jueves, 30 de septiembre de 2021

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

En 1977, Peter Frampton se encontraba en una situación sorprendente.  Su álbum en vivo Frampton Comes Alive!  se había convertido en un gran éxito, y todo el paquete, incluidas las palabras de algún periodista de rock en la contraportada, parecía muy calculado.  Sin embargo, la música y la interpretación del Sr. Frampton no se sienten tan calculadas;  en cambio, parece que el artista solo quería continuar: era un músico más que una estrella del pop.  Este es un escenario un poco contradictorio y, desafortunadamente, la gente parece enfatizar la dimensión 'comercial', que no existe mucho en la música que escucho en las pistas del álbum.

De hecho, el lado A de I'm in You es excelente.

Suena muy bien hasta el final,en Won't You Be My Friend"  ni ​​siquiera notas la duración de ocho minutos. Desafortunadamente, el lado B no es tan bueno.  Las versiones de portada de "(I'm a) Road Runner" y "Signed, Sealed, Delivered (I'm Yours)" son relativamente sólidas .

Pero las portadas son portadas, y los números originales de Peter Frampton no son mucho más valiosos en el otro lado.  Afortunadamente, un álbum de vinilo fácil de escuchar si no es necesario darle la vuelta. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Haunted Dancehall suena como un modelo para la década de la música electrónica que le siguió.

Cada canción, desde Bubble and Slide, lista para bailar, hasta el dub teñido de Wilmot y el ambiente de Chapel Street Market a las 9 am, está superpuesta con texturas sonoras únicas que hacen que cada pista sea casi distinguible como un sonido.

Sin embargo, queda un tema que conecta los puntos con el trío de Sabres del Paraíso.

De principio a fin, el álbum es un gran viaje a través de los reinos de las posibilidades electrónicas que aún se exploran en la actualidad.


Minimalista y evocador , terrenal y technológico , “ Haunted Dancehall ” no se autodevora en su desarrollo : es una ventana abierta que The Sabres Of Paradise cruzarán en nuevos capítulos para rebañar las posibilidades intuidas en todos sus rincones .

La instrumentación del mañana expresada ahora mismo sin petulancia ni irritantes intelectualismos.

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miércoles, 29 de septiembre de 2021

ORIGINAL O COPIA QUÉ MÁS DA 2

El pasado 21 hubiera cumplido Leonard Cohen 87 años. Está selección está dedicada exclusivamente al poeta canadiense con 7 temas propios o adaptados por él, e interpretados a su vez por otros artistas.


Impresiona saber que hay más de 3000 versiones de las canciones que compuso Leonard Cohen. Demostración de su grandeza. Esta es una pequeña muestra.

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CLÁSICOS DE ROCK 63 (Semanal)

Biblia de los 70's. Lectura diaria en su momento. Pelos largos, pantalones rotos, camperas y en la cabeza una idea. Compartir experiencia. Para ellos, cuatro profetas unidos por un mismo cuerpo. Woodstock en el horizonte, y la paranoia de cortarse el pelo. Enseñar bien a los hijos. Ayuda y un ya visto. El mensaje: os queremos a todos. Eso fue antes de querer sólo nuestros bolsillo, de cortarse el pelo, de enviarse al infierno, de engordar, de beberse el mundo entero. Esos momentos mágicos que se producen, a saber porqué, por la conjunción única de determinados astros, el mismo grado compartido de lo que se hubieran tomado, el buen sexo practicado a diario. Una cosecha de maría excepcional. O sencillamente, por el hecho de ser jóvenes. Porque a eso suena el disco, de la primera a la última canción.


'Distant Light' posiblemente podría considerarse su último gran álbum antes de caer en el aburrimiento (en mi opinión).  Hay algunas pistas sólidas.  Las canciones también son más serias y conceptuales que en 'Confessions ..' a pesar del sonido altamente derivado del disco.  Por otra parte, la mayor parte de su trabajo fue derivado de alguna manera.  Fue su encanto vocal, composición y espíritu lo que marcó la diferencia incluso para el fan casual, y mucho menos para los fanáticos como yo.


Este álbum es genial de principio a fin e incluso incluye una de las mejores baladas de Love Hurts.  Hair of the Dog se encuentra entre las mejores canciones de rock de actitud e incluso fue versionada por Guns N Roses, que era la versión menor.  Please Don't Judas Me es increíble y puede que sea mi canción favorita del álbum, pero es muy difícil elegir una.  Miss Misery mola y mientras estoy con todo el álbum es bueno


Probablemente así suene la música de David Bowie a las personas que odian a David Bowie.  Aunque técnicamente este es un álbum de "Tin Machine", es "Tin Machine" solo de nombre y en realidad es solo otro proyecto de David Bowie.  Gracias a Dios, este álbum no se considera realmente parte de la discografía principal de Bowie porque es un desastre absoluto.  También es una pena, porque claramente hay muchos músicos talentosos tocando aquí.  El problema radica principalmente en la producción, las voces y las canciones en sí.


