50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS 68 (Quincenal)

Hace 50 años el dúo de escritores y productores, Kenneth Gamble y Leon Huff, junto con su colaborador Thom Bell, fundó Philadelphia International Records, uno de los sellos más influyentes de la década de los setenta.

Dos años después de su creación, Philadelphia International era la segunda empresa de propiedad afroamericana más grande de Estados Unidos, justo detrás de Motown. A fines de 1974, Kenny Gamble, Leon Huff y el coeditor Thom Bell se convertían en los productores de pop y soul más dominantes, con más de 20 éxitos. en las listas de ese año . Basada en los talentos rítmicos de los músicos de sesión de Sigma Studios, que tuvieron un éxito propio como MFSB– #1 en España en 1974 con su single TSOP (The Sound of Philadelphia) y #15 con Sexy en 1975- el sello, que procuraba equilibrar letras sociales con música de baile y canciones románticas, se consagró con Me and Mrs. Jones (#15 España 1973), una historia de infidelidad a cargo de Billy Paul.

¿Qué más podría hacer el incomparable guitarrista de jazz Bill Frisell aparte de ramificarse en la música del mundo? La fusión en The Intercontinentals funciona bien: la música es brumosamente bonita y el estado de ánimo hipnótico, todo interpretado por excelentes músicos de varios países y tradiciones diferentes que trabajan muy bien juntos.

Así que esta es Mary J. El debut de Blige. Estas canciones pertenecen al género de New Jack Swing. Una mezcla de R&B, Funk y tempo Hip-Hop. Creo que es una buena descripción del sonido de este álbum. Si escuchas una o dos pistas, básicamente entiendes lo que está pasando aquí. Claro que algunas cosas se producen de manera diferente, pero todas estas son más o menos pistas en las que Blige se desmaya sobre bucles de batería funky y ritmos puntuados por cuerdas de sintetizador.

Me gusta Barry White y esas cosas, pero realmente no me está dando demasiadas novedades aquí para asombrarme. Sí, disfruto mucho de la exuberante orquestación y del ambiente sensual que crea la música, pero después de un tiempo puede ser un poco agotador/igual. Por lo general, no tengo mucha queja cuando Barry alarga una canción más allá de  7 minutos de duración.

Aunque este álbum tiene quizás las mejores canciones de Croce, el álbum en su conjunto es más débil que sus dos primeras.

Croce es uno de los mejores compositores de la historia, y es una pena que muriera a una edad temprana. Es uno de los grandes de todos los tiempos y creo que eso se habría demostrado aún más si hubiera vivido...

"Chameleon" es una de las canciones más reconocibles de Herbie Hancock, también conocida fuera del mundo del jazz. Es un gran ejemplo de la gran versatilidad de Hancock, con su mezcla mundial de funk, jazz y música beat que complace a muchos más que solo cabezas de jazz. Moviéndose en otras direcciones que su trabajo anterior de hard-bop, "Head Hunters" es su primer álbum con su alineación de bandas funky, los Head Hunters, que tienen una gran cantidad de material rítmico, en oposición a algunas otras bandas de jazz. Este es sin duda un disco de jazz de sonido abierto, que te invita a escuchar un lado funky y fresco del Sr. Hancock y sus amigos. 

Pulsa aquí

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

La pequeña orquesta pop reunida en torno al talento de Stuart Murdoch ahora parece poseer la quid extra que se necesita para liberarse del papel de oscuro objeto de culto en el que había sido consagrada por los dos primeros álbumes magníficos, Tigermilk y If You're Feeling Sinister, y un puñado de grandes EP.

Las canciones están a la par, aunque un poco más calibradas y menos folclóricas, con las de las obras mencionadas, pero los colores orquestales, a medio camino entre Gainsbourg y Love, con tímidos toques de bossanova y el curioso experimento de lounge-jazz de A Space Boy Dream firmado por el bajista Stuart David, abren nuevos horizontes. Para muchos es el álbum de descubrimiento: los principiantes pueden contar con la pluma de Murdoch, que incrusta cuentos en miniatura suspendidos entre la melancolía y la ironía e intrigantes como no se ha visto desde los Smith, y con un grupo que sabe cómo hacer de la simplicidad (melodica y armónica) un arma mortal. Así lo atestigua el irresistible Sleep The Clock Around, el toque de pintura electrónica suave, la pista del título bailable e ingenua, la vaporosa Ease Your Feet In The Sea. Un espléndido estallido de antaño incrustado en el presente. 

Pulsa aquí

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Stephin Merritt es un puto genio. Y esta es la prueba viviente de esa cualidad tan fácil de dar. Tal vez no sea tan conocido como otros "héroes" falsos contemporáneos, y esto se debe a la injusticia eterna que devasta nuestro mundo. La injusticia que reduce a las cenizas cualquier cosa proyectada en la parte posterior del mercantilismo vacío e inerte. Para su sexto álbum, liderando The Magnetic Fields, sacó 69 pistas de su manga para construir un álbum triple que es un elogio al exceso, el humor, el sarcasmo, la pasión... todos los temas que rodean los suburbios del amor roto, agrio, devoto y sufrido durante mucho tiempo. Un álbum que no se recomienda a todos esos corazones de piedra, metalheads inconscientes, chicas mimadas y cualquiera que nunca se haya rendido a las lágrimas. Para el resto del mundo, 69 Love Songs es la puerta de entrada a un mundo mágico donde el pop se arregla dulcemente, está amueblado con electrónica, a veces sin coser, algunas otras terminadas con dedicación, y siempre redondeada en melodía, letras y simplicidad. 

Pulsa aquí 

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Imagina poner a Syd Barrett a vivir en un gueto en alguna metrópolis estadounidense y hacerle sentir, intensamente, rap, hip hop e incluso un indicio del legado actual de las Madres Zapianas, combinado con buenas dosis de música de raíces. En Beck Hansen (Los Ángeles, 1970, hijo del arte) el gusto por la psicodelia y la gente desconcertada encuentran una encarnación emocionante. En general, a raíz del pop del autor, el que con el tiempo ha generado talentos en este lado y al otro lado del océano (algunos nombres: Costello, Bacharach, Hazlewood), hay un interés sin precedentes en las herramientas artesanales de la tecnología, especialmente las analógicas. 

Pulsa aquí

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

 

Había estado escuchando mucho jazz y mucho funk, y de repente Herbie hace esto y lo pone todo junto. Desde las notas iniciales de la línea de bajo hasta Chameleon, posiblemente la línea de bajo más funky de todos los tiempos, y cuando Harvey Mason comienza a tocar la batería con una sensación tan increíble, este disco parecía inevitable ser una obra maestra

Escuché por primera vez a Head Hunters revisionando discos de jazz de un libro que tengo y fue como si me hubieran lanzado una bomba

Pulsa aquí

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Un asunto difícil, determinar cuál es el álbum más significativo de la corta pero intensa historia de la Bauhaus. Al final, al menos en lo que a nosotros respecta, este último trabajo apareció antes de la disolución, que sin tomar una posición decisiva salta brillantemente entre todas las fases creativas del conjunto británico, desde el gótico más obsesivo hasta el decadente, sin olvidar ciertas sugerencias psicodélicas. Es quizás el capítulo menos "de llamas" de la discografía de Peter Murphy y sus compañeros, Burning From The Inside, pero es sin duda el más ecléctico y el más maduro; y, por lo tanto, también es el más adecuado para hacer que la gente entienda las razones del auténtica aura de leyenda que rodea a la banda, incluso si en la repertorio tiene como única canción "clásica" el sencillo She's In Parties.

