Stephin Merritt es un puto genio. Y esta es la prueba viviente de esa cualidad tan fácil de dar. Tal vez no sea tan conocido como otros "héroes" falsos contemporáneos, y esto se debe a la injusticia eterna que devasta nuestro mundo. La injusticia que reduce a las cenizas cualquier cosa proyectada en la parte posterior del mercantilismo vacío e inerte. Para su sexto álbum, liderando The Magnetic Fields, sacó 69 pistas de su manga para construir un álbum triple que es un elogio al exceso, el humor, el sarcasmo, la pasión... todos los temas que rodean los suburbios del amor roto, agrio, devoto y sufrido durante mucho tiempo. Un álbum que no se recomienda a todos esos corazones de piedra, metalheads inconscientes, chicas mimadas y cualquiera que nunca se haya rendido a las lágrimas. Para el resto del mundo, 69 Love Songs es la puerta de entrada a un mundo mágico donde el pop se arregla dulcemente, está amueblado con electrónica, a veces sin coser, algunas otras terminadas con dedicación, y siempre redondeada en melodía, letras y simplicidad.

Adicto a la música en general y devorador de libros de la historia del pop, el rock, el soul, el jazz... Este grupo lo creé con una finalidad divulgativa, como una referencia para aquellas personas interesadas en conocer y transmitir algo más sobre lo que escucha. Lo que me hubiera gustado encontrar a mí cuando me empecé a aficionar a la música, de haber existido internet...
miércoles, 31 de agosto de 2022
CLÁSICOS DEL ROCK 111
Siempre he admirado el trabajo de Tom Waits, pero no fue hasta hace poco que profundicé en su discografía más amplia, y comencé a escuchar discos fuera de mi tríptico de la zona de confort de Alice, Swordfishtrombones y Bone Machine. No puedo explicar por qué, pero durante mucho tiempo, esos fueron los únicos registros de Waits con los que estaba íntimamente familiarizado. Dada la reputación de grandeza de Mule Variation y mi satisfacción uniforme con cada álbum posterior a Swordfish Wait que he escuchado, ni siquiera se me ocurrió que podría no gustarme Mule Variations. Incluso esperaba poder llamarlo mi álbum favorito de Tom Wait, un título que actualmente se tambalea con incertidumbre entre Rain Dogs y Bone Machine, dependiendo de si estoy de humor para el jazz o el blues.
Indudablemente juvenil pero con una gracia ineludible e imposible de no disfrutar, el primer LP de los Arctic Monkeys llego para ser inmortalizado, y nada que la banda haya producido posteriormente lo ha podido superar.
Salvaje y sensible, sarcastico e incluso soberbio en momentos, Alex Turner es la gran figura, el icono al frente con el que identificamos a la banda pero nadie me puede negar que los riff y punteos de O´Malley son de lo mejor del rock de la última decada.
El álbum debut de Living Colour no está a la altura de su reputación.
Sus cualidades:
- los solos de guitarra son realmente impresionantes. Aquí, Vernon Reid se presenta como uno de los mejores guitarristas de su generación. Y aún hoy, no hay tantos guitarristas que puedan tocar a ese nivel.
- la letra es excelente. Político, comprometido e inteligente.
Sus defectos:
- ¡la producción es horrible! Sonido típico de los 80. Especialmente en los tambores que están sobrecargados de reverberación fea,
Etc….
Link Wray es uno de los pocos que mantuvo viva la llama del rock and roll durante la "era oscura" a principios de la década de 1960. ¡Y cómo! Esta compilación incluye 20 pistas ordenadas cronológicamente de 1958-1966, todas las cuales son al menos buenas y muchas son simplemente geniales (por último, dos pistas posteriores de 1969 y 1979 y una pista en vivo). Además de los éxitos "Rumble", "Rawhide" y "Jack the Ripper", también hay perlas más oscuras como el prototipo de blues "Ain't That Lovin' You Baby", el maravilloso "The Black Widow".
Eurythmics debutó como una explosión a principios de los 80 y con sus vídeos creativos y un sonido oscuro sobre ritmos de dance pop fue un éxito instantáneo. Sweet Dreams era como una canción definitoria de esa época en la que MTV y los vídeos se apoderaban de la escena musical.
Por supuesto que nunca escuché sus álbumes, ya que tuvieron suficientes éxitos durante ese tiempo y mucha otras músicas para escuchar. Ahora, casi 40 años después, tratando de explorarlos un poco más, decidí escuchar este álbum. Sí, hay algunos números pulidos en las primeras pistas reales y luego en Sweet Dreams, pero el resto del álbum está muy orientado al club, como las cajas de ritmos, la repetición de ritmos.
Su adhesión casi religiosa a las influencias Blondie / Wire, significa que cualquier fanático de estos dos grupos, como yo, encontrará algo que atraiga en este álbum, que aunque nunca alcanza las alturas de sus mentores, es lo suficientemente divertido como para ser una escucha lo suficientemente agradable.
Cuando se trataba de los artistas de Britpop de frente femenino. Elastica eran los favoritos de los críticos y los únicos que clasificaban constantemente como uno de los grandes del movimiento. Los elásticos eran muy importantes.
martes, 30 de agosto de 2022
1969’s #1 UK ALBUM
Un álbum engañoso. Por un lado, su mítica portada y, por otro, un contenido decepcionante. ¿Decepcionante? Bueno, no exactamente. Es cierto que la primera idea que me viene a la mente es: "Algo le ha cambiado", pero algunas escuchas más tarde podemos percibir no solo su astucia.
Nos está diciendo: "¿Crees que no puedo cantar? ¡Ya verás!" Y se convierte en un pequeño Frank Sinatra
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
Mientras que bandas como Sleeper y Lush eran indiscutiblemente hijos de la revolución Britpop, Elastica estaba más alineada con las bandas grrrl estadounidenses Sleater-Kinney, Veruca Salt y Hole con Justine Frischmann haciéndose pasar por la chica de rock arquetípica con la intención de empoderamiento femenino. Su música contenía todas las influencias pop contemporáneas de la época mezcladas con la pasión descarada y thrash del punk de los 70. Su debut contiene dieciséis pistas, pero solo registra a los cuarenta minutos. Sus canciones son chillosas, bucales, sexys y simplemente divertidas. Tardaron cinco años en darle seguimiento, liberaron The Menace y luego se separaron rápidamente. ¡Muy punk!
lunes, 29 de agosto de 2022
1964’s #1 USA ALBUM
Poco a poco de una banda sonora casi perfecta como The Sound of Music, esta película estaba llena de un paquete de canciones muy respetable. Existen los estándares de Disney como "A Spoonful of Sugar", "Supercalifragilisticexpialidociuous" y "Chim Cim Cher-ee" que vivirán para siempre.
Sin embargo, otros son igual de agradables, como "Jolly Holiday", "Step in Time", la encantadora "Stay Awake" y la melancolía "Feed the Birds (Tuppence a Bag)". Imposible escucharlos y no pensar en las imágenes vívidas de la película.
Digno de estar en la colección de cualquier niño (o adulto).
50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS
Hay discos que son un mundo sonoro propio,personal e intransferible.
