione, lanzado en 1978. La música del álbum es una mezcla de jazz, música latina y temas cinematográficos. Está inspirado en la banda sonora que Mangione creó para la película del mismo nombre, basada en la novela de Oscar Lewis.


La obra presenta una amplia variedad de estilos, desde piezas energéticas hasta baladas melódicas. La inclusión de una variedad de instrumentos, como trompetas, flautas, percusiones y cuerdas, contribuye a la riqueza sonora del álbum. "Children of Sanchez" fue bien recibido y se convirtió en uno de los trabajos más conocidos de Chuck Mangione.


Una curiosidad interesante sobre "Children of Sanchez" es que Chuck Mangione compuso la banda sonora para la película del mismo nombre, dirigida por Hall Bartlett. La película está basada en la novela de Oscar Lewis y cuenta la historia de una familia mexicana. La colaboración entre Mangione y Bartlett permitió que la música del álbum complementara eficazmente la narrativa cinematográfica, creando una experiencia única tanto en la pantalla como en la grabación musical.


Además, el álbum incluye la participación del famoso baterista Steve Gadd y del saxofonista Gerry Niewood, quienes contribuyen significativamente al sonido distintivo de "Children of Sanchez". Este proyecto consolidó aún más la posición de Chuck Mangione en el panorama musical de la época.

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domingo, 26 de noviembre de 2023

OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (1988)

Conozco bien la banda sonora realizada por Dave Grusin y buena parte de su obra. 

Este compositor posee un estilo que combina la sobriedad con el virtuosismo, la melodía lograda con la sofisticación armónica del jazz moderno. Yo creo que nunca ha contado con el favor del gran público ("gran" de numeroso) porque apreciar su trabajo exige cierta educación musical que no abunda o, en su defecto, una sensibilidad atenta (que tampoco abunda).

Nótese que no hablo de gustos sino de mera apreciación ya que considero que, aunque no te guste su obra, lo mínimo que merece un músico semejante es que se aprecie su calidad.


Para aquellos libres de prejuicios adolescentoides y etiquetas estériles (como "suena muy ochentero"). 

Para aquellos que no necesitan que la letra de las canciones les diga lo que tienen que pensar.

Para aquellos que aman la música y no la imagen que la música proyecta de ellos ante sus amigotes 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Soy un gran fan de Wilco, así que son la razón de mi interés en la serie Mermaid Avenue. He intentado que me guste Billy Bragg, pero su trabajo en solitario no es para mí. Sin embargo, estoy muy impresionado con su trabajo en este volumen de Mermaid Avenue. Way Over Yonder in the Minor Key es una canción increíblemente conmovedora y anhelante (hecha aún mejor con los coros de mi amada Natalie Merchant). Natalie también canta Birds and Ships y Billy también escribió una hermosa música para eso.


También me encanta su escritura para Ingrid Bergman, que convierte una letra de Woody sobre su enamoramiento por una actriz famosa en algo lleno de maravillas dolorosas; I Guess I Planted y She Came Along to Me tienen más letras de estilo de comentarios sociales (ambas siguen siendo relevantes hoy en día: la primera es sobre las uniones, la segunda una maravillosa pieza de feminismo) y ambas obtienen grandes arreglos de rock completos con melodías muy fuertes de Billy. 

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sábado, 25 de noviembre de 2023

ROCK&ARTE 8

Una foto descolorida, tomada accidentalmente y desenfocada, que muestra a un bajista negro oscurecido destrozando su Fender Precision contra el suelo durante una frustrante gira por Estados Unidos. De ahí salió una de las portadas más icónicas de la historia del punk: la de London Calling, el histórico disco de los Clash.


Pennie Smith, la fotógrafa que tomó esa foto, se encontró dando decenas de entrevistas y contando la historia de esa toma, pero, como siempre ha reiterado, ella ni siquiera quería tomar esa foto "el dedo se fue solo" y salió una toma que, si fuera por ella, habría sido incluso descartada. En cambio, Joe Strummer insistió, discutió y finalmente convenció a todos, incluso a Pennie Smith, porque esa foto representaba muy bien el espíritu de la banda y su ira.

Las portadas de los discos punk no se planifican en una reunión de empresa, toman forma siguiendo el instinto y así fue aquella vez también, pero con el pequeño detalle de que aquella foto, entonces, hizo la historia del punk, y más en general de toda una generación que estuvo marcada por el activismo político, el deseo de libertad y el cambio. Para eso están los símbolos, para encarnar en una sola imagen a miles de personas y sus pasiones, sus sentimientos. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Hay algo de música que te hace sentir seguro y protegido, por lo tanto, Time Off, una agrupación suelta y perezosa y sin esfuerzo de canciones de Steve Gunn [la mitad de Gunn-Truscinski Duo, y de nuevo miembro de Kurt Vile's Violators] que no devastará tu alma, sino que te provocará por un camino inesperado con una suave brisa a tu espalda.


La música de Gunn es más que cómoda aquí, es casi despreocupada , atrae imágenes del legendario J.J. Cale.