Pulsa aquí

DIRECTISIMO 46

Este álbum tiene todos los ingredientes, grandes canciones de Los Lobos, y la banda siempre es excelente. Es solo que todas estas canciones han sido capturadas en otro lugar antes. Los Lobos es un excelente grupo en directo. Lo mejor de todo es cuando despegan en una carrera prolongada de sus canciones como lo hacen aquí para "Tin Can Trust". Los valores de producción en este tema son donde esto sufre un poco. Es un poco pesado en bajo y batería.

Si no tienes experiencia con esta banda, vale la pena escucharla para una introducción a su música. 

Pulsa aquí

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Los B-52 son un grupo muy interesante. Son un poco aleatorios en su sonido, lo que me gusta, y esto se muestra bien en "Cosmic Thing", la canción de apertura. El hecho de que usen tanto un grupo de voces femeninas como masculinas realmente les permite destacar, especialmente cuando la voz masculina solo está cantando cosas aleatorias como "Canal Z". Tienen una pista de rock alternativo más tradicional en 'Roam', muy pegadiza pero suave en comparación con las otras pistas destacadas. Luego tienes 'Love Shack' su pista de baile alternativo, es súper pegadiza y la banda realmente brilla en esta con todas las voces y lo instrumental, con el solo de guitarra que conduce a las trompetas, luego el estribillo de "bang bang bang on the door" es simplemente fantástico, ya que se acumula lentamente hasta el coro final, es básicamente una pista perfecta. Así que esos fueron los aspectos más destacados, había un par de pistas buenas, y otras para los mas fans 

Pulsa aquí

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Desde mediados de la década de 1960, los cantautores han grabado álbumes que no solo cuentan con folk rock, sino que también combinan el folk rock con otros subgéneros de rock clásico como el blues-rock, el country rock, el soft rock y la fusión jazz-rock. Jim Croce (1943-1973), al igual que sus contemporáneos Joni Mitchell y James Taylor, tuvo un enfoque realista para escribir y grabar folk rock y casi nunca abrazó la estética psicodélica-rock de sus contemporáneos de Woodstock.

Su voz era la más adecuada para el folk y el folk rock, oliendo por un sonido acústico que lo colocara en primer plano.

Su enfoque de la fusión folk-rock, sin embargo, se distinguió por su uso de elementos de rock barroco, blues-rock y soft rock. 

Croce murió en un accidente aéreo después de dar un concierto en la Universidad Estatal de Northwestern en Natchitoches, Luisiana. I Got a Name, lanzado póstumamente, se convirtió en el número 2 en el Billboard 200.

La canción principal fue la número 10 y 4, respectivamente, en la lista Billboard Hot 100 y Easy Listening de Billboard. "Workin' at the Car Wash Blues" fue el número 32, y su balada folk-rock, "I'll Have to Say I Love You in a Song", fue el número 9 en el Billboard Hot 100.

Pulsa aquí

CLÁSICOS DEL ROCK 106

Irremediablemente el álbum más conocido de la escena punk inglesa, el único trabajo oficial de los Sex Pistols es la mejor evidencia de que la actitud no lo es todo y muestra parte de las limitaciones del género, partiendo por una discreta interpretación y una alarmante falta de ideas a la hora de componer canciones. Prácticamente todo suena igual con el agravante de que muchas canciones se extienden innecesariamente rompiendo la barrera de los 2 minutos, esa especie de regla que por suerte casi todos los grupos punk siguieron. Luego está la voz de Johnny Rotten que por momentos se hace insoportable y por último y a pesar de ser uno de los primeros grupos del movimiento el álbum recién se editó en Octubre del 77, casi un año después de su primer single y cuando la mayoría de los grupos de la primera oleada punk ya tenía sus discos en la calle y la moda ya estaba saturando a todos, por lo que este ‘Never Mind’ es casi una despedida del lado más visible y caricaturesco del punk.

Nos encontramos ante un gran disco, eso es indiscutible. Siendo un poco objetivo, e independientemente de que agrade o no el estilo escogido por la banda, el trabajo que hay detrás de "Operation: Mindcrime" es muy notable. Ahora bien, no considero el álbum como uno de los puntales del progresivo. Hay mucho de Pink Floyd, de Yes, incluso de Marillion dentro de las canciones. Quizá ese pequeño punto de no originalidad es lo que me hace no darle la nota máxima.

Cuando la mayoría de las bandas hacen álbumes largos, utilizan el espacio extra para ser experimentales, para probar nuevos estilos musicales o nuevas ideas musicales, para ampliar qué tipo de música son capaces de hacer. Oasis solo utiliza el espacio extra para hacer que sus coros sean lo más grandes posible. Desafortunadamente, su idea de ir a lo grande es estirar sus canciones para que sean lo más largas posible sin hacerlas más interesantes.

El debut de la banda, originaria de Limerick, Irlanda, golpeó inmediatamente al público y a la crítica. Bajo el patrocinio de un glorioso sello como Island, en 1993 The Cranberries ganaron gran visibilidad gracias a canciones históricas como Dreams, Linger e I Will Allways. La propuesta musical incluía una mezcla de pop de ensueño y rock alternativo, con un componente de folk gaélico y tradiciones irlandesas. Las atmósferas y la voz de ensueño de Dolores O'Riordan, con su reminiscencia parpadeante de Morrisey y Bjiork, pero con mucha más gracia de composición, fueron la clave del éxito. Vale la pena mencionar Put me down, una canción que cierra el álbum y recuerda Morricone.

Jimmy Smith no fue el primer organista en jazz, pero nadie tuvo una mayor influencia con el instrumento que él; Smith persuadió un tono rico y grooving del Hammond B-3, y su sonido y estilo lo convirtieron en uno de los mejores instrumentistas en los años 50 y 60, mientras que varios teclistas de rock y R&B aprenderían valiosas lecciones de él.

Me gusta mucho Blue Cheer (especialmente su innovador debut), pero este lanzamiento homónimo no es muy bueno en absoluto. Dejan sus raíces originales de heavy blues/heavy psych y lanzan este álbum de hard rock comercial y más basado en el pop. No puedo decir que disfrute tanto de ninguna de estas canciones. En realidad, ninguna de las canciones es mala, pero son tan mansas y básicas. 

Pulsa aquí

1968’s # 1 UK ALBUM

Soy de los que siempre han pensado que hubiese sido un disco simple maravilloso,que queda lastrado por media docena larga de temas que,sin aportar nada,pesan negativamente a la hora de enjuiciarlo en conjunto.

Y,sí,ya sé que muestra de manera más completa todas las facetas del grupo y bla,bla,bla, pero me resulta un poco irritante que verdaderas glorias se mezclen con temillas de segunda división.