Colecciones de canciones que no se parecen a nada ni a nadie :el molde empieza y acaba alli.
Para mi gusto,uno de los ejemplos perfectos de esta introduccion es"Rock bottom",media docena de temas imperecederos realizados por Wyatt y sus amigos.Temas lentos,densos,atmosfericos ,que dejan un poso melancolico.Un disco de sensaciones:o entras en su ritmo propio o no hay nada que hacer.
Momentos magicos,muchos,pero si tuviera que elegir una maravilla como pocas me quedaria con la trompeta de Mongezi Feza en "Little Red Riding Hood hit the road":desparrame sonoro en unos de los mejores minutos que he oido nunca.Pero hay muchas otras maneras de poner un nudo en la garganta,como la acuatica "Alife" o la intensa apertura de "Sea song", donde la vocecilla de Robert emociona.
Lo dicho,una joya sin referentes anteriores o posteriores.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
"Sweet Dreams (Are Made ofThis)", un sencillo número uno de principios de la década de 1980,mostraba una de las direcciones que tomó la música de baile en la era posterior a la discoteca. Con su gran dependencia de sonidos sintetizados electrónicamente, bucles secuenciados y lo que se ha descrito como un tono emocional genial o austero, "Sweet Dreams" señala el camino hacia estilos musicales posteriores centrados en la tecnología, como el techno. Al igual que algunos de los grupos de techno más exitosos de la década de 1990 (véase el capítulo 14), Eurythmics consistía en un núcleo de solo dos músicos: la cantante Annie Lennox (nacida en 1954 en Escocia) y el teclista y genio técnico Dave Stewart (nacido en 1952 en Inglaterra).
La primera aparición de Eurythmics en las listas de éxitos en los Estados Unidos se produjo con el lanzamiento de su segundo álbum, Sweet Dreams (Are Made ofThis), en 1983.
domingo, 28 de agosto de 2022
50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS 70 (Quincenal)
Entre 1968 y 1972, Family había lanzado seis álbumes en cuatro años, y la tensión había estado empezando a mostrarse en álbumes recientes. Bandstand de 1972 vio a la banda haber prescindido de gran parte de su progresividad para un enfoque de rock más directo, y la alineación temporalmente estable tampoco dolió. Canciones como los temas secundarios "Burlesque" y "My Friend the Sun" mostraron que su potencial de éxito todavía estaba ahí, particularmente con este último número acústico, fácilmente una de las mejores canciones de toda su carrera. Trouble was, el resto del álbum se parece mucho al rock de los 70 por números en estos días, con solo el destello muy ocasional de inspiración fuera de los dos números antes mencionados y claramente más cerca de "Top of the Hill".
Johnny Otis, ahora conocido como el Padrino del R&B, nació en Vallejo, California, el 28 de diciembre de 1921, de padres inmigrantes griegos, Alexander e Irene Veliotes. En 1940, la big band jazz de Count Basie y Duke Ellington le había inspirado a empezar a aprender la batería, progresando más tarde al piano y las vibraciones. En 1946 cambió de un pequeño grupo de boogie-blues a una banda de jazz-swing de 16 piezas, firmó un contrato con Excelsior Records y obtuvo su primer éxito, "Harlem Nocturne". La banda despegó en una gira nacional con Louis Jordan, Nat 'King' Cole y los Inkspots.
Para armar esta joya de Pet Shop Boys, el dúo británico se valió de su talento y de unas cuantas colaboraciones que dieron enjundia al proyecto. No fueron demasiadas, ellos saben muy bien que estas cosas es mejor espolvorearlas como las buenas especias, pero sí que son notorias. Sobre todo destacan las orquestaciones de todo un Angelo Badalamenti en un par de temas y la guitarra del genial Johnny Marr en otros dos. Son nombres con el suficiente peso como para dejar su sello, pero no llegan a tergiversar el pop colosal que nuestro dúo favorito siempre ha sabido fabricar. Aquí como nunca.
¿Por qué es diferente Anastacia? En primer lugar, tiene una voz que puede volarte la cabeza a 50 metros . Es una voz inolvidable que es tan distintiva como la de Janis Joplin, tan poderosa como Hazel O Connor, tan conmovedora como Aretha Franklin y tan rock como PJ Harvey.
En segundo lugar, hay una exuberancia e inteligencia indefinibles que emanan de la chica. Tal vez provenga de vencer al cáncer de mama, pero su amor por la vida, la música y su sonido brilla claramente a través de sus canciones, que son increíbles disturbios de sonido. Tiene la mente de un Tori Amos o Suzanne Vega combinada con los instintos musicales de poprock de una Kylie Minogue o Madonna.
Ahora este es un álbum decente de Violent Femmes y tiene al menos una canción clásica genuina que puede hacer que todos, desde abuelas, hasta góticos, bailen, pero cómo eso justifica los elogios que siempre recibe es algo que nunca entenderé. Sinceramente, hay momentos en los que he oído y pensado que las letras eran a veces sexistas e incluso rayaban en la misoginia.
Una bondad y una elegancia tan inmaculadas, que los de Robin Pecknold corren el riesgo de ahogarse en la melaza de unas voces como no había oido en décadas, orquestadas a las mil maravillas sobre unas melodías que esquivan la obviedad con solvencia y que sacan el máximo partido de unos arreglos fantasiosos y nada acomodaticios. Con todo esto, al final, por mucho que se enarque la ceja, es prácticamente imposible escapar de las redes de unos músicos que saben cómo se fabrica un clásico y que demuestran gusto, sapiencia y buen hacer en todo momento.
Fleet Foxes merece una oportuna escucha.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
Link Wray es uno de los tres o cuatro mejores guitarristas de rock'n'roll de la historia, y esta es la mejor introducción a su sonido.
Un sonido que a través de The Cramps todavía se puede escuchar en la música de The White Stripes y The Dirtbombs. "Rumble" en sí mismo simplemente es rock'n'roll. Lástima que la canción no estuviera incluida en el álbum de la banda sonora de Pulp Fiction(está estáen la película) para que Link Wray pudiera recibir una merecida admiración . Además de "Rumble", este CD incluye otros instrumentales salvajes de Wray como "Raw-Hide", "Jack The Ripper", "Run Chicken Run" y "Ace Of Spades". También hay una versión vocal genial de "Ain't That Loving You Baby" de Jimmy Reed. ¡Este es uno de los mejores CD instruméntal.
sábado, 27 de agosto de 2022
MIRANDO LAS ESTRELLAS 7: ELVIS PRESLEY
Hay figuras de la música tan grandes que sobrepasan la simple admiración. Elvis Presley forma parte de este grupo. Una estrella que deslumbró en los años 50 y 60 del pasado siglo con su extraordinaria capacidad vocal y su imponente figura de sex símbol. Fue un ídolo juvenil que provocaba ataques de histeria entre las asistentes a sus conciertos.
Se acaban de cumplir 45 años después de su muerte y sigue siendo una leyenda.