Gunn, a quien le gusta J.J. Cale, está a punto de ofrecer canciones expresivas con una selección ágil y acentos refrainados que dependen en gran medida de patrones que suenan improvisados y fuera del puño, mientras que presenta un ritmo suave que es tan ponible como una camisa vaquera con botones a presión descolorida.

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viernes, 24 de noviembre de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCO


Un cultivador lento, tal vez como todos sus álbumes. ¡Tanta alma en este hombre! Creo que prefiero "Haw" y "Poor Moon" a este, pero a pesar de todo hay muchas canciones geniales en este álbum.

Mi única preocupación es que la versión del álbum de "Lateness of Dancers" no me parece tan intensa como, por ejemplo, las versiones en vivo de la canción. A veces prefiero MC Taylor con solo una guitarra y nada más, pero en otros casos la instrumentación añadida es maravillosa.


En cualquier caso, me siento muy afortunado de haber oído hablar de este artista hace unos dos años. Hay algo espiritual, o tal vez mágico, en la forma en que canta sobre una vida humilde de dificultades y alegría. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Los Manhattans son un grupo discreto que rara vez se extiende más allá de lo que mejor sabe hacer: baladas de soul ruidosas y pasadas de moda como "Kiss and Say Goodbye". Gerald Al-ston, el cantante principal, tiene un tenor que es modesto en el mejor de los casos, sin embargo, la consistencia y el gusto de los Manhattan en el género tiene pocos rivales. Los registros están llenos de una verdadera sinceridad y alma. Los cinco albums de Columbia son producidos por el perenne de Filadelfia Bobby Martin, con la excepción de un lado de That's How Much, que está lleno de cinco canciones mediocres de los días de De Luxe del grupo. It Feels So Good es su álbum más fuerte hasta la fecha, empañado solo por las introducciones habladas al estilo de Barry White de Blue Lovett en casi todas las canciones.

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jueves, 23 de noviembre de 2023

DIRECTISIMO 115

Depeche Mode Live in Berlin contiene dos horas de impresionantes imágenes inéditas de la banda en concierto.


Mode Live in Berlin se grabó en el o2 World Berlin el 25 y 27 de Noviembre de 2013 durante la exitosa gira Delta Machine del grupo, en la que tocaron ante más de 2.4 millones de personas en 32 países. Con esta gira, Depeche Mode promocionaba su elogiado 13º álbum de estudio, Delta Machine, que debutó en el #1 en 12 países en Marzo de 2013. El CD/DVD no sólo incluía los temas de Delta Machine sino que también contiene algunos de los grandes hits de la banda como “Personal Jesus” y “Policy of Truth.”


La versión deluxe box set ofrece una inmersión total y una experiencia exclusiva para todos los fans de Depeche Mode, que incluirá el DVD Live in Berlin, dos CDs con el audio completo del concierto Live in Berlin, y también un segundo DVD, Alive in Berlin. Igualmente dirigido por Corbijn, Alive in Berlin contiene el show en directo completo, 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA


En 1980, Brian Eno prácticamente no tenía marca registrada como 'ambient', y Jon Hassell había lanzado dos álbumes de música de deriva miasmática -Vernal Equinox y Earthquake Island- después de haber estudiado con Stockhausen y tocado con LaMonte Young y Terry Riley en el equipo de drones de Young. Teatro De La Música Eterna.

La colaboración entre Eno y Hassell avanzó hacia un terreno diferente, sus Possible Musics se basaron en la visión de Hassell de una música del 'Cuarto Mundo', que él describe como "un término para describir la posibilidad de la música en términos globales más allá del Primer Mundo, más allá del Tercer Mundo". , más allá del High-Tech Art clásico, más allá del pop”.


A pesar de las lecturas simplistas que adoptan el Cuarto Mundo como sinónimo de música mundial, Hassell estaba interesado en crear música para regiones imaginadas y desconocidas. Con Possible Musics, Eno envolvió la trompeta manipulada electrónicamente de Hassell en una niebla de textura, moviendo la sinuosa forma de tocar de este último –inspirada en su maestro Pandit Pran Nath, que tiene mucho sentido escuchar de nuevo– a territorio húmedo. Nana Vasconcelos y Michael Brook son invitados, pero lo más impresionante de Possible Musics es cómo todos encajan detrás de las melodías simples y entretejidas de Hassell, profundas pero ligeras.

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miércoles, 22 de noviembre de 2023

LA MALDICIÓN DE LOS “ONE HIT WONDER” 10

Wild Cherry no es un nombre muy familiar, pero grabaron una de las canciones de funk más conocidas hasta la fecha, lo que las hace tan comunes como la fruta del hogar de la que se burlan. "Play That Funky Music" fue escrito por Rob Parissi, el cantante principal de la banda, y rápidamente llegó a la cima de la lista Hot Soul Singles cuando él y el resto de la banda la dejaron caer en 1976.

Como si no lo fuera con una línea de bajo tan madura.

Esas líneas golpeadas y acentos directos hacen que la persona más rígida baile.