Dicho esto es el típico disco del que merece la pena hacer el track rating para ver por donde van mis preferencias.De lo excelente a lo flojillo,en esta especie de obra criada a lo Juan Palomo por cada uno de sus miembros. ¿El ganador? Lennon sin dudar.¿La decepción? Harrison que sólo coloca un tema a la altura de sus capacidades. 

Pulsa aquí

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Blue Cheer es una de las bandas psicodélicas más punk de los años 60. Superaron a otras bandas de garage rock de la época, como Seeds and Question Mark y The Mysterians, y crearon un sonido que no se duplicaría en ese período ni en las décadas siguientes. Con sede en el Área de la Bahía de San Francisco, eligieron un nombre, como muchos grupos de punk y new wave harían una década más tarde (por ejemplo, Red Kross, Salvation Army, the Germs, and the Vibrators), que tenía un doble significado en la cultura de consumo en expansión. En su caso, Blue Cheer era el nombre de un detergente para ropa, así como un código para una variedad de LSD que estaba disponible en San Francisco. 

Pulsa aquí

1964’s # 1 USA ALBUM

Este es un gran álbum de los primeros Beatles con algunas canciones increíblemente optimistas. Me parece increíble que los Beatles pudieran salir a escribir grandes canciones que todavía tenían la sensación de, bueno, sí, eran canciones escritas como éxitos pop, pero las canciones aún así lograron mantener su integridad musical. Ahh, si tan solo la música moderna pudiera hacer lo mismo. Este álbum tiene grandes canciones, desde la divertida y popular "A Hard Day's Night" hasta la más suave y armoniosa "If I Fell", que personalmente me encanta. En resumen, un gran álbum, aunque no es uno de los mejores álbumes de los Beatles, sigue siendo una gran escucha. 

Pulsa aquí

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Barry White fue un auténtico ciclón en esa primera mitad de los 70, continuador de los renglones ya escritos por Marvin Gaye e Isaac Hayes, en muchos casos su temática no se aleja realmente de la de esos dos gigantes del soul. Lo que si puede que les distinga es la patente que Barry White tiene registrada para rozar sin disimulo el cuerpo de la pareja de baile, permitir el magreo y calentar al personal.

Por destacar un solo tema (no, no mencionaré los más conocidos), "I Can´t Believe You Love Me", 10 minutos y 23 segundos de auténtico trailer soft-porn, tenues las luces de las velas, las sábanas de obligado satén rojo, las bocas, todo es hambre.

 Pulsa aquí

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Nadie, pero nadie, ha trabajado el órgano Hammond tan duro como Smith.  Es el rey indiscutible del órgano de jazz, definiendo el sonido del 'soul jazz' a lo largo de la década de 1960.  Su trabajo con arreglistas como Oliver Nelson representa el pináculo comercial de su larga carrera.  Este álbum es uno de los muchos del sello Verve que fue genial para meterlo bajo el brazo y llamarlo tuyo.  Las versiones suaves de 'C-Jam Blues', 'Satisfaction' y 'Hi Heel Sneakers' complementan los originales como otra forma completamente diferente de tocarlos.  

Pulsa aquí

SALÓN DE LA FAMA 23 (2008)

José Sánchez y Antonio Martínez 

Los incluidos para 2008 son pioneros, todos únicos e influyentes en sus generos", comentó el presidente de la fundación Joel Peresman. "Desde la poesía al pop, estos 5 artistas demuestran la rica diversidad del rock & roll. Estamos orgullosos de reconocer a estos artistas y celebrar su contribución a la situación en la que está el rock and roll en nuestra cultura".Los artistas elegidos son: Leonard Cohen,The Dave Clark Five, Madonna,John Mellencamp,The Ventures .

El Rock and Roll Hall of Fame también anunció la elección de Little Walter en la categoría "sideman", y anunció el Ahmet Ertegun Award para productores.

Entre los artistas que habían sido propuestos y que tuvieron que esperar: Beastie Boys, Donna Summer, Chic y Afrika Bambaataa.

Sin embargo, desafortunadamente, tras una inspección más detallada de la votación, el Salón debió responder una vez más a las crecientes acusaciones de elitismo racial gracias a una clase de artistas principales totalmente blancos y, de manera más reveladora, quién fue rechazado a su favor. No parece coincidencia que los cuatro artistas nominados que no alcanzaron la inducción sean negros (Chic, Donna Summer y Afrika Bambaataa) o que sean los raros artistas blancos que actúan en un estilo negro del 99 % (The Beastie Boys).

Pulsa aquí

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Es imposible quedarse indiferente con los Cranberries.  Dolores O'Riordan tiene una voz que te irrita como un loco o te encanta hasta la sumisión .  Mezclando su expresivo canto a la tirolesa con el sonido de la guitarra de U2, la banda no podía fallar.  Quedan fuertes elementos folclóricos, debido al gorjeo celta de ensueño de O'Riordan.  En los EE. UU., donde la música irlandesa siempre encuentra un gran favor, eran grandes en Estados Unidos antes de que el público británico realmente se diera cuenta.  Este álbum pasó 130 semanas en las listas estadounidenses y vendió más de cinco millones de copias allí. 

Pulsa aquí

SUREÑOS DEL NORTE AL SUR 104 (Quincenal)

Mariachis como Mariachi Rock-O y Mariachillout, han sorprendido a propios y extraños con sus covers a The Cure, Queen, Rolling Stones, Morrisey, Mago de Oz, The Beatles o Mano Negra; Metalachi se ha puesto a la cabeza de los ritmos extremos, interpretado a Guns N’ Roses, Metallica y Led Zeppelin, convirtiéndose en un fenómeno de la costa oeste en Estados Unidos debido a la mezcla de ritmos, sonidos e instrumentos que parecerían como el agua y el aceite.

La admiración por la figura bragada del mexicano con pistola en mano y a caballo, ha llevado a directores de cine como Quentin Tarantino y Robert Rodríguez a elegir canciones para que formen parte de la banda sonora de sus películas, así quedó plasmado en “Kill Bill 2” con “La Malagueña”, interpretada por el grupo Chingón, o el “Mariachi Suite” con Los Lobos y Antonio Banderas en la cinta “Desperado”

Declarada como patrimonio inmaterial de la humanidad en 2011 por la UNESCO, la música de mariachi es un rasgo identitario de la cultura mexicana a nivel mundial, que ha sabido conjugar su sonido de manera versátil no sólo con el rock, también con el tango y la música clásica.

Pulsa aquí

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DIA

Irrumpiendo en el Top 100 siguiendo los pasos de sus superiores predecesores, Be Here Now representó más de lo mismo en un año en el que Oasis no podía equivocarse.  El hecho de que su tercer álbum derivado de los Beatles mostrara una progresión musical insignificante no hizo mella en sus ventas ni afectó la cálida recepción inicial de la crítica.  Hecho a medida para la audiencia del estadio, incluso las mejores pistas: 'Stand By Me', 'It's Gettin' Better (Man!!)', 'D'You Know What I Mean?  y la canción principal, luchó en comparación con el trabajo anterior de la banda.  La reacción popular no se hizo esperar y si incluso sus fanáticos más acérrimos calificarán Be Her Now tan alto dentro de cinco años sigue siendo extremadamente dudoso. 