Nació en Memphis, Tennessee, en el seno de una familia pobre. Desde pequeñito escuchó una música que habían inventado los negros, el gospel y el R&B, y también el country. Con estos mimbres, sobre todo imitando e interpretando la vitalidad y el impulso de la música que estaban haciendo los negros, conformó una carrera meteórica que provocó la popularización de unos sonidos que cambiaron el mundo: el rock’n’roll.
En la América racista y conservadora de mediados del siglo XX no cabía imaginar que una música hecha por negros fuese abanderada del cambio de estilo. Lo cierto es que intérpretes y creadores de raza negra ya hacian rock and roll cuando Elvis aun cantaba baladas country. Si los medios les hubieran dado una difusión masiva, el curso de la historia de la música habría sido distinto.
Finalmente se le atribuyó el mayor cetro en el rock &roll. Sí fue desde luego el mayor difusor y vendedor de discos del mundo.
Yo Stevie Wonder afirmó: “Sólo existe un auténtico Rey del rock and roll: su nombre es Chuck Berry”
Y hasta John Lennon, que respetó siempre a Presley, declaró: “Si quisieras encontrar otra palabra para definir el rock and roll, tendrías que decir: Chuck Berry”
Al final de su vida, vivió recluido y deprimido, aplastado por la gloria, no le dejaron respirar para buscar su inspiración. Su muerte prematura a los 42 años lo convirtió en leyenda eterna.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
Vivid es un album algo desigual pero sumamente interesante del hard rock de finales de los ochenta. Es bastante interesante y supongo que en su época que fue bastante refrescante, ya que Living Colour fue de los pocos grupos cuyos integrantes eran todos de raza negra y que en lugar de tomar el camino ya bastante transitado del hip hop, se clavaron casi de lleno en un género dominado casi en su totalidad por gente de raza blanca.
Y aunque inevitablemente le añadieron tintes de música “negra”, el resultado final de su particular propuesta fue un disco debut bastante interesante y original.
viernes, 26 de agosto de 2022
50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS
No está mal para un álbum debut hecho por músicos relativamente inexpertos. Fleet Foxes, inicialmente el cantante Robin Pecknold y el guitarrista Skyler Skjelset, no ocultaron desde el principio de su carrera su admiración por el folk clásico estadounidense.
Muchos críticos clasificaron a Fleet Foxes como uno de los mejores álbumes de 2008
Grupos de rock, como Neil Young y Crosby, Stills & Nash.
Los arreglos vocales expertos y la instrumentación a gran escala de esos artistas impregnan Fleet
WooAah", mientras que "White Winter Hymnal" tiene ese viejo sonido inglés expertamente caído.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
El álbum debut más vendido en la historia británica - casi 120.000 copias el primer día, un total de 364.000 en la primera semana - Whatever People Say I Am fue una amalgama abrasadora de guitarras mordaces y frenéticas, letras de latigazos que mezclaban el modismo y la idiotez con el ojo de un novelista para el detalle, y un sentido del tiempo y el lugar que puso las 13 pistas en el panteón de la cultura juvenil británica.
El álbum no tenía un hacha que usar ni una apuesta que reclamar, pero a través del amplio acento de Yorkshire de Turner ilustró las sombrías calles y las brillantes pistas de baile de Sheffield que fácilmente podrían haber llegado a abarcar su vida.
jueves, 25 de agosto de 2022
DIRECTISIMO 50
En 1951, Johnny Cash (19) estuvo en Alemania, donde hizo su servicio militar en la Fuerza Aérea Americana. Una noche, va al cine de su base de asignación, donde se proyecta un documental sobre la prisión de Folsom (California), Inside the Walls of Folsom. El joven Cash salió molesto y, a la noche siguiente, escribió una canción titulada Folsom Prison Blues. Al regresar a los Estados Unidos en 1954, tocaron su country y sus clásicos de blues acompañado de dos amigos. Dos años más tarde, llama a la puerta de los estudios Sun de Sam Phillips, que acaba de lanzar un cierto Elvis Presley. El productor le dice a Johnny Cash que no está interesado en su repertorio de versiones y le pide una canción original; Cash y sus amigos se embarcan en una interpretación frenética de Folsom Prison Blues. Phillips firma al nativo de Arkansas en el proceso. Folsom Prison Blues, para cuya escritura Johnny Cash se inspiró en la canción de Gordon Jerkins Crescent City Blues (1953), fue lanzado como sencillo unas semanas más tarde. Los críticos y el público se benefician de él y el sencillo es un gran éxito. La carrera de Johnny Cash ha comenzado.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
Una cuarta parte de este álbum es buena, una cuarta parte es mala y la otra mitad está bien, el tono del álbum se siente más consistente que otros álbumes, pero los instrumentales y las voces son menos consistentes.
Los aspectos más destacados fueron Chocolate Jesus, Eyeball Kid y Filipino Box Spring hog, los puntos bajos fueron House Where Nobody Lives, Pony y Black Market Baby.
La carátula del álbum es sólida, está bien sombreada y tiene un estado de ánimo fresco que refuerza el tono del álbum, pero también creo que sería mucho mejor si no fuera una imagen, ya que carece de arte.
En general, este álbum es mejor que el anterior en todos los sentidos, los instrumentales son decentes, las voces son inconsistentes, pero es sólido en conjunto.
miércoles, 24 de agosto de 2022
50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS
Folk-punk acústico. Así es como la música de Violent Femmes, un trío estadounidense dirigido por Gordon Gano, cantante y guitarrista con una inconfundible voz aguda y ahogada, podría definirse como un neófito. En la música de la banda, la impetuosidad típica del movimiento punk se filtra por al menos tres décadas de tradiciones musicales de estrellas y rayas y se renderiza casi exclusivamente con la ayuda de la guitarra acústica y el bajo y la batería mínima. Una mezcla fresca y ganadora, que con el tiempo no ha sufrido cambios muy grandes, y que en este álbum debut encuentra quizás su forma más completa (aunque el posterior y oscuro Hallowed Ground, fechado en 1984, ciertamente no es una excepción). El disco, que se abre con el prensado y famoso Blister In The Sun, alterna con éxito canciones de amor con un sabor country (Please Don't Go), r'n'r más o menos rítmico (Gone Daddy Gone, Add It Up) y baladas espeluznantes (Confesiones), en treinta y seis minutos de música que no olvidas. Y, entre los que no lo han hecho, a la vanguardia encontramos Black Francis de Pixies, que le debe a Gano su típico estilo vocal a mitad de camino con el habla y desatado de los tonos.
CLÁSICOS DEL ROCK 110
Cuando se habla de British Folk Rock, siempre surgen 4 o 5 nombres básicos, Fairport Convention, The Pentangle, Richard & Linda Thompson, Fotheringay, Etc.
Pentangle fue un grupo capital dentro de este movimiento que tuvo una enorme importancia e influencia en la música posterior y que dejo para la historia unos cuantos discos grandiosos.
Entre estos discos figura “Basket of Light”, quizás uno de los mas brillantes de la discografía de Pentangle, en cualquier caso uno de mis favoritos.
Formación de autentico lujo, hablamos de músicos de primera categoría, La voz de Jacqui McShee suena increíblemente limpia, competidora directa de Sandy Denny y de Linda Thompson, sentando cátedra de lo que es cantar Folk.