Para cuando entra el bloque de madera durante el puente y la línea del mismo nombre se llama en el coro, todo el mundo se mueve. Hasta la fecha, ha vendido casi 3 millones de discos solo en los Estados Unidos.

Más de 40 años después, la canción también se mantiene, lo que plantea la pregunta: ¿Podría un renacimiento del funk rock ser el cambio que necesitamos? No diré que sí, pero ciertamente tampoco diré que no. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

En la apertura de ese álbum, "Aras Like Boulders", Granduciel combinó elementos del escapismo de carretera abierta de Bruce Springsteen con el pulso motor de Kraftwerk y Neu!, como si la E Street Band hubiera crecido escuchando a Krautrock espaciado en un suburbio de Dusseldorf en lugar de Mitch Ryder en los sudorosos clubes de Nueva Jersey.


Fue una yuxtaposición improbable que también sirvió a Granduciel espectacularmente bien en pistas delirantemente emocionantes aquí como "Red Eyes", "Burning" y la fiebre de la guitarra incandescente de "An Ocean In Between The Waves", que agregó una cucharada de Dylan de los 80 a la mezcla, como si algo como "When The Night Comes Falling From The Sky" hubiera sacado su impulso de alguna ardiente épica kosmische. 


La atmósfera borrosa de la toma de Oh Mercy "Series Of Dreams" también podría considerarse como un punto de referencia útil para los interludios más miasmicos de Lost In The Dream, como el arrastrado por el viento y totalmente privado "Eyes To The Wind", un punto culminante de un álbum que convirtió el dolor privado en catarsis pública 

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martes, 21 de noviembre de 2023

1973’s # 1 UK ALBUM

15.12.1973-21.12.1973 


El mejor álbum de David Cassidy de sus años de megaestrella, ¡realmente demostró el talento más allá de la imagen! ¡¡Un éxito No #1 de 1973!!


Los críticos de la época aclamaron este lanzamiento como una "gran desviación" de la entonces imagen adolescente de David.

El álbum es suave  y muestra perfectamente el lado de la balada por el que David era famoso.

Una vez más, la propia composición de canciones y la musicalidad de David llamaron la atención, particularmente con el conmovedor "Can't Go Home Again" y "It's Preying On My Mind". Tony Romeo de la fama de "I Think I Love You" proporcionó el profundamente personal "Sing Me" que proporcionó viñetas de la infancia de Cassidy.

Este álbum también dio lugar al #1 smash AA "Daydreamer/The Puppy Song".


Hasta el día de hoy, este álbum es probablemente el más apreciado de todos por los fans de David.

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Es un álbum bastante corto, con menos de 40 minutos.

Contiene canciones profundas y líricamente significativas, pero mantiene el impulso en todo momento con canciones lindas ("You And Me on the Rock") y bangers optimistas ("Broken Horses". "Mamá Hombre Lobo", " Pecadores, Santos y Tontos"). 

Brandi Carlile es un tour de force con una voz impecable y un bolígrafo que sigue hablando no solo por la gente queer, sino por cualquiera de nosotros que flotamos en el espacio y el tiempo en sí.

Verdaderamente, este álbum es un placer de escuchar, y un excelente proyecto de Carlile.

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lunes, 20 de noviembre de 2023

1972 ‘s # 1 USA ALBUM


11.3.1972-24.3.1972


Podría haber sido el álbum que le dio a Neil Young un éxito masivo y masivo en la corriente principal, pero Harvest no está exactamente diluido en comparación con sus predecesores. 


Claro, A Man Needs a Maid tiene una gran sección de cuerdas de Hollywood, pero cuando eso se yuxtapone con las letras cínicas de Young, adquiere una dimensión completamente nueva.


Y las últimas tres pistas - la condena de fuego de Alabama (que para mí siempre ganará sobre la amarga y poco convincente réplica de Lynyrd Skynyrd Sweet Home Alabama), el breve poema de heroína de The Needle and the Damage Done, y los estruendosos heroicos de guitarra no muy progres de Words (Between the Lines of Age) llevan el álbum a un final atronador.

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA


Este es uno de los álbumes de hard rock más fuertes que he escuchado en mucho tiempo. Desafortunadamente, LC se está clasificando como Goth o Symphonic o Death Metal, etc., etc., etc., lo cual es desafortunado.

Lacuna Coil (se traduce como "Espiral Vacía") han reconocido abiertamente que son seguidores de The Gathering... ve a escuchar "Nighttime Birds" como punto de partida. Y luego olvídate de categorizar lo que son The Gathering y Lacuna Coil: es Rock and Roll.

En lo que a mí respecta, su sonido y sensación se devuelven a Jefferson Airplane: cantantes principales de duelo, un hombre y una mujer; al frente de una poderosa banda. La música es a menudo muy intensa y contundente, sin embargo, hay una melodía fantástica y poética. Todo en su catálogo vale la pena.


Hay docenas de clones de este tipo de banda ahora, sí... pero Lacuna Coil se destaca, y estará disponible durante mucho tiempo. 