Pulsa aquí

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

La pista de apertura 'Leave A Message' es un gancho inmediatamente intrigante para el oyente.  Una serie de mensajes del contestador automático sobre un ritmo de tambor funky no falla, aunque la mayoría de las personas que llaman insisten en decir "paz" en lugar de "adiós" al final de cada llamada.  El artista aparece por primera vez en la pista dos y mantiene el control a lo largo de What's the 441?.

Álbum urbano de R&B/soul de alta calidad.  Muy comercial, sin embargo, nunca se hunde en la insipidez de otros artistas pop femeninos de los 90.  Temas como 'Real Love' se prestan más a lo mejor de los flirteos pop de Aretha Franklin que al R&B de los 90.  Blige es la heredera aparente de Aretha. 

Pulsa aquí

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Este álbum conceptual de primer nivel cuenta la historia de un genio, un drogadicto y una chica de la calle y su alienación de la sociedad de los 80. Guitarras en capas, voces operísticas

Y las orquestaciones de Michael Kamen le dan a todo un toque grandioso y épico, pero esta es una bestia rara: un álbum de metal de los 80 que pone la canción, o, más específicamente, la historia, en primer lugar y deja que todo lo demás vaya a un segundo plano.

Un "álbum temático sobre la manipulación a través de las drogas y los medios de comunicación", antes de venderlo al resto de la banda. Pero el guitarrista Chris DeGarmo fue el único otro miembro de la banda que compartió el entusiasmo del cantante y Tate tuvo que persuadir a cada uno de los otros tres de forma individual.

Con el mejor estilo de narración, Queensrÿche deja que el oyente se decida por sí mismo sobre la conclusión. 

Pulsa aquí

DIRECTISIMO 45

Grabado en vivo a fines de 1965, el debut de los Blues Project es un enérgico álbum de versiones de Willie Dixon, Muddy Waters, Bo Diddley y Chuck Berry, los mismos nombres que se repiten invariablemente en el repertorio de casi todas las jóvenes bandas que comenzaron a mezclar el blues con el rock. Canciones como “Spoonful” y “Who Do You Love” están tocadas con vigor pero entre tanta versión disponible no es difícil encontrar alguna superior. Teniendo en cuenta el año en que fue grabado, al álbum tiene una calidad de sonido aceptable y pese a que el grupo se muestra instrumentalmente competente, no están en la misma categoría que la otra banda fundamental en la consolidación del blues rock del período (Butterfield Blues Band). El par de acercamientos al folk en los temas de Eric Anderson y Donovan es un claro síntoma de que los Blues Project eran más eclécticos de lo que su nombre puede insinuar, lo que queda reflejado en su siguiente álbum Projections, donde alcanzan la madurez al incluir sus propias canciones a la vez que comienzan a sumar diversas influencias a su base de blues. 

Pulsa aquí

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

De la misma manera que Sgt Pepper... y Revolver están grabados en piedra en la cúspide del género pop/rock, este hito destaca por encima de cualquier otro álbum punk de su tipo.  Visto por algunos snobs en ese momento como analfabetos musicales, la leyenda de los Pistols sigue siendo tan fuerte como siempre.  La música contrastaba tanto con lo que habíamos estado disfrutando anteriormente que era inevitable una reacción violenta.  Este seguirá siendo un clásico porque no pasará de moda.  El poder de pistas como 'Pretty Vacant' o 'No Feelings' es tan fuerte como lo fue en 1977. Afortunadamente, este disco fundamental no se ha suavizado con el tiempo. 

Pulsa aquí

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Bill Frisell es uno de los hombres más prolíficos y trabajadores del negocio de la música.  Aunque de la escena del jazz de la década de 1970, hace un tipo único de música estadounidense en sus propios álbumes y contribuye con sus habilidades para tocar la guitarra a casi todos los que le preguntan.  Un hombre tranquilo y tímido, parece tan preocupado por cómo se ven sus lanzamientos como por cómo suenan, y ha sacado algunos álbumes interesantes y bien diseñados.  Para este lanzamiento nominado al Grammy (a la Mejor Música del Mundo), la agencia de diseño con sede en Nueva York desde hace mucho tiempo, Doyle Partners, usó una foto de un amplificador antiguo (de un fotógrafo comercial y del New York Times) en la portada del folleto y un  plataforma de discos en una funda exterior de cartón para transmitir la idea de que aquí hay un álbum que se trata solo del sonido, no de las personas que lo hacen.  Como de hecho lo es, la música es clara, relajada e intrigante con la guitarra acústica quejumbrosa de Frisell entrelazada con la calabaza y el djembe de Sidiki Camara. 

Pulsa aquí

CLÁSICOS DEL ROCK 105

Ritchie Blackmore, Cozy Powell y Ronnie James Dio en el mismo disco, respaldados por Jimmy Bain y Tony Carey. Con semejante presentación queda bastante claro que este no es uno de esos discos del montón, de usar y tirar. Ésta es sin duda una formación irrepetible en estado de gracia.

Una intro espacial nos da la bienvenida, antes de noquearnos con la increíble "Tarot Woman" (personalmente una de mis favoritas de todos los tiempos). Un tema épico, con el teclado creando diversas átmosferas, unos grandes arreglos de guitarra y una base rítmica que cabalga durante todo el tema. El siguiente corte es "Run With the Wolf" más directo que el anterior pero igualmente efectivo, donde particularmente creo que destaca Powell con una gran labor a la batería. Un riff divertido y adictivo nos introduce a "Startruck" dónde la voz de Dio juega un papel importante. Otra pieza destacada sin duda y una de mis favoritas. "Do You Close Your Eyes" es una canción simple, pero pieza fundamental en directo, porque si éste es un disco legendario, la gira que le sucedió no lo fue menos.

Uno de los clásicos justificados de la escena de San Francisco, con todas las influencias folclóricas, voces quejumbrosas, pistas de guitarra mordaces y teclados de ensueño que hicieron que esa escena fuera tan especial. Además de una gran cantidad de referencias a drogas y comentarios políticos irreverentes. Escuchando esto, es fácil imaginarse a sí mismo en el Matrix Club o en el Avalon Ballroom en 1967, viendo el espectáculo de luz líquida mientras espera ansiosamente que el ácido que acaba de ingerir finalmente produzca ese avance mítico / místico de la Ilustración.

Cuando Ultimate Spinach llegó a escena en 1968, creo que nos divertía tanto el nombre como la gente de hoy. No tener una exposición entre las cuarenta mejores y con FM bandas de conocimiento apenas existentes como esta era más boca a boca o bombo que nada. Las mejores canciones son "(Ballad of the )Hip Death Goddess", "Your Head is Reeling" y "Ego Trip". Todos comparten el estilo de un riff repetido rodeado por varios instrumentos que tocan en torno al tema principal. Hay varios momentos que imitan vergonzosamente a Country Joe and the Fish, pero podrían haber estafado peor. Un buen álbum para escuchar de vez en cuando.