Prince dedicó años de su vida al desarrollo de proyectos de pasión, y su patrimonio quiere que experimentes esa pasión. Experimentos de jazz, suites de rock progresivo, ejercicios de funk y himnos a la fe, el amor y un monstruo llamado Dolores... Todos están aquí. Es por eso que escuchamos la gimnasia teatral de "Strays of the World", el clásico r&b de "Shh" y el crujiente homenaje de Hendrix a "Dreamer", todo en el mismo tramo de 15 minutos.
Un poco desordenado, no está claro si quiere ser un intento electrónico, alt-rock o simplemente hard rock clásico como la banda había estado haciendo durante años. Aun así, estos chicos fueron lo suficientemente buenos como para juntar todo eso y, cuando funcionó, hacer música muy fina: Drug Tongue, Star, Naturally High... Algunas cosas buenas aquí, con los extraños tintes de vanguardia y todo eso, pero el colapso de Astbury en la casi locura y su posterior separación agria (y afortunadamente temporal) de Duffy detendrían a la banda en seco durante años después de esto. Subestimado, seguro, pero ni cerca del mejor esfuerzo de esta increíble banda.
A raíz de su histórico debut, el trío de Los Ángeles dibuja puntuaciones de gangsta-funk tan robustas como agradables, pero también cargadas de una aguda ironía. En general, el "Domingo Negro" amplifica el corte cruzado de su hip-hop, acercando aún más a Cypress Hill al universo del rock, pero tal vez perdiendo parte del garbo que caracterizó su primer trabajo.
Excepto por algunos cortes de la era anterior de Roy Loney, cuando los Flamin' Groovies tuvieron una agresión más cruda y de garaje (no dejes pasar por alto el álbum Teenage Head), Groovies Greatest Grooves se ocupa de los últimos años más familiares que los encuentran completamente buscando un sonido influenciado por la invasión británica. Como tal, es una excelente introducción, con un sonido consistente en todas partes que capta pistas clave de esos pocos álbumes. Podrían ser todos los Flamin' Groovies que la mayoría de la gente necesita, o podría servir como catalizador para profundizar en su discografía.
Stick Around for Joy es otro gran álbum de The Sugarcubes. No se compara exactamente con los dos álbumes anteriores, pero todavía hay muchas cosas buenas aquí. La mayor decepción es el corto tiempo de ejecución... ¿s solo 37 minutos de música? Hay Singles que son más largos que este album.
Pero sigue siendo una valiosa adición a la colección. Aunque recomendaría ir a cualquiera de los dos primeros primero.
martes, 23 de agosto de 2022
1969’s # 1 UK ALBUM
Los Moody Blues dejan a un lado el arsenal de instrumentos y la experimentación del recargado ‘In Search’ y adoptan un enfoque mucho más simple en su siguiente álbum, aunque desde aquí hasta el final de su época gloriosa el grupo no varió su fórmula ganadora, manteniendo eso sí una alta calidad.
La ventaja con respecto a otros grupos fue tener cuatro compositores de un nivel similar, evitando así concentrar el peso en un solo integrante.
Así, el álbum se pasea por diversos estilos y donde conviven baladas, números más rockeros y contagiosas melodías pop, todo en un nivel parejo y donde lo único que sobra como siempre son las poesías de Graeme Edge.
Para el final lo mejor, las excelentes y sobrecogedoras “Have You Heard” en sus dos partes y la aventura progresiva de “The Voyage”, todas cortesía de Mike Pinder, quien aportaba todo ese misticismo y exotismo tan de moda en la época y que le da un plus a la música del grupo.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
El tercer y último álbum de The Sugarcubes termina bien las cosas. Después de un incómodo segundo álbum, SAFJ está más cerca del debut. No es una repetición, llama la atención de un tono más comercial y menos bizzare, pero el sonido más hábil funciona en grandes canciones como Hit, un ritmo fuerte y la producción pop de los 80 mezclada bien con una actuación encantadora y vulnerable de Bjork y, eh, un verso de rap de Einar, pero la canción sigue siendo buena. Hablando de Einar, ha mejorado: su estilo vocal abrasivo y descarriló varias canciones en Here Today Tomorrow Next Week, pero aquí se ha mezclado mejor con las pistas, mejorando la actitud de las canciones en lugar de arrasarlas, siendo el coro irónico de Einar a la juguetona y percusión Happy Nurse un ejemplo de esto.
lunes, 22 de agosto de 2022
1964’s # 1 USA ALBUM
Probablemente mi favorito de los álbumes estadounidenses de la Capital Records que, por razones más allá de mi comprensión, no solo pudieron obtener los derechos para vender álbumes de los Beatles en Estados Unidos, sino que tuvieron que recurrir a cortar y editar el material de origen original. Qué pena, pero me encantan las obras de arte estadounidenses de la banda, mucho mejor que Beatles for Sale. Y la inclusión de algunas canciones es en realidad un paso adelante con respecto a la original. No es un mal álbum, si no puedes encontrar "Beatles a la venta" en vinilo, este es un sustituto barato y genial.
50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS
Llevo tres días en mi expedición de volver a visitar al fanboy de Anastacia Newkirk que una vez fui, y eso significa que tengo tres álbumes, así que es hora de escuchar otra vez el disco homónimo de "Anastacia" de 2004. Hasta ahora, "Not That Kind" de 2000 y "Freak of Nature" de 2001 no eran tan geniales que recordaba que eran, pero seguían siendo buenos álbumes a pesar de los defectos que poseían. "Anastacia" es un registro muy diferente en comparación con esos dos. Para cualquiera que lea que no sea consciente de la importante historia de respaldo detrás del álbum, Anastacia fue diagnosticada con cáncer de mama a principios de 2003 y posteriormente desapareció del ojo público como resultado. Su única actividad profesional durante este tiempo fue filmar el vídeo musical de "Love Is a Crime" a principios de 2003, su contribución a la banda sonora de la película de 2002 "Chicago". Anastacia logró luchar contra el cáncer de mama más tarde ese mismo año, y esa experiencia le dio la inspiración para hacer un álbum más pesado, tanto musical como temáticamente, que los que lo precedieron. "Freak of Nature" fue un bonito desvío musical, pero el disco de "Anastacia" encuentra a la cantante y compositora luciendo un sonido bastante único, que acuñó como "sprock" tras su lanzamiento, un híbrido de soul, pop y rock. Gracias a estos dos rasgos, "Anastacia" es el mejor álbum que la mujer del mismo nombre ha lanzado hasta la fecha.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
Los Flamin' Groovies seguramente debió ser un fuerte contendiente para la banda de rock'n'roll más subestimada de Estados Unidos.
Su carrera se puede dividir básicamente en dos partes.
Primero su período The Stones/MC5, luego su período de los Beatles/Byrds. Esta magnífica compilación de 24 pistas solo incluye algunos de sus números anteriores, como el clásico "Teenage Head" y "Slow Death", y se concentra en su material folk rock/power pop. "Shake Some Action" y "You Tore Me Down" son los aspectos más destacados.