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domingo, 19 de noviembre de 2023

OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (1989)

Alan Menken, originario de Nueva York, es un destacado compositor estadounidense cuya contribución fue fundamental para revitalizar las películas animadas de Disney a partir de La Sirenita. Su talento le ha valido numerosos premios, incluyendo varios Oscars por sus sobresalientes bandas sonoras en filmes como La Sirenita, La Bella y la Bestia, Aladdín y Pocahontas. Además, ha recibido nominaciones por trabajos como El Jorobado de Notre Dame y Hercules.


La Sirenita es a menudo considerada como el inicio del Renacimiento de Disney en la animación, una época en la que la compañía produjo varias películas exitosas como La Bella y la Bestia, Aladdín y El Rey León.

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Si alguna vez necesitas un poco de restauración de la fe en el mundo de la radio, ponte en fila para adorar a Lorde, nuestro nuevo salvador predicho por las profecías pop.

Su voz sexy se extiende más allá de sus años, ya que la producción sirve a esta madurez a la perfección, todo lo que culmina en algunos de los coros más satisfactorios que esta década tuvo para ofrecer, no se te mete en la cabeza por razones de trucos baratos, sino con maniobras calculadas diseñadas para cavarse en los pliegues de tu cerebro hasta que hayas desarrollado un agujero de adicción que solo ella puede llenar.

Y, como ya sabemos, esto no fue una casualidad, ya que ha seguido subiendo a su propio ritmo desde este debut, lo que indica una verdadera superestrella que solo estaba aprendiendo a caminar cuando ya nos dejó a todos atrás. 

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sábado, 18 de noviembre de 2023

ROCK&ARTE 7

En la década de los 90, los artistas dieron un toque artístico a las portadas de álbumes, y la llamativa portada de "Dookie" de Green Day se destaca, siendo altamente referencial y redundante.

El ilustrador Richie Bucher explica que, al no recibir indicaciones de la banda, creó un boceto inicial que, una vez aprobado, incorporó todas sus ideas. 


La portada es un collage de referencias rockeras, desde Angus Young con su Gibson Diavoletto hasta Patti Smith imitando la portada de "Easter", y Ozzy Osbourne retratado al estilo del primer álbum de Black Sabbath.


Para añadir más referencias, un dirigible en la parte superior izquierda lleva la inscripción "Bad Years", haciendo alusión a "Rocket To Russia" de los Ramones. Sin embargo, la tarea de Bucher también incluía representar los lugares de origen de Green Day, específicamente el Área de la Bahía de San Francisco.


Y Desde las refinerías de petróleo al noreste de la Bahía hasta la bulliciosa Telegraph Avenue de Berkeley con el Café Mediterraneum, asociado con el movimiento hippie y se rumorea que Allen Ginsberg escribió su poema "Howl". Una cada de En resumen, la portada es una explosión de recuerdos y referencias que se vinculan con la imagen de una bomba desprendida de un avión (¡pilotado por un perro!), de la cual emerge la inscripción "GREEN DAY".Pulsa aquí



DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Con Tarkio Road (1970), Brewer & Shipley no mucha gente puede decir que aterrizaron en la "lista de enemigos" de Nixon.

Álbum típico de folk-rock, armonías vocales, guitarras acústicas, y luego está esto... tratando de sacar al presidente Tricky Dick de la oficina, mezclado con el romanticismo de Mary Jane.

También lanzan un par de wah-wahs aquí y allá. Yendo un paso más allá, "Tarkio Road" podría ser una banda sonora de cualquier película de "Cheech and Chong".

Las pistas que vale la pena mencionar son: "One Toke Over The Line", "Don't Want to Die in Georgia", "Tarkio Road", "Seems Like A Long Time" y "Fifty States Of Freedom". También debo mencionar la canción, "Oh Mommy", que incluye la malvada guitarra de acero de Jerry García de los Grateful Dead.

Y si no obtienes nada más de esto que "One Toke Over the Line" atascado en tu cabeza, entonces he hecho mi trabajo.

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viernes, 17 de noviembre de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Una obra maestra minimalista. En este momento de sus carreras, ni Blackwell ni Cherry tenían la necesidad de impresionar, todo el mundo sabía de lo que eran capaces.

Así que estos viejos amigos se reúnen en el estudio para una sesión madura y sencilla de la más hermosa y natural posible. La textura y el espacio son esenciales en El Corazón.

El álbum puede comenzar hinchable y jazzy, pero rápidamente se vuelve profundo, amplio y reflexivo.

El timbre de cada instrumento es perfecto y todo suena en el momento adecuado, durante la cantidad de tiempo adecuada. No se permiten prisas.

Como dijo un crítico en otra web, este es uno de los mejores discos que encontrarás.

Al menos esta versión en español es maravillosa. Puedes tocar, saborear y oler estos sonidos. Ambos están dentro de tu cabeza y a tu alrededor, llenando el cosmos.

Como se implica en el título de la última pista, ni siquiera el silencio será más silencio, será otra voz. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Más conocido como el cantante de Rainbow que dejó la banda antes de que rompieran las listas, y el hombre que reemplazó a Ozzy en Sabbath, cantante de rock par


Excelencia Ronnie James Dio comenzó su carrera en solitario con estilo con el tercer álbum clásico en el que había cantado. Uno de los brillantes debuts de heavy metal, Holy Diver, es una obra de bravura y pompa.