Aunque habían estado disfrutando de éxitos menores desde principios de los años sesenta, el verdadero avance de los O'Jays fue con el álbum Backstabbers, el primero con el equipo de producción y composición de canciones de Gamble and Huff. Cuenta con la exitosa pista del título, así como el éxito número 1 de Billboard "Love Train", y se considera uno de sus mejores esfuerzos.

Aunque todo el álbum se puede escuchar, realmente no hay mucho que pueda competir con los éxitos: "Backstabbers" y "Love Train" son fácilmente las pistas más maravillosas aquí, ambas son el tipo de pop clásico que se imprime indeleblemente en la mente del oyente, y son casi demasiado fáciles de disfrutar.

Cuando se lanzó este primer álbum de la banda de Keef Hartley, el propio Hartley ya había ganado cierta fama debido a su trabajo con artistas como John Mayall. Halfbreed es un disco bastante fuerte lleno de impresionante material de blues rock. El álbum también incluye muchos elementos de jazz-rock y también algo de psicodelia aquí y allá. Pero sobre todo este álbum es un disco de blues rock y, de hecho, es muy bueno.

Peace Sells es el álbum de Megadeth mejor definido, los discos producidos desde la década de 2000 están en esta línea, es decir, un heavy metal que gira entre la agresividad del thrash y el hard rock. Y este Megadeth simplemente me molesta, tenemos la sensación de que nunca despega, y Mustaine puede ser regularmente insoportable en su postura cínica.

"Rust in Peace" definitivamente sigue siendo una excepción increíble en una discografía insípida al final. Queda la portada de Repka, muy exitosa.

Pulsa aquí

1968’s # 1 UK ALBUM

Cuando los Hollies, uno de los mejores y más exitosos actos de pop/rock de la invasión británica, comenzaron a grabar en 1963, confiaron en gran medida en las portadas de R&B/rock & roll temprano que proporcionaron la dieta básica para innumerables bandas británicas de la época. Rápidamente desarrollaron un estilo más distintivo con armonías de tres partes (muy influenciadas por los Everly Brothers), guitarras de timbre y material de gancho, escrito tanto por escritores externos (especialmente por el futuro miembro de 10cc Graham Gouldman) como por ellos mismos, componiendo finalmente la mayor parte de su repertorio por su cuenta. Los mejores primeros discos de los Hollies evocan una alegría contagiosa y melódica similar a la de los primeros Beatles, aunque los Hollies no estaban en su clase ni demostraron una capacidad similar de crecimiento artístico. Sin embargo, intentaron facilitar un folk-rock algo más sofisticado y sonidos ligeramente psicodélicos a medida que avanzaba la década, especialmente en sus álbumes.

Pulsa aquí

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Con el mercurial Dave Mustaine dirigiéndolos, Megadeth de Los Ángeles trajo un elemento de volatilidad explosiva al Thrash. Si Metallica fueran los capos amantes de la fiesta de la escena, Slayer sus satanistas de dibujos animados y Anthrax sus bufones de la corte, entonces Megadeth eran sin duda sus salvajes delincuentes.

Que lograron hacer uno de los álbumes definitorios de la era del thrash en Peace Sells... - y una de sus canciones más inmortales en la canción clásica del título - es un logro. Que hayan logrado hacerlo sin matarse unos a otros o a sí mismos es nada menos que milagroso.

Peace Sells sigue siendo una de las pistas más icónicas de la era del thrash. Con su reconocible al instante

Línea de bajo y ranura rodante, diferencia a Megadeth del paquete de thrash. Líricamente, también, su visión ictericiada del gobierno y la religión prescindió del enfoque tradicional de las espadas y brujería del metal en favor de una visión del mundo más realista.

 Pulsa aquí

1964’s # 1 USA ALBUM

¡Hola, Dolly!" Fue un gran éxito para Louis Armstrong cuando se lanzó este disco. No es difícil saber por qué. Las fuertes especias de Nueva Orleans que él y los All Stars añaden a la canción la convierten en una grabación muy especial.

Las selecciones de canciones para el álbum son buenas. Aparte de la canción principal, el disco también contiene gemas como "A Kiss to Build a Dream On", "Moon River" y "Jeepers Creepers". Todas las canciones se balancean, ya que solo Louis puede hacerlas oscilar.

Louis and the All Stars están en forma rara en este álbum.

Gran conjunto de canciones populares y de Broadway. "¡Hola, Dolly!" Fue un gran éxito, incluso cuando los Beatles se estaban volviendo populares en Estados Unidos. "Blueberry Hill" fue grabada anteriormente (y mejor) por Armstrong, pero esta sigue siendo una versión sólida. Además, este es uno de los pocos álbumes de este tipo de este período que incluso suena muy bien en estéreo. La voz de Satchmo también está en gran forma. No es un mal momento aquí. 

Pulsa aquí

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Kenny Gamble y Leon Huff eran propietarios del sello Philadelphia International

Y escribió y produjo cientos de sencillos y docenas de álbumes.

El 2 de marzo de 1974 los encontró lanzando su propio sencillo. Reunieron a tres docenas de músicos de estudio más el grupo vocal femenino, The Three Degrees, para llenar los vacíos y lanzaron TSOP (The Sound Of Philadelphia) bajo el nombre de MFSB (Mother, Father, Sister, Brother).

Era una melodía suave, de ritmo rápido y funky. Alcanzó el número uno en la lista de sencillos pop de BILLBOARD MAGAZINE durante dos semanas, convirtiéndose en uno de los mayores éxitos de la historia de los sellos. 

Pulsa aquí

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Cuando se lanzó este primer álbum de la banda de Keef Hartley, el propio Hartley ya había ganado cierta fama debido a su trabajo con artistas como John Mayall. Halfbreed es un disco bastante fuerte lleno de impresionante material de blues rock. El álbum también incluye muchos elementos de jazz-rock y también algo de psicodelia aquí y allá. Pero sobre todo este álbum es un disco de blues rock y, de hecho, es muy bueno.

Halfbreed es un paquete muy consistente y todas estas siete canciones hacen su trabajo muy bien. Es bastante difícil elegir pistas destacadas porque todas las canciones son de alta calidad. El álbum más cercano "Think It Over - Too Much to Take" podría ser mi mayor favorito aquí, pero no tiene sentido elegir lo más destacado en el caso de este álbum.

Me gusta mucho este LP debut de la banda Keef Hartley.

Recomendado para todos los fanáticos del blues rock que hay. También los amantes del psicodelia y del rock progresivo podrían  probar este disco. 

Pulsa aquí

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS 67 (Quincenal)

En realidad, este no fue realmente un lanzamiento de Easybeats. Son George Young y Harry Vanda con varios seguidores. Wally Allen de The Pretty Things también fue una gran parte de este proyecto, lo que lo hace aún más interesante. Los dos hermanos AC/DC de George Young, Angus y Malcolm, también están aquí.

Es un sólido álbum de pub-rock, no muy diferente al último álbum real de Easybeats "Friends"

Hay algunas joyas reales aquí; "Natural Man" y "Shot in the Head" eran buenos sencillos y "Cry For Me" y "Silver Shoes and Strawberry Wine" son grandes canciones.