Me gustaban los primeros Groovies crudos.
Nunca entendí por qué se cambiaron al Brit rock, que es lo que es la mayor parte de este CD. No tengo nada en contra del rock británico.
domingo, 21 de agosto de 2022
SALON DE LA FAMA 25 (2010)
Antonio Martínez y Jose Sánchez
En cierto modo, el Salón de la Fama utilizó las elecciones de este año 2010 para deslizarse por algunos descuidos embarazosos del pasado. Afortunadamente, lograron romper el largo camino de rock progresista con la elección de Genesis, un candidato de compromiso en ese sentido porque la mitad de su carrera se produjo después de haber abandonado todas las conexiones progresivas y se hubieran convertido en una máquina de éxito en los años 80. También pudieron conseguir un segundo artista de reggae con Jimmy Cliff, lo que demuestra que el estilo era más que solo Bob Marley, pero al hacerlo se acariciarán en la espalda y dirán que deberían ser suficientes artitas de reggae durante otros quince años. Sus siguientes dos opciones dicen tanto sobre el envejecido cuerpo de votación blanco anglosajón como cualquier otra cosa, ya que los Hollies montaron su carrera desigual a un lugar en el Salón como recompensa para los baby boomers , mientras que la inducción de las megaexitosas estrellas del pop sueco ABBA les da una alternativa de finales de los 70 Solo los Stooges tenían tanto las credenciales como la caché para convertirlos en una elección ampliamente esperada, pero incluso eso se produjo después de múltiples nominaciones fallidas que le dieron un aire de resignación.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
Hay álbumes de rap más innovadores y felices como una muestra (Fear Of A Black Planet, Three Feet High And Rising, Paul's Boutique), pero este es el que más toco. Muggs' crea algunos ritmos trippy usando Dusty Springfield y Junior Walker, y rimas de B Real y Sen Dog como Larry Blackmon de Cameo o'd-ing en demasiados videos de Cheech y Chong. Y oye, ¿es la armónica de Ozzy Osbourne la que escucho? Black Sunday es el drogadicto más divertido que han tenido desde Dark Side Of The Moon !
sábado, 20 de agosto de 2022
SUREÑOS DEL NORTE AL SUR 106 (Quincenal)
Muscle Shoals Sound Studio fue inaugurado a principios de 1969 por la sección de Ritmo Muscle Shoals (también conocida como the Swampers): David hood en el bajo, Jimmy Johnson en la guitarra rítmica, Roger Hawkins en la batería y Barry Beckett en las teclas. comenzaron a trabajar juntos en el Rick Hall’s Fame Studio en Muscle Shoals, Alabama, donde se hicieron muy conocidos en la industria discográfica por tocar un estilo único de R&B Funky con artistas como Aretha Franklin, Wilson Pickett y Etta James.
Los músicos decidieron convertirse en empresarios dejando sus trabajos en the fame y abriendo su propio estudio en 3614 Jackson Highway en Sheffield, Alabama, estableciendo Muscle Shoals Sound Studio.
Este estudio era único porque era el único estudio de grabación propiedad y operado por los músicos de sesión en ese momento.
Los cuatro músicos eran socios iguales en el esfuerzo, no solo como músicos de estudio, sino también como sesiones de reserva, el pago de las facturas y el manejo de todos los aspectos de un negocio en funcionamiento.
Jerry Wexler, vicepresidente de Atlantic records, tuvo una gran relación de trabajo con los músicos de su época en the Fame.
Weller fue una parte clave del inicio de MSS al prestar dinero a los músicos para conseguir equipo mientras continuaba trayendo clientes de Atlantic Records el primer lanzamiento de MSS fue el álbum debut en solitario de Cher, titulado 3614 Jackson Highway en 1969 la portada del álbum muestra una foto del edificio, con el título del álbum superpuesto sobre la fachada, que inspiró el ahora icónico cartel de la autopista 3614 Jackson.
Después de trabajar con artistas como Boz scaggs, Lulú y Arif Mardin a lo largo de 1969, el estudio tuvo su primer éxito comercial con "Take a Letter, Maria" de R.B. Greaves. el sencillo fue un éxito, alcanzando el punto máximo en el no. 2 en las listas y anotando a mss su primer récord de oro. la misma semana de grabación con greaves de día, The Swampers acogían a los Rolling Stones de noche. los Stones se detuvieron durante tres noches, cortando tres canciones de su lanzamiento de 1971 Sticky Fingers "Brown Sugar", "You Got to Move" y "Wild Horses".
MSS permaneció en la ubicación de Jackson Hwy durante nueve años, de 1969 a 1978. durante ese tiempo, The Swampers tocaron en más de 200 álbumes, con más de 75 discos de oro y platino de la Riaa, y cientos de canciones de éxito con artistas como Lynyrd Skynyrd, Bob Dylan, Duane Allman, Paul simon, Art Garfunkel, Bob Seger, Staple Hook y Eddie Hinton.
En 1978, the Swampers habían superado a las instalaciones de Jackson Highway y comprado un edificio más grande en la avenida alabama en Sheffield.
Desde la mudanza en 1978, la ubicación original de Jackson Highway ha albergado un minorista de audio profesional y un taller de reparación de electrodomésticos antes de quedar abandonado a finales de los 90. a principios de la década de 2000, el edificio fue comprado por un ciudadano local, para ser reabrido como museo y estudio en pleno funcionamiento. en 2009, los Black Keys grabaron su album In the studio. en 2013, el estudio fue comprado por Muscle Shoals Music Foundation para restaurarlo a su antigua gloria.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
Supongo que cuando los álbumes homónimos son lanzados por grupos establecidos, el grupo está ofreciendo algo que cree que representa la esencia de la banda. Pero en el caso de The Cult, eso simplemente no suena cierto, después de todo esta es una banda que había evolucionado enormemente de "Dream Time" a "Ceremony".
Dicho esto, y a pesar del sonido muy contemporáneo que ofrecía este álbum, en ese momento, hay algo muy The Cult en este album.
Desde los primeros segundos de la canción de apertura "Gone", tuve la impresión de que The Cult simplemente estaba tratando de copiar los sonidos geniales de la época, piensa en Soundgarden, por ejemplo...
Este es un álbum bastante largo (como era la moda en 1994), pero en realidad se mantiene muy bien unido.
viernes, 19 de agosto de 2022
50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS
Las raíces de los Pet Shop Boys se encuentran en la amistad y el amor compartido por el pop (del que planearán una buena agitación) de Neil Tennant y Chris Love. Estos dos chicos ingleses luchan un poco por encontrar visibilidad en su tierra natal; luego, el debut a larga distancia de Please (1986) marca un éxito que progresará con el tiempo, apoyado por ideas sólidas entre el kitsch decadente de la época y una concepción de la forma de canción evolucionada. Después de una serie de éxitos en los sintetizadores y ritmos de la danza (yuppiehouse), Behaviour marca uno de los puntos clave para la transición entre décadas, la evolución del ritmo y aún puro y simple (e incluso fácil, seamos realistas) hacia una concepción más profunda y irregular de la cultura popular, en una serie de pinturas ambiciosas, también, pero Las filas de participaciones (Angelo Badalamenti, Johnny Marr, el Cuarteto Balanescu) elevan la calidad ciertamente intrigante del trabajo de los dos. Las canciones se llaman How Can You Expect To Be Taken Seriously?, Being Boring... y se han convertido, con el tiempo, en una demostración de cómo puedes bailar sin perder necesariamente la cabeza..