Este fue un nuevo comienzo para Ronnie, pero su pasado estaba en evidencia tanto en su elección de dos antiguos compañeros de banda (el ex bajista de Rainbow Jimmy Bain y el ex baterista del sábado Vinny Appice) como en la sensación épica de la música. Su carrera maestra fue la adquisición del guitarrista Vivian Campbell, de 19 años, el hombre que "pone el ayuno en Belfast", que le dio a la banda un toque vital y contemporáneo. 

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jueves, 16 de noviembre de 2023

DIRECTISIMO 114

Se trata del rescate de un concierto en vivo de Lou Reed en la estación de radio WXCD de Filadelfia.

A pesar de que interpreta canciones de su álbum Mistrial (1986), considerado uno de sus peores, la grabación destaca por la potencia de la actuación.

Reed muestra su profesionalismo, la banda suena contundente y el repertorio abarca desde The Velvet Underground hasta su primera etapa en solitario.

Aunque el estilo se ve influenciado por la convencionalidad de sus últimos álbumes de estudio, la fusión de funk, soul y rock & roll se impone con autoridad.

El disfrute del registro dependerá de la tolerancia a las trompetas prominentes y teclados a veces excesivos, pero la interpretación poderosa lo convierte en uno de los mejores directos de Reed, comparándolo con Rock n Roll Animal (1974). 

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DISCO CLASICO DE L ROCK DEL DIA

Si algo llevó a Love a ser uno de los mejores grupos de la segunda mitad de los 60, aparte de una seguidilla de notables álbumes, fue su incesante búsqueda de nuevas fórmulas musicales y evitar a toda costa repetirse.

Por ello tras alcanzar la perfección en el majestuoso Forever Changes y tal vez consciente de que no iba a poder igualarlo, Arthur Lee decide tomar una dirección totalmente opuesta y después de casi dos largos años emerge un Love con una formación y estilo completamente renovados.


Con un sonido volcado hacia el hard rock y un Lee demostrando que además de brillante compositor era también un virtuoso guitarrista, el álbum desborda energía desde el comienzo con la potente “August”, pero ya sea en los instantes de estridencia u otros más tranquilos, el talento melódico de Lee sigue intacto y hacen de este ‘Four Sail’ un álbum tan valioso como los anteriores. 

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miércoles, 15 de noviembre de 2023

LA MALDICIÓN DE LOS “ONE HIT WONDER” 10

"Spirit in the Sky" te cautiva tan pronto como escuchas esa inconfundible guitarra en tono pelusa en la apertura de la canción, a la que se unen rápidamente la batería, el bajo, las palmas y esos coros con sabor a gospel. Escrito e interpretado por Norman Greenbaum, "Spirit in the Sky" pasó 14 semanas en las listas de éxitos tras su lanzamiento original, alcanzando finalmente el número tres en los Estados Unidos. Entonces, ¿cómo cayó ese poco de buena fortuna en una melodía tan peculiar?


Norman Greenbaum creció en Malden, Massachusetts, tocando en bandas tanto en la escuela secundaria como en la universidad. Estudió música en la Universidad de Boston, pero finalmente abandonó y se mudó a la costa oeste. Una vez allí, ayudó a formar el grupo folclórico psicodélico Dr. West's Medicine Show y Junk Band, que obtuvo un éxito menor en 1966 con "The Eggplant That Ate Chicago". Después de que esa banda se separara, Greenbaum tocó en un par de otros grupos de corta duración antes de comenzar a trabajar en un disco en solitario. Irónicamente, la canción principal de Spirit in the Sky de 1969 no fue el primer sencillo del álbum. El sello de Greenbaum, Reprise Records, intentó emitir un par de otras canciones primero, pero no hicieron mella en las listas ni ganaron una emisión significativa en la radio. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Este álbum fue grabado en vivo en el estudio como una larga jam llamada "Sunshine Special", pero cortaron esa actuación para formar diferentes canciones para este álbum.

En mi opinión, Hawkwind tuvo éxito con este disco de debut y es un sonido bastante trippy space rock/psych.

Sus álbumes posteriores están en realidad aún más orientados al rock espacial que este.

En este álbum también puedes escuchar sus influencias de blues rock y folk y, por supuesto, la psicodelia también tiene un papel importante. 

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martes, 14 de noviembre de 2023

1973’s # 1 UK ALBUM


8.12.1973-14.12.1973 


Eno se ha ido (se le sugirió que era hora de irse a una carrera en solitario), pero curiosamente este es su álbum favorito de Roxy. Hay tanta rareza maravillosa como los 2 primeros LP, pero también una sensación de refinamiento. Desde números empapados de electricidad como "Amazona" y la introducción de tarted-up-Stones de "Mother Of Pearl" hasta el falso estándar de "Just Like You" y el aburrimiento europeo de "Sunset". También obtienes la espiritualidad campal de "Salmo" y la mundanidad espiritual del cuerpo principal de "Madre Perla", ambos dolorosamente hermosos.