My Own Prison, el primer álbum de Creed, es estándar en concepto, pero intrigante en su ejecución. Grabada de forma independiente, esta banda hizo todo lo posible para ganar dinero además del escenario alternativo, pero con una distinción; letras de carácter humanitario y a menudo religioso. Aunque esto puede alejar a muchos oyentes potenciales a primera vista (y con razón), el resultado es un álbum sorprendentemente pesado, aunque superficial, tanto lírica como instrumental, del que puedes aprovecharte si eres un fan alternativo como yo.

El principal reclamo de fama de Nick Greenwood es ser parte del Crazy World of Arthur Brown, y los fanáticos de la escena de Canterbury también lo conocen como miembro del efímero grupo Khan de Steve Hillage, pero su único esfuerzo en solitario, Cold Cuts, no ha recibido ni remotamente la atención que ninguno de los otros dos ha disfrutado a lo largo de los años. Es una interesante mezcla de la dramática psicodelia de Crazy World y la marca triples de Canterbury en la que Khan se especializó, y aunque no es un clásico a nivel del debut de Crazy World, ni siquiera el único álbum de Khan, para aquellos que están en las oscuridades psicodélicas/Canterbury no es una completa pérdida de tiempo.

Un intrigante disco de cale que mezcla piezas de piano clásico en solitario, segmentos orquestales y algunos surcos de vanguardia caseros y rarezas que personas como Beck seguramente deben haber apreciado cuando sin duda los escuchó.

Oh, y "Days de Steam" es bastante encantador. Supongo que si estás interesado en escuchar un disco de Cale con muy poca voz, esta podría ser una buena opción.

Para algunos fans de sus primeros trabajos, este es realmente el punto de partida.

Logra despojar a su escritura de todos sus bordes puntiagudos para producir el primer Diamond festivalero soso.

Lamentablemente, el primero de muchos, todos los cuales sufren mucho por esa palabra "producir". Todo aquí, incluso esa voz que una vez fue maravillosa, se sobreproduce en un letargo hinchado y soporífico.

Tan insípido como la camisa repulsiva que lleva en la portada.

Básicamente escucharé cualquier álbum electrónico con una portada azul con la esperanza de que suene genial o acuático. Esto cumple ambos criterios, lo cual es genial, pero aún así necesita tener buenas canciones. Lo hace. One Night Stand es uno de los favoritos con los sintetizadores centelleantes y los ritmos y voces sumergidos. Lo mejor de este álbum es que parece que vas cada vez más profundo bajo el agua a medida que avanza. 

Pulsa aquí

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Buenas noticias primero: 

Back Stabbers es un álbum de soul de alta calidad y la etiqueta de "álbum histórico" que se ve a menudo está un poco justificada. Pero los O'Jays no están haciendo que eso sea demasiado fácil de reconocer. Quiero decir, el álbum comienza con "When the World's at Peace", que es musicalmente MUY básico funk. Eso puede significar muy bueno para otra persona, pero desafortunadamente, soy el tipo de persona que considera tanto la mentalidad cruzada como la búsqueda de nuevos terrenos mucho más interesantes y significativos que hacer lo básico. Además, "When the World's at Peace" se siente demasiado largo. Lo mismo se repite incluso con "Quién soy yo", que es un número más lento, pero no mejor. Todo el resto del álbum es muy bueno, incluso la duración de 6:09 de "992 Arguments" se siente bien, mientras que la canción real es lo suficientemente buena. 

Pulsa aquí

MIRANDO LAS ESTRELLAS 5. ÁFRICA

Nos gusta mirar de vez en cuando hacia África, también allí hay estrellas que nos iluminan. Tal vez no entraron en salones de fama, en premios grammy,  no tuvieron grandes audiencias, pero a muchos nos siguen tocando el corazón, nos hacen pensar o bailar. Nos contagian con sus ritmos, con su vitalidad y 

optimismo, con sus tambores de pasión.

Al ser un continente tan extenso y variado su música presenta una enorme diversidad y exuberancia, con un gran número de estilos musicales salidos de la tradición,  con influencias externas de Europa y América (góspel, blues, calipso, salsa...)

 La gran variedad de instrumentos musicales que utilizan: djembe, kora, xilófono, timbila...le da un sello especial.

En una tierra que sufre tantas carencias, pobreza, falta de libertades, discriminación de las mujeres, la música africana reivindica la unidad del continente para prosperar y los derechos civiles.

En esta selección se hace un homenaje a esos artistas, mujeres y hombres que ya no están entre nosotros, que fueron pioneros y dejaron un legado importante, una música viva y comprometida que sirve de guía para nuevas generaciones.

Pulsa aquí

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Cuando Ultimate Spinach llegó a escena en 1968, creo que nos divertía tanto el nombre como la gente de hoy. No tener una exposición entre las cuarenta mejores y con FM bandas de conocimiento apenas existentes como esta era más boca a boca o bombo que nada. Las mejores canciones son "(Ballad of the )Hip Death Goddess", "Your Head is Reeling" y "Ego Trip". Todos comparten el estilo de un riff repetido rodeado por varios instrumentos que tocan en torno al tema principal. Hay varios momentos que imitan vergonzosamente a Country Joe and the Fish, pero podrían haber estafado peor. Un buen álbum para tocar en ocasiones y alterar con el ligeramente superior Behold and See. 

Pulsa aquí

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Cuando escuché este album por primera vez pensé: la mezcla perfecta entre The Cure y Underworld, un nuevo camino para unir el pop con la música de baile. Convirtió a The Aloof con sólo un disco en uno de mis grupos favoritos. Aún así quizá el album peca de lo mismo que otros de esta época, querer aprovechar demasiado los 70 minutos largos de los cds.

Este fue probablemente el primer álbum de dance que escuché , no es que puedas bailar con ninguno de ellos, y es más como un álbum chill out, el juego distante a sus puntos fuertes cuando emplean las voces en sus canciones, cuando son solo instrumentales, las cosas se aburren muy rápido. Sin embargo, sigue siendo un álbum muy bueno con una batería particularmente excelente que estoy convencido de que está en vivo y no programado, ¿lo que seguramente sería la primera vez para un álbum de baile? 

Pulsa aquí

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Cuando este álbum apareció en abril de 1967 Jefferson Airplane recién habían sacado su exitoso Surrealistic Pillow y The Grateful Dead también habían lanzado su álbum debut, pero al lado de Electric Music For The Body and Mind ambos suenan bastante contenidos e inocentes.

Con Electric…, Country Joe & The Fish registra el primer álbum verdaderamente sicodélico de la escena de San Francisco. Aunque comparte las mismas influencias blues y folk rock de las bandas de esa ciudad, Country Joe Fish marcó una diferencia con respecto a la competencia partiendo por una notable producción en las que todos los instrumentos están siempre al frente, consiguiendo un sonido claro y potente que otros álbumes en un estilo parecido adolecen. Usando inquietantes teclados y guitarras punzantes y distorsionadas, arman un sonido en el que conviven breves canciones con largos y atmosféricos escapes sicodélicos, dejando siempre espacio para improvisar pero sin caer en los excesos. Es fácil encontrar defectos a este tipo de música tan ligada de su época, pero Country Joe y compañía no se dejaron llevar por las presiones comerciales ni por las limitaciones del trabajo en estudio, manteniéndose congruentes con la postura experimental que siempre los caracterizó e intentando recrear la experiencia alucinógena del momento. 