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
Los fans de Prince habían estado esperando a que alguien rinda homenaje a los "años Perdidos" de Purple One, la década sobrecargada y poco apreciada entre su pelea con Warner Brothers en 1994 y su regreso a la conciencia popular en 2004. Ese período estuvo marcado por un notorio cambio de nombre, una guerra muy pública con la industria de la música y el lanzamiento de no menos de 12 álbumes (dos de los cuales eran sets de triple disco, y ninguno de los cuales tuvo un gran impacto en la radio convencional).
Había mucha buena música enterrada en estos lanzamientos, y los fans de Prince sabían exactamente dónde encontrarla.
Sin embargo, ¿el público en general? No tanto. No se les podía molestar en examinar los experimentos de jazz de 8 minutos, los conjuntos de CD de 3 horas y los álbumes conceptuales.
Avancemos hasta agosto de 2018, y la finca Prince nos regala una colección de 37 pistas titulada "Antología: 1995-2010" que cubre este período difícil de manejar, así como los siguientes seis años de relativo éxito general. Y no debería sorprender que esta colección sea tan difícil de manejar como la carrera que documenta... e igual de inspirada.
jueves, 18 de agosto de 2022
DIRECTISIMO 49
Pero, ¿qué se puede decir de un disco como este? Tal vez en 1988 las guitarras del Dream Syndicate sonaron como ninguna otra, en este directo (para dar fe a las notas, ni siquiera remezcladas) y luego en "Ghost stories": el sonido de seis cuerdas más hermoso de los años 80, o nunca, como diría el corazón.
Sí, porque aquí el fan pronto tiene razón sobre el espíritu crítico, estas canciones son un concentrado de emociones y perdonas fácilmente los deslizamientos, probablemente marchitas, evidentes en "John Coltrane Stereo Blues". Ya el doble vinilo original, 1989, era muy hermoso, aquí estamos al borde de lo sublime: gran comienzo con "Mira que mi tumba se mantenga limpia", y luego siempre al mismo nivel, testimonio de un estado de gracia que no duraría ni un año.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
Con Fairport Convention, el Pentangle de Bert Jansch y John Renbourn fueron extraordinarios innovadores del folk británico, en cuyo tejido insertaron con habilidad y buen gusto el blues, el jazz y elementos (proto) progresivos. Esta Basket of Light da testimonio con particular eficacia del camino inicial de la banda, que se desarrolló entre finales de los años 60 y principios de la década de 1970 y terminó con una separación temporal: nueve episodios de gracia sublime, construidos sobre entrelazamientos electroacústicos articulados y evocadores en los que domina la voz celestial de Jacqui McShee. Junto con la posterior Hermana Cruel, compuesta principalmente por reordenamientos tradicionales, es el artículo más valioso del catálogo de quintetos; así como el único que ha llegado a las áreas altas (incluso el número 5) allende de ultramar.
miércoles, 17 de agosto de 2022
50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS
Pocos blancos han hecho tanto por la música negra como Johnny Otis. Hijo de padres griegos que emigraron a California, que crecieron perfectamente cómodos entre las personas de color, Otis solo tenía la piel blanca. El alma, musicalmente hablando, siempre ha sido muy negra. El apodo de "padrino de r'n'b" se lo ha ganado con su incansable trabajo de buscador de talentos: Little Richard, Esther Phillips, los Robins (más tarde Coasters), Big Mama Thornton, Jackie Wilson son solo algunos de sus descubrimientos, pero su larga y multifacética carrera como músico, ahora, merece tantas medallas. Capitol Years habla de la brillante mezcla de swing, rock'n'roll, jumpin' jive y rhythm'n'blues que caracterizó la actividad de Otis y su big band en la década de 1950, pero sabe que incluso muchos discos de las décadas siguientes, más pegados a los tonos de blues, jazz y funk, son imprescindibles.
CLÁSICOS DEL ROCK 109
Cambio de bajista y de productor, la colaboración de Rick Wakeman y ese constante afán por cambiar se conjugaron para darle por fin a Bowie su primer álbum exitoso. Sonando más como un trabajo solista que grupal, el hard rock de “Man Who Sold The World” es erradicado y en su lugar Bowie gira hacia sutiles y contagiosas melodías pop donde predomina el acompañamiento de piano de Wakeman, dejando la guitarra de Mick Ronson en un segundo plano.
Primer indiscutible del grupo,primera portada de Neon Park (elemento imprescindible tambien),primer gran himno de Lowell ("Willin´,versión definitiva de la canción que estrenó en el disco de debut de LF), y descubrimiento de un guitarrista y compositor inolvidable.Por no hablar de su técnica con la slide ("A apolitical blues" y tantas otras) que impulsaban a las canciones a una dimensión diferente.Temas que picoteaban de todo el acervo musical sureño para dar lugar a una mezcla irresitible,como da muestra este "Sailin´shoes" un disco ideal para iniciarse en los secretos de este gran grupo,al que es de justicia reivindicar siempre.
Musicalmente no tengo ninguna duda de que es superior a "Vivid"; los desarrollos son más complejos y tiene cabida desde el metal al jazz. Otra cosa es los sorpresivo del álbum. Con su debut la banda dio un puñetazo sobre la mesa y demostró que los negros no solo sabían hacer funk, rap, blues, soul o jazz; el hard rock y el metal en todas sus vertientes también era una opción. En definitiva un disco muy notable de una banda excepcional y, bajo mi punto de vista, no lo suficientemente reconocida.
Play es una cosa bastante cómoda.
Alcanza motivos suficientes para convencer a casi cualquier paladar, el muy orientado al pop, el propenso a las maquinitas, el enfrascado en las tendencias e incluso el nostálgico de la buena música negra.
¿A qué suena bien el invento? Pues sí, el invento suena bastante bien en general.
Moby sabe hacer cosas chulas. Pero nada de lo que hace me hace vibrar, en absoluto.
Me parece así como...no sé...demasiado ¿Cerebral?
Las cosas cambian: en la década de 1990 consideraba "Nothing Compares 2 U" una canción sobrevalorada y exagerada, ahora la considero un clásico. Esperaba que I Do Not Want What I Haven't Got pudiera contener más música que sonara como esa canción, pero desafortunadamente, me equivoqué. Las pistas son demasiado largas casi todo el camino, mientras que solo algunas de ellas (por ejemplo, "Three Babies" y "Jump in the River") suenan musical y artísticamente válidas. "I Am Stretched on Your Grave" presenta a un buen espíritu de los 90 en el acompañamiento, pero su duración se ha estirado demasiado.