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

2112 es el título del cuarto álbum grabado en estudio por la banda canadiense de rock progresivo Rush, lanzado el 1 de abril de 1976. El álbum comienza con una canción de veinte minutos titulada 2112, lo que lo hace parecer un álbum conceptual, esta canción escrita por el baterista Peart narra la lucha de un individuo contra un sistema que coarta la libertad creativa y acaba con él pero no con sus sueños, las letras de las demás canciones no tienen relación con la historia de este tema titular. Rush utilizó este formato nuevamente en su álbum "Hemispheres". 


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lunes, 13 de noviembre de 2023

1972’s # 1 USA ALBUM



22.1.1972-10.3.1972 


American Pie fue una de las primeras canciones de las que aprendí todas las letras de memoria, y una que pude recitar y cantar mal junto con el disco. A lo largo de los años, es la canción principal la que con razón ha llamado toda la atención, pero hay mucho más en este álbum que solo esa canción.


Me encanta todo este álbum. El otro sencillo "Vincent" es igual de memorable a su manera, y las otras pistas más tranquilas y discretas son muy buenas.


"Crossroads", "Winterwood" y las "Sillas vacías" de Vincent tienen melodías realmente encantadoras,


Tal vez sea víctima de mi propio sentimentalismo, pero es un álbum que he estado escuchando durante tanto tiempo que ahora se ha convertido en parte de mi propia vida. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Bueno, esto es algo nuevo de la banda, los tenemos experimentando con el art rock e incluso con su canción de apertura "Telegraph road". Esto da como resultado que el álbum sea, con mucho, el más ambicioso a lo largo de su carrera y que sin duda valió la pena, ya que sigue siendo su segundo álbum más grande en su catálogo.


Al igual que con la mayoría de los álbumes hechos por bandas de los años 70 que salen en los 80, hay una apariencia notable de sintetizadores en este álbum que, por lo que puedo deducir, es un gran desvío para las personas que piensan que los 80 están sobrevalorados debido al instrumento. Personalmente no estoy de acuerdo, ya que siento que se suman al atractivo del álbum al sacar a relucir la emoción en cada una de las pistas. 

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domingo, 12 de noviembre de 2023

OSCAR Y SUS PREMIOS SONOROS (1990)

"Dances with Wolves"  es una película dirigida por Kevin Costner y lanzada en 1990. La banda sonora, sin embargo, fue compuesta por John Barry, quien es conocido por su trabajo en música cinematográfica. La música de "Dances with Wolves" contribuyó significativamente al éxito de la película, capturando la esencia épica y emotiva de la historia que sigue al teniente John Dunbar en su experiencia con la cultura Lakota Sioux durante la Guerra Civil estadounidense. La partitura de Barry recibió elogios y ganó varios premios, incluido el Oscar a la Mejor Banda Sonora Original en 1990.


La película fue elogiada por su representación respetuosa de la cultura nativa americana. Su éxito contribuyó a un renovado interés y aprecio por las historias y perspectivas indígenas en la industria cinematográfica. Pulsa aquí



DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

El segundo registro de la banda Lindisfarne no defrauda pero no alcanza los impresionantes niveles del primer disco. Disco de corta duración que comprende desde acústicas baladas estilo folk, temas de inspiración blusera y canciones próximas a los Byrds como “City Song” o “Together Forever”.


Alan Hull, el frontmen del grupo firma la mayoría de los temas, pero curiosamente el tema más conocido del grupo en su historia (Meet me on the corner), es el que abre este disco y lo firmó el bajista Rod Clements, es un tema fantástico, que alcanzó éxito una vez lanzado como single, tiene algo de himno.

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sábado, 11 de noviembre de 2023

ROCK&ARTE 6

Derek Riggs es un artista británico conocido principalmente por su asociación con la legendaria banda de heavy metal Iron Maiden.

Riggs es famoso por ser el creador y diseñador del icónico personaje llamado "Eddie the Head".


"Eddie the Head" es la mascota de Iron Maiden y ha aparecido en todas las portadas de álbumes de estudio de la banda desde su álbum debut homónimo en 1980 hasta la fecha de mi última actualización en enero de 2022.

Eddie ha tomado diversas formas y representaciones a lo largo de los años, pero siempre ha sido un elemento distintivo en el arte y la estética de Iron Maiden.


Derek Riggs ha trabajado estrechamente con la banda, colaborando en la creación de estas imágenes icónicas que se han convertido en sinónimo de Iron Maiden.

Su estilo artístico único y su creatividad han contribuido en gran medida a la identidad visual distintiva de la banda, convirtiendo a Eddie en una de las mascotas más reconocibles en la historia del heavy metal. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Increíble álbum de blues de sonido único. Lo que más me gusta es la voz de King.

Su gran voz tiene una cierta suavidad que trae un largo y un cierto alma. No creo que esté fuera de lugar en un disco de Motown.