Pulsa aquí

DIRECTISIMO 44

Aquí están todos los que son y son todos los que están. O dicho de otra manera, más de tres horas del mejor retro soul del siglo XXI con algunas pinceladas gospel, esto último a cargo de Naomi Shelton & The Gospel Queens.

En el Teatro Apollo de Nueva York se han grabado fantásticos discos (como el mítico ‘Live at The Apollo’ de James Brown en 1962) pero este ‘The Daptone Super Soul Revue Live At The Apollo’ está llamado a ser una referencia ineludible de ahora en adelante.

Desgraciadamente el disco llega cuando ya no están en el mundo de los vivos (bueno sí están porque su memoria y su trabajo siguen entre nosotros) esas fuerzas de la naturaleza que fueron Charles Bradley y Sharon Jones. También salió de este mundo Naomi Shelton, y es a ellos tres a los que está dedicado este disco que deben, del verbo deber, disfrutar todos aquellos a los que les quede un mínimo de sensibilidad hacia la música. 

Pulsa aquí

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Incluso para los estándares de los años 70, la historia del segundo álbum clásico de Rainbow, y sus desordenadas secuelas, es una maraña de genio creativo.

Personajes coloridos y tensiones personales. Rising capturó la banda en su apogeo. Impulsado por la visión decidida del guitarrista Ritchie Blackmore, fue pionero en un sonido épico cuya influencia todavía se puede escuchar hoy en día. En el espacio de 18 meses, Blackmore había reunido una de las mejores bandas de rock de la historia, y luego la desmanteló.

El guitarrista había dejado Deep Purple después del álbum Stormbringer de 1974, cansado de los implacables horarios de grabación y gira de la banda, las crecientes influencias del funk-rock y, en última instancia, de su negativa a grabar una versión de Black Sheep Of The Family del trío de culto Quatermass. Blackmore se dio cuenta de que estaba perdiendo el control sobre la banda que formó, y renunció para armar Rainbow con miembros de los rockeros estadounidenses Elf, una antigua banda de apoyo de Deep Purple

Encabezado por el cantante Ronnie James Dio. 

Pulsa aquí

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Crecí con Neil Diamond y este es uno de mis álbumes favoritos.

Uno de esos álbumes que arrastras de vez en cuando y recuerdas por qué te gusta tanto. 

Me ha gustado la voz de Neil Diamonds desde que era pequeño,de hecho, tenía este álbum. Pero creo que en Moods hay canciones que no están en ese álbum y son demasiadas buenas canciones de Neil Diamond que faltan, como "Sweet Caroline". Aún así, hay suficientes canciones en Moods para mantener el pico de calidad, lo que sea que eso signifique en el mundo del esnobismo musical. 

Pulsa aquí

CLÁSICOS DEL ROCK 104

Su nombre estará inextricablemente vinculado al de los Rolling Stones (As Tears Go By y Sister Morphine, de la que es coautora), además de su relación con Jagger, que terminó aún más en drogas. Recursos precisamente con este "Broken English", en el que su voz cavernosa interpreta canciones con un alma ya post-punk, casi en el olor de la futura mezcla electrónica, sintetizadores y rock (Ultravox). Ya con "Broken English" podemos hablar de electro-rock, en la declinación más oscura y nocturna. Algunas visiones de nueva ola, con influencias caribeñas, casi se renuevan en algunos episodios. Considerado entre los hitos del período.

Si tuviera que elegir entre los mejores álbumes de debut de la historia, este álbum no entraría en el TOP.

En mi opinión, es un trabajo bastante flojo pero si tenemos en cuenta ciertos destellos de calidad y la gran capacidad vocal de Robert Palmer hace que este trabajo supere el aprobado. Pero poco mas...

A nivel producción, creo que es un buen trabajo dentro de los estándares del soul, pero con cierto toques de funk. 

El álbum se puede llamar de forma segura álbum en solitario Robert Lamm. Solo el poco atractivo Now That You've Gone fue escrito por James Pankow, y Alma Mater salió de la pluma de Terry Kath. Y aparentemente es por eso que el álbum no brilla con diversidad como Chicago II o Chicago III. Además, en el álbum, la banda intentó equilibrar los componentes del jazz rock y el pop rock. El intento, en general, tuvo éxito, pero el resultado fue insatisfactorio. La disminución de la proporción de metal hizo que el Chicago V no fuera muy interesante.

La carrera en solitario de Paul McCartney no es muy apreciada, lo que considero basado en una ilusión: se compara con lo que Paul hizo con The Beatles. En mi opinión, álbumes como Off the Ground e incluso Pipes of Peace son realmente muy buenos si los comparas con la música popular promedio en general. Sin embargo, al escuchar Flores en la suciedad, debo confesar que no es uno de los momentos más brillantes de Pablo. Está bien, algunas canciones, a saber, "My Brave Face", "Figure of Eight" y "This One", son muy buenas, pero la mayoría de las pistas pasan sin causar ninguna impresión.

No es un álbum esencial de Paul McCartney de ninguna manera.

Uno de esos discos out of time. Corría el 77 y el mundo se afanaba a peinarse la cresta cuando el que fuera batería de los Beach Boys va y se saca este "Pacific Ocean Blue". En su melopea particular. Ahí donde estuviera, encerrado con sus juguetes. Sin enterarse de lo que estaba pasando ahí fuera. Ni importarle, vamos. 

Un disco que suena a solera; sincero y clarividente. Que rezuma California por todos sus surcos, a viejas glorias decadentes, tiradas en un suntuoso jardín, adheridos a una botella de lo que sea. Pero, también a muchos años de profesión. Sin ambages. Y sin importarle la opinión. Un disco extraído de su alma castigada, dolorida por tantos años de sonrisas hasta el dolor. Necesario como terapia. Sin manías, como está mandado.

La Sensational Alex Harvey Band fue realmente una banda intrigante para entrar. El sonido de la banda siempre me sorprendió, ya que no era exactamente lo que esperaba. Supongo que esperaba un glam rock más directo, pero en su lugar hay un verdadero crisol de géneros (aunque todos los géneros típicos de glam) como el blues, el blues rock, el soul, etc., todos entregados con una presentación especialmente teatral y cursi. La salida de la banda tiene esa calidad limpia en la que todo suena familiar y fresco al mismo tiempo. La comparación más cercana es probablemente con Alice Cooper sin el horror cursi y sin el borde más duro. 

Pulsa aquí

1968’s # 1 UK ALBUM

Un avance en la búsqueda de esa voz propia que materializaban en el disco anterior. Me refiero a "Parsley, Sage, Rosemary & Thyme" (1966). La banda sonora de "El graduado" (1968) les dio mucha fama pero no dejaba de ser un recopilatorio de su discografía anterior con algún tema nuevo. 