Entertainment!", con su portada soviétizante, su inagotable surtido de proclamas antisistema y sus ritmos selváticos, es una llamada a bailar la revolución. Gang of Four han cerrado la puerta al nihilismo punk, pero hay en ellos algo demasiado oscuro como para tomarles por adelantados de esa efímera Nueva Ola. Y mucha imaginación hay que echar para ver algún antecedente del synth-pop, incluso en su vertiente más "gótica".
martes, 16 de agosto de 2022
1969’s # 1 UK ALBUM
Me encanta Cream, especialmente sus dos primeros álbumes, Fresh Cream y Disraeli Gears.
Pero Goodbye apenas es un álbum. Toma una canción bastante buena, que ni siquiera se consideraría una buena canción si no fuera por un solo de guitarra muy, muy corto de George Harrison, añade algunas grabaciones de estudio desechables que suenan más a Traffic que a Cream, y añade algunas pistas en vivo en buena medida. Lo que tienes después de todo es un trabajo muy débil que carece de unidad o cohesión. Aunque las pistas en directo son bastante buenas, el álbum en general no lo es.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
Si querían cuestionar los datos básicos de una sociedad occidental moderna, es decir, el ciclo de la vida cotidiana y la suposición de que el trabajo y el ocio son cosas separadas, entonces Leeds en el año impío de 1977 era el lugar perfecto para comenzar.
Hubo violentos enfrentamientos en las calles y en los pubs entre el Frente Nacional de extrema derecha y quienes se oponían a ellos.
Los álbumes de Clash and the Sex Pistols proporcionaron una banda sonora al descontento social, y el gobierno laborista de James Callaghan estaba tropezando con el olvido mientras se avecinaban Margaret Thatcher y el Thatcherismo. En tales circunstancias, ¿cómo podrían Gang of Four no tener mucho sentido?
La banda que se formó en torno al entorno de la Universidad de Leeds en 1977, el vocalista Jon King, el guitarrista Andy Gill, el bajista Dave Allen y el baterista Hugo Burnham, lanzó su álbum debut en 1979 y Entertainment sigue siendo uno de los lanzamientos clave de la entonces naciente era post-punk.
Es de bordes duros en el sonido, como si una prensa de máquinas de metal hubiera comenzado a funcionar mal, y furiosamente inquisitiva en términos de su visión del mundo. Es uno de esos álbumes en los que puedes identificar lógicamente los diversos precursores del cuarteto, pero el resultado final es una revelación.
lunes, 15 de agosto de 2022
1964’s # 1 USA ALBUM
Una película mejor que la media de los años sesenta de Elvis, con una buena banda sonora. Little Egypt es la atracción estrella aquí, complementada por algunos rockeros menores, pero capaces, como Hard Knocks y One Track Heart. Las baladas aguantan bien: It's a Wonderful World (seleccionado a la mejor canción del Oscar), Big Love Big Heartache y el número de título con clase.
Las defraudaciones son las canciones y novedades tipo carnaval (Poison Ivy League) que se ajustan a la acción de la película, pero suenan secas en el álbum.
50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS
El álbum que casi los convirtió en estrellas de las grandes ligas, principalmente por el exitoso sencillo 'Burlesque', que sigue siendo un tema apto para la radio hasta el día de hoy. En otros lugares, sus ideas originales continuaron abundando con 'Bolero Babe, con su violín arremolinado, y la nostálgica 'Coronation' mostró que Chapman y Whitney tenían mucho reservado.
El humor prevalecía mucho más en las letras de Family que en cualquier otra banda de esta época, a veces enterrado bajo el rock. Esta vez, es 'Broken Nose' y el remate, 'el día que dejé de amarte fue el día que me rompiste la nariz'. Finalmente, el maravilloso 'My Friend The Sun' está ahí para recordarnos qué gran banda fueron y nunca sintieron la necesidad de volver a formar.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
La artista irlandesa se impone definitivamente con I Do Not Want What I Haven’t Got, que mantiene y desarrolla las promesas del debut The Lion And The Cobra; es la canción Nothing Compares 2 U, firmada por Prince, la que la lanza al Olimpo del Pop, pero es el álbum que lo contiene el que revela sus extraordinarias habilidades interpretativas y su eficacia compositiva.
Las canciones, ya sean bailadas por orquestación medida o formas esenciales de rock, transmiten una voz de belleza cristalina, el resultado de elementos heterogéneos: una formidable fusión de raíces irlandesas, espiritualidad e ira civil.
Aún no encarcelado por el deseo de estar contra la corriente a toda costa, una actitud que con demasiada frecuencia ha relegado la música a los márgenes, O'Connor es aquí el portador de una tensión emocional inolvidable.
domingo, 14 de agosto de 2022
50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS 69 (Quincenal)
Algunas pistas geniales y el bajo es increíble cuando se toca lo suficientemente fuerte. Sin embargo, no sé en qué estaban pensando hacer una colaboración con Aerosmith.
"My Adidas" es una de mis pistas de hip-hop favoritas de todos los tiempos.
Han pasado más de 30 años desde el lanzamiento, este álbum sigue siendo atractivo.
Me gusta más la guitarra de Joe Perry en "Walk This Way" que la versión original de Aerosmith.
Pocas veces se alinean los astros para iluminar el parto de una criatura tan bella como este cuarto disco de Wilco. Si bien ya habían dado buena muestra de su genio en momentazos previos como "Being There" (1996) o "Summerteeth" (1999), es con este "Yankee Hotel Foxtrot" con el que rompen la baraja y llevan sus ansias experimentadoras a otra dimensión.
Un espléndido ejemplo de cómo la música progresiva y el jazz, pasada por el filtro del rock'n'roll, pueden ligar y ofrecer un resultado más que satisfactorio. Es el típico producto que saca de quicio a los defensores a ultranza del 'one, two, three, four' popularizado por Ramones: desarrollos largos y en ocasiones enrevesados, instrumentistas de alto nivel, sonido límpio y pulido en la producción... en definitiva un disco realizado por buenos músicos para todo aquel que se quiera acercar al mundo del jazz moderno, sin prejuicios.
La profunda voz bajo-profunda de Linton Kwesi Johnson recita sus cuentos líricos desde lo más profundo de esta odisea musical a cámara lenta. La nítida producción de doblaje empapada de eco de Dennis Bovell, un grupo inspirado de músicos, con las palabras cortantes de LKJ que siguen siendo un emocionante pico para la música reggae. Y esta es la más alegre y humorística de sus primeras grabaciones clásicas.
Es un fascinante breche espacio-temporal ofrecido por John Keating en este muy buen álbum, recuerdo en particular "Stereoskopia" y "Earthshine", dos composiciones originales y bastante melancólicas, pero especialmente estas dos famosas portadas: "Lucy in the Sky With Diamonds" de los Beatles y "Life on Mars" de Bow
The La's llegaron a influir en muchos otros artistas de rock alternativo británico durante los siguientes veinte años. La banda tuvo gran influencia en el movimiento Britpop de mediados de la década de 1990 y ha sido citado como una influencia de artistas como Oasis, Paul Weller, The Charlatans y Travis. Pete Doherty de The Libertines y Babyshambles también ha citado al grupo como una influencia.También han influido en muchas bandas posteriores de Liverpool incluyendo las bandas "Cosmic Scouser" de la década de 2000 como The Coral y The Zutons.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DIA
Un músico extremadamente multifacético, en los años 90 Moby variaba desde el techno hasta el hardcore y las bandas sonoras, mientras que solo convencía a veces.