Especialmente el grandioso "Same Old Blues" captura este espíritu. "Going Down" es la emocionante y poderosa melodía del álbum.

Junto con un poco de instrumentación acústica como en "Dust My Broom" es una gran mezcla.

La mayoría de las veces, sin embargo, es su punzante guitarra eléctrica que te atraviesa la oreja lo que agarra el primer plano.

Sin embargo, a veces su guitarra puede volverse un poco demasiado afilada para mis oídos.

Y algunos de los clásicos del blues que toca no se destacan tanto como los otros.

Pero en general, un álbum muy sólido que se distingue de otros álbumes de blues. 

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viernes, 10 de noviembre de 2023

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Un álbum encantador y agradable de un John Prine mayor (que acababa de recuperarse después de ser diagnosticado con cáncer en el cuello el año anterior) con estrellas invitadas como Emmylou Harris, Iris DeMent, Dolores Keane, la esposa de Prine, Fiona, etc.

Todas las canciones aquí son versiones country icónicas, excepto la canción principal, que es una de las mejores. Es agradable ver sus propias

interpretaciones de himnos conocidos como "So Sad (To Watch Gone Love Go Bad)" de The Everly Brothers, que tiene un poco más de encanto bajo Prine. En mi opinión, "Wedding Bells" feat. Lucinda Williams es la canción más bonita del álbum.

En realidad, todos son agradables, todos son al menos buenos, aunque algunos son mejores que otros.

Es triste que empezara a prestar más atención a Prine después de su muerte.

Sin duda una de las mayores pérdidas causadas por la Covid-19. 

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Me gustó mucho este álbum. Son melodías de blues de ritmo bajo con un montón de sensaciones y buenas voces. Tal vez un poco lento, pero aún así recomendado

Son aparentemente solo variaciones de las mismas dos canciones una y otra vez ("canción de blues" y "canción de balada"), ¡pero ambas canciones en resumen son bastante buenas! "His Guiding Hand" de alguna manera baraja todas las piezas del rompecabezas en su lugar para convertirse en una hermosa iteración definitoria de los marcos de blues/ballad del álbum.


Una mezcla de folk/rock suave, minimalista , y algo de blues rock más duro, con armónica y guitarra, algo de escritura de canciones débil y una producción muy cruda.




jueves, 9 de noviembre de 2023

DIRECTISIMO 113

¡Este es un álbum histórico EN VIVO de uno de los músicos de blues más importantes de la actualidad! Definitivamente, hay algunas fuertes influencias de GARY MOORE, STEVE RAY VAUGHN y ERIC JOHNSON en BONAMASSA, pero este tipo tiene su propio estilo al 100 %. Es un virtuoso de la guitarra y la voz tiene fuertes influencias de ERIC JOHNSON, eso es obvio. ¡pero la combinación inteligente que está haciendo BONAMASSA es más que impresionante! En este álbum, podemos descubrir al 100 % el enorme potencial de Joe Bonamassa, ¡y el fruto de su talento musical es impresionante! ¡Gran sonido en vivo en este álbum, gran trabajo de guitarra, voces sensacionales, una gran banda alrededor del hombre principal de la banda, un gran ambiente en vivo y un público que está fascinado por el talento increíble de este gran artista! ¡Absolutamente impresionante desde la primera hasta la última nota! ¡OBRA MAESTRA, ESENCIAL, ATEMPORAL!

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Probablemente el de Todd Snider sea el mayor talento desconocido que

ha dado el country alternativo desde los noventa.

Inicia su carrera en Santa

Rosa, California, como armonicista de bandas del tres al cuarto hasta que

ve en un local tocar a Jerry Jeff Walker en solitario y se da cuenta de que ahí está su futuro.

Gracias a la amistad con Keith Syke, amigo personal de John Prine, consigue que este le proponga abrir sus shows, sorprendiendo a la audiencia por su capacitad para la composición, siempre cargada de ironía, y para emocionar acompañándose solo de su guitarra.


Justamente es el carácter satírico de

muchas de sus letras el que provoca

193 Todd Snider que destaque por encima de otros gracias a la canción «Talkin‘ Seattle Grunge Rock Blues», evidente parodia de uno de los grandes movimientos

de la década.

Un tema que, por cierto, se añadió a posteriori a su primer disco, Songs of the Daily Planet (1994).



Tras un debut que cumplía con los parámetros del llamado Americana, se inclina más hacia el bluegrass y el folk-rock en Step Right Up (1996), para regresar al rock americano con Viva

Satellite (1998).

Catorce discos lleva a sus espaldas cuando en 2013 salda una deuda con su inconsciente mentor al editar Time as We Know It: The Songs

ofJerryJeffWalker, una maravilla de disco.

Ese mismo año se embarca en

Hard Working Americans, una súper banda de country alternativo en la que le acompañan miembros de Widesperad Panic o el mismísimo Neal Casal, y en 2016 publica su segundo disco, Rest in Chaos. 