Aquí redondean un disco lleno de personalidad y gracia fruto de su talento para la melodía y la inclusión de cuerdas y toques atmosféricos que lo acercan a lo cinematográfico. Sin olvidar algo tan peligroso como el concepto, ese eje temático que se suele ir de las manos, pero que aquí es atinado y sencillo, la inmensidad de ese viaje llamado vida, de la infancia a la vejez. Un trasunto ambicioso que resuelven con su elegancia y sencillez habituales.

Definitivamente, en "Bookends" consiguen elevar aún más el listón que ya habían empezado a subir en el disco precedente. Puede que no empiece con la calidad que esperábamos y que nos cueste un poco entrar en él, pero poco a poco el disco se va abriendo como una flor y al final no podemos más que rendirnos ante su belleza. Una hermosura que no es silvestre, sino que está más que estudiada. 

Pulsa aquí

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

En los años transcurridos entre abandonar "su banda de soul" y convertirse en "sensacional", Alex Harvey publicó este LP en solitario, Roman Wall Blues. En el mejor de los casos, es una escucha ligeramente entretenida. Para los fans de la Sensational Alex Harvey Band no está exento de momentos interesantes, ya que están presentes los orígenes líricos de "Tomahawk Kid" y "Boston Tea Party". También aquí están las primeras versiones de "Midnight Moses" y "The Hammer Song".

Al igual que David Bowie, Slade, The Sweet, E.L.O. y muchos actos de rock británicos de principios de los setenta, Alex lanzó una serie de esfuerzos menos exitosos y bastante extraños antes de dar su paso en los años setenta. Para una satisfacción instantánea, avance rápido al LP debut de la banda Sensational Alex Harvey, Framed 

Pulsa aquí

1964’s # 1 USA ALBUM

Si eres un adicto desesperado de esta droga musical como yo, vale la pena echar un vistazo a los álbumes más grandes de finales de los 50 y principios de los 60. Podrías, excepto ver muchos de los primeros clásicos del rock n' roll o compilaciones de Brill Building allí, pero te equivocarías, aparte de Elvis, esas cosas apenas se registraron en la parte superior de las listas de álbumes. En su lugar, vemos una mezcolanza de música decididamente más anticuada: cantantes como Frank Sinatra y Johnny Mathis, un montón de discos fáciles de escuchar, Mitch Miller cantando canciones infantiles. Algunos de los más vendidos ni siquiera eran musicales; The Button Down Mind of Bob Newhart y The First Family de Vaughn Meader, un álbum que consiste en impresiones de JFK, se situó en el número 1 durante meses. Fácilmente, los más vendidos de esta época fueron los musicales de Broadway (y de cine), de los que parece que la gente no se cansa. En cada año, entre 1957 y 1964, el álbum más grande del año fue un musical de algún tipo, y solo West Side Story estuvo en la cima de las listas durante más de un año. ¿Por qué fue esto? 

Pulsa aquí

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

El primer esfuerzo de vanguardia en solitario de John Cale es una obra muy singular, dividida en tres tipos de piezas: las largas y agotadoras sonatas para piano (Brahms de todos modos es muy bonita), las sinfonías orquestales similares a drones (3 piezas orquestales, interpretadas por nada menos que la Royal Philharmonic Orchestra) y los bocetos modern El último tipo es el más entretenido, el resto suena a veces muy maduro y convincente, en otros lugares una sensación amateur es innegable (John Milton). Las influencias de Cale son muy marcadas y si este registro no pone en peligro a la academia , puede ser el síntoma que es. 

Pulsa aquí

DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Nunca he sido aficionado a la música de los Beach Boys,salvo canciones aisladas,y de ahí mi reticencia a escuchar este disco hasta hace poco tiempo.Craso error porque es una maravilla atemporal.

Un compendio de varias maneras de enfrentarse a un pop sentido,lírico,mayormente triste y meditativo,guiado por unos teclados lánguidos,y sobre todo con unos arreglos fantásticos para realzar cada uno de los temas.Hay escasos coros deudores del grupo de los hermanos,un par de maravillosas colaboraciones de Carl,y un arrinconamiento de la batería (al fin y al cabo su instrumento) en favor de los teclados.Alguna ligera influencia (Macca,Rundgren,la Joni Mitchell a la que acompañaba Tom Scott & the L.A. Express...) pero en general música con una personalidad grande,impensable en el más grisáceo a priori de los hermanos playeros.

¿Resultado? Una orgía de música y voces sentida y sensible,mustia,un tanto otoñal,adictiva.Y lo dicho,con una exhibición de arreglos (teclas,viento,cuerdas) como en pocas cosas recuerdo.Una preciosidad en toda regla,de la que sólo me arrepiento de haberla descubierto a estas alturas. 

Pulsa aquí

SALÓN DE LA FAMA 22 (2007)

José Sánchez y Antonio Martínez

Las pocas pero sólidas admisiones al Salón de la Fama de 2007 corrigieron un descuido anterior (Van Halen), dieron crédito a un estilo muy subrepresentado (The Ronettes), recompensaron a un artista franco (Patti Smith), honraron al único admitido por primera vez del año (R.E.M.) y afortunadamente consideraron oportuno incluir al primer miembro del rap, el estilo de rock más popular y de mayor alcance del último cuarto de siglo (Grandmaster Flash & The Furious Five). Si bien las ceremonias carecían de cualquiera de los dramas explosivos o momentos imperdibles de los últimos años, los incorporados formaron una de las clases más diversas y merecedoras de la memoria reciente.

Los artistas de rap pioneros finalmente hicieron que el tan esperado avance del género entrara en el Salón de la Fama después de que sus dos primeras nominaciones no los consiguieran. Su tiempo en la cima fue relativamente corto, pero extremadamente innovador, particularmente con los éxitos "The Message" y "White Lines (Don't, Don't Do It)", que llevaron la conciencia social a lo que había sido en gran medida un estilo arraigado por el partido. Su influencia es enorme, ya que crearon el estilo de tocadiscos que dominó la forma en los próximos años. Un artista muy importante en la evolución del rock.

Generalmente a REM se le atribuye ser el comienzo del movimiento del rock alternativo, un estilo que ha sido una presencia constante en el rock durante el último cuarto de siglo. Aunque comenzó como un movimiento marginal, finalmente pudieron traducir esa aclamación de la crítica y ese zumbido underground en éxito general sin alienar a su audiencia principal ni cambiar su estilo para hacerlo.

El grupo característico de las cacareadas producciones de Wall Of Sound de Phil Spector de principios de los años 60, que durante demasiado tiempo se oscureció por el enfoque en el propio Spector. El trío, dirigido por la sensual voz de Ronnie Bennett y las Ronnettes,

La más débil de las incorporadas de este año en términos de credenciales estrictas, pero no inmerecida del honor, la sólida reputación de Smith la puso en la cima.

Elegible durante varios años sin ni siquiera una nominación, Van Halen había sido una de las omisiones más inexplicables del Salón de la Fama hasta ahora.Ahora sí.

Pulsa aquí