Con Play, en cambio, parece haber encontrado toda su dimensión: comenzando por muestrear algunos fragmentos vocales de discos country y blues muy antiguos, en los que creó bases caracterizadas por ritmos y teclados sintéticos (pero también guitarras acústicas y eléctricas y una sección rítmica tradicional), Nostro dio vida a un híbrido singular y estimulante entre rock, blues y electrónica, besado por un éxito planetario impredecible.
En resumen, el ejemplo clásico de un disco que mira hacia atrás para avanzar, donde el pasado va de la mano con el futuro.
sábado, 13 de agosto de 2022
MIRANDO LAS ESTRELLAS 6. PIONEROS DEL ROCK & ROLL
En este grupo nos gusta decir que vamos siempre en busca de descubrimientos, de la canción perfecta, aquella que nos emociona y queremos compartir con los demás. Pero también que consideramos necesario recordar constantemente el pasado. Como se suele decir, las historias de la música no se agotan nunca, y además hay que refrescarlas para que no se olviden y las conozcan las nuevas generaciones.
En esta sección de estrellas, nos detenemos hoy a mirar en el origen del rock & roll, en aquellas figuras clave que inventaron esos ritmos endiablados a mediados del pasado siglo y que se extendieron vertiginosamente por todo el planeta.
Habrá quien piense que fueron Elvis Presley o los Rolling Stones. Ellos fueron los que lo popularizaron. Primero Elvis, a mediados de los cincuenta, y luego Jagger y Richard a principios de los sesenta. Pero hay que mirar más atrás para encontrar a los verdaderos artífices de este prodigio.
Se suele considerar al disc-jockey Alan Freed como el padre. En una emisora de radio popularizó unos ritmos nuevos, lo que él llamaba “rock and roll”. Lo definió así:“Un rio de música que se nutre de distintas fuentes: el rhythm and blues, el jazz, el ragtime, las canciones de cowboys, el country, y el folk”.
Los que realmente inventaron esta música transgresora fueron Chuck Berry, Little Richard y Jerry Lee Lewis.
Figuras legendarias, cuya música plena de ritmo y energía, arrasó en aquellos años 50.
Su arte, pero también su rebeldía, sus vidas llenas de escándalos, sus actitudes muchas veces desafiantes ante la sociedad marcaron las auténticas señas de identidad del rock and roll.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
Originario de Nueva York, Living Colour fue el primer grupo de color de área dura/pesada en lograr cierto éxito. Formados en 1985, debutan, gracias a los auspicios de Mick Jagger, con Vivid (1988), un álbum caracterizado por una fusión original de elementos pertenecientes no solo al metal, sino también al soul, el jazz y el hip hop, unidos por la técnica del guitarrista Vernon Reid y textos con un fuerte contenido social. Una fórmula replicada dos años más tarde por Time's Up, menos accesible que su predecesora pero ciertamente más centrada: canciones como Type, Pride, Solace Of You o Love Rears Its Ugly Head son fotografías musicales y culturales efectivas de su tiempo, sin embargo, sin sonar fechadas hoy en día. En 1993, el último esfuerzo de la banda, Stain, luego cada uno a su manera, al menos hasta la reciente reunión.
viernes, 12 de agosto de 2022
50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS
El Disco que más que cualquier otro es la base del fenómeno del brit-pop, y al que los principales grupos británicos de los años 90, Oasis a la cabeza, deben mucho.
Los La’s eran un cuarteto, pero toda su música giraba en torno al genio y la rebeldía del cantante y guitarrista Lee Mavers, tan talentosa para componer melodías cautivadoras y atemporales (Timeless Melody, como dice el título de una de sus canciones) como psicológicamente frágiles y perfeccionistas al paroxismo. Precisamente esta quimera de la forma ideal para dar a sus composiciones significó que la compañía discográfica, cansada de continuos aplazamientos, publicó el álbum hecho junto con el productor Steve Lillywhite pero considerado por la banda sin terminar. Un golpe muy duro para Mavers que, desde entonces, ha perdido todo rastro de sí mismo, tal vez todavía en la búsqueda espasmódica del mejor vestido para dar a estas doce pistas, imbuido tanto del lirismo de los Smith como de una sensibilidad pop que se refiere directamente a los años 60. De la alineación surge que There She Goes que, gracias a una reciente relectura, todo el mundo debería saberlo.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
Qué gran banda fue Little Feat. Hicieron música esquiva: podían llamarse a sí mismos una banda sureña, si no fuera por el hecho de que su boogie era demasiado inteligente y no estaba nada nervioso para encajar dentro del género; luego el rock, por supuesto, pero los impulsos funk y los giros folclóricos y la inspiración gospel lo convirtieron en algo más y diferente. En Sailin' Shoes, el segundo álbum de una carrera no resuelta, la sección rítmica de Richie Hayward y Roy Estrada hace maravillas de contrapuntos y tiempos impares, mientras que los teclados creativos de Bill Payne tejen estructuras complejas y atrevidas. Pero la voz, la diapositiva y el alma de Lowell George son la sangre caliente del disco: solo Willin' y Trouble escribirían el nombre de Little Feat en el salón de la fama del rock and roll. George se fue para siempre en 1979, a los treinta y cuatro años, después de un espléndido debut en solitario. Una pérdida gigantesca.
jueves, 11 de agosto de 2022
DIRECTISIMO 48
The Cure, una de las mejores bandas en directo, se sube al escenario de Hyde Park en Londres el sábado 7 de julio de 2018 para celebrar sus cuatro décadas en la música.
"Anniversary 1978-2018", dirigida por Tim Pope, habitual colaborador de la banda responsable de la mayoría de sus icónicos videoclips, captura este concierto en calidad 4k. La mezcla de audio de Robert Smith y Paul Corkett complementa y completa esta maravillosa experiencia cinematográfica.
Robert Smith y su extraordinaria banda – Simon Gallup, Jason Cooper, Roger O'Donnel y Reeves Gabrels - nos transportan en el tiempo a través de un maravilloso viaje: de Lovesong a Lullaby, pasando por Boys Don't Cry y Brun o Fascination Street y Friday I'm in Love. 135 minutos espectaculares que hacen de este concierto uno de los más memorables de toda su carrera.
DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA
Hunky Dory es una obra espontánea y segura, un registro de revelación más que de engaño. Aunque el retrato de portada del álbum muestra a David evocando el espíritu de Greta Garbo, en las propias canciones no está interpretando a un personaje ni intentando esconderse de ninguna manera. Hunky Dory es Bowie el compositor, un artista que se mueve entre varios estilos satisfactorios, estableciéndose como un letrista de gran potencial. Como todos los álbumes clásicos, existe en su propio espacio, ejerce su propio sentido de la lógica. Grabado en solo dos semanas, no suena apresurado, sino que fluye con ideas musicales inteligentes e imágenes llamativas, aunque a veces ligeramente perturbadoras.