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miércoles, 8 de noviembre de 2023

LA MALDICIÓN DE LOS “ONE HIT WONDER” 9


“Ice Ice Baby" fue la primera canción de rap en llegar al top ten de las listas  mejores canciones de One Hit Wonder de todos los tiempos. También fue la primera canción de rap en ser platino. La canción también fue lanzada como sencillo y en otras formas de medios, lo que significó que millones de personas escucharon y les gustó la canción. Esta canción estableció firmemente a Vanilla Ice como un icono de la música rap. 


Vanilla Ice…baby! Vaya personaje.


Robert Van Winkle es el protagonista de nuestra canción , este rapero emergió como una estrella fugaz a finales de la década de los ochenta y con su álbum: To the Extreme (1990) vendió decenas de millones de copias a escala mundial. Ha continuado sin tregua su búsqueda musical, la que lo ha llevado desde el rap hasta el nu metal.

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Después de lanzar dos discos en solitario mediocres y poco imaginativos (Blunderbuss y Lazaretto), Jack White aún no había demostrado que es tan innovador/creativo como se retrata a sí mismo y como lo fue durante su primer momento en The White Stripes, este álbum es Mr. White finalmente logrando eso.

Desde la primera vez que escuché el primer sencillo (Connected By Love/Respect Commander) hasta ahora, realmente no puedo encontrar mejores palabras para describir este álbum que es jodidamente bueno, que en solo 44 minutos, Mr. White ofrece una gran mezcla de géneros (el más destacado es el blues rock, obviamente) que van desde Vocal-Jazz a Electro-Funk y Hard Rock y extrañas partes electrónicas que se complementan muy bien, y pistas como Hypermisophoniac y Ice Station Zebra son un gran ejemplo de eso.

En general, es un álbum increíble y sinceramente creo que vale la pena tu tiempo.

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martes, 7 de noviembre de 2023

1973’s #1 UK ALBUM



3.11.1973-7.12.1973 


Este es esencialmente un álbum de los favoritos de Bowie del período 1964-67; mientras todavía vivía en Londres y participaba activamente en la vida nocturna y en la escena de los clubes. Aunque disfruté de las interpretaciones de Bowie, el período es un poco demasiado pronto para mí, lo que obstaculizó un poco mi disfrute, aunque siempre me ha gustado Sorrow, que debe haber sido mutuo, ya que Bowie a menudo lo tocaba en vivo. La mayoría de las veces, estos "álbumes de versiones " se esconden para nada, sin embargo, Pinups bien vale la pena una oportunidad.

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA



“Driver's Seat" fue su single de éxito en la primavera de 1979, que se tocaba constantemente en la radio en ese momento.

Y Fickle Heart fue su álbum de debut, que también pudo colocarse en las listas alemanas.

Lo que sonaba un poco extraño para los oídos alemanes simplemente significaba "corazón melancólico".


Un hermoso disco, un poco melancólico en su estado de ánimo básico y, sin embargo, siempre casual.

Muy relacionado con los Dire Straits y a veces también recuerda a Bob Dylan.

No todas las canciones eran golpes de genio, pero además del abridor "Driver's Seat", al menos la siguiente y grandiosa "New Lines on Love" y toda la segunda cara del LP con "Fight for Love", "The Thrill of It All", "Slide Away", la maravillosa balada silenciosa "Last Dance" y la famosa canción final "Looking for You" se quemaron profundamente en mi memoria. 

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lunes, 6 de noviembre de 2023

1972’ s # 1 USA ALBUM

1.1.1972-22.1.1972 


Cuando se lanzó este álbum, se consideró una especie de anticlímax, porque la gente simplemente se dio cuenta de que no era Tapestry. Por supuesto que no lo fue, y lo que es más respetable es que Carole King obviamente no quería hacer otro tapiz en el sentido del mercado pop.

Al parecer, no consideraba a Tapestry un álbum de éxito en absoluto.

Era un álbum lleno de música de Carole King, así que decidió darle al mundo un poco más.

En lugar de repetir la fórmula de, no solo Tapestry, sino también Writer, que incluye un par de interpretaciones de canciones escritas por ella misma pero que se hicieron famosas por otros artistas, lanzó doce nuevas canciones propias.

Seguramente fue más que suficiente. El público compró este álbum al número 1 en los EE. UU., pero los críticos no estaban contentos.

???

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DISCO CLASICO DE ROCK DEL DIA

Ella tiene la voz perfecta para este tipo de música. Es un tipo de pop folclórico melancólico pero melódico. Tiene cuerdas, tiene percusiones, tiene una sensación aireada y polvorienta. Es un poco glamoroso, pero no fatalista. “Goners” presenta a un cantante y compositor capaz de crear un ambiente atractivo mientras crea canciones accesibles.


Goners es el mejor álbum de la cantante y compositora de Portland Laura Gibson. Tanto íntimo como exuberante, este conjunto de canciones melancólicas me sumbro a su mundo de guitarra acústica elegida, orquestaciones de cámara sutiles y las propias voces de Gibson. De vez en cuando, las canciones en sí no están a la altura del estado de ánimo general, pero la mayoría de estas piezas tienen momentos de distinción que las distinguen y me atraen más.

Goners es encantador de principio a fin. 

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