Life & Times es un disco realmente asombroso para los fanáticos de Jim Croce, o para las personas que solo quieren escuchar buena música chill out.  Lo tiene todo, las baladas, las canciones alegres y las canciones de blues sucias y deprimentes que Jim hace tan bien.  No puedo tener suficiente de Jim Croce y este disco me ha dado alegría en muchas ocasiones.  Lo recomiendo altamente.


"The Slider" no deja de ser una continuación de los patrones instaurados en esa bomba que fue "Electric Warrior". Muchos dicen que se complementan a la perfección y comparten un sonido más que similar. Puede ser cierto, si bien este disco que nos ocupa es algo más espléndido con las cuerdas y el oropel que adorna sus baladones e incluso sus momentos más rugosos. 

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DIRECTISIMO 3

Gracias a las recomendaciones de un amigo y miembro de este grupo y gran fan de Van Morrison tengo que darle un pequeño homenaje ya que tristemente nos ha dejado esta semana pasada,eso si nos dejado su buen gusto musical a los que lo conocíamos más de cerca.

Estará cerca de los grandes que tanto amaste.

Descansa en paz Manolo Navarro.


Brillantísima despedida de una banda que hizo historia en las filas del soul blanco , la Caledonia Soul Orchestra . Al frente , un Morrison inflamado , leyendo el libro de estilo del rhythm'n'blues a la manera de los grandes intérpretes negros : composiciones de Willie Dixon , Sonny Boy William son , Ray Charles y Sam Cooke , reliquias de la época Them ( " Gloria ” , “ Here Comes The Night ' ) y un puñado de clásicos propios ( “ Cypress Avenue ” , “ Caravan " , " Warm Love " , " Domino " ... ) . Sin duda , uno de los cinco mejores directos de la historia del pop y el mejor de los grabados nunca por un cantante blanco. 

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martes, 28 de septiembre de 2021

1958’s # 1 UK ALBUM

 A no ser posible encontrar la grabación original de la banda sonora de 1958 Pal Joey,os propongo escuchar esta grabación del musical en que basó la película de Frank Sinatra y Kim Novak.

Si alguna vez se preguntó por qué algunas personas piensan que los verdaderos superhéroes de la composición de canciones del siglo XX son Rodgers-Hart (y no, digamos Bacharach-David o Lennon-McCartney o incluso Rodgers-Hammerstein; aunque, por supuesto, también son geniales), bueno  , prueba con Pal Joey.  Se balancea.  Te Mece.  ¡Derretirá tu corazón!

No duele nada que sea Frank quien canta esas melodías inmortales.  La película también es bastante buena.  Si puede admirar el personaje de Kim Novak,  también.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

The Slider es casi el mismo álbum que Electric Warrior, pero eso no es necesariamente nada malo, ni siquiera una señal de falta de creatividad.  Marc Bolan es esencialmente pionero en toda una estética musical, por lo que está bien si tiene dos LP con aproximadamente la misma declaración de tesis artística.

No soy un gran fanático de T. Rex, pero son un gran vehículo para su líder, que es el proto-Bowie en casi todos los sentidos, y es probable que hubieran sido increíbles si se hubieran mantenido en la pista durante un poco más de tiempo, pero falleció .

La primera pista hace sonar como si esto fuera a dar vueltas alrededor de Electric Warrior y expandir su sonido en algo un poco más wagneriano, pero eso realmente no sucede.

Que Pena

Es fácil que te guste, pero tal vez tanto para amarlo, aunque siento lo mismo por Electric Warrior y ese sentimiento es una herejía aparente. 

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lunes, 27 de septiembre de 2021

1958’s # 1 USA ALBUM

El Álbum de Navidad de Elvis fue lanzado en octubre de 1957 y pasó cuatro semanas en el número uno.  Hace un par de años seguía siendo el álbum navideño más vendido de todos los tiempos.

El Álbum de Navidad de Elvis se puede dividir en tres partes.  La primera cara del LP original contenía seis canciones navideñas seculares.  Dos villancicos tradicionales comenzaron en el lado dos, y fueron seguidos por cuatro canciones gospel que fueron tomadas de un EP publicado anteriormente.  El EP o single extra play era un disco de 45 rpm que contenía 4-6 canciones.  También venía en una funda de cartón que era similar a un LP.  Esta forma nunca realmente se popularizó en los Estados Unidos, aunque Elvis llegó al top ten con varios de estos lanzamientos.  Este formato fue muy popular en Gran Bretaña y Europa, ya que costaban  menos que un álbum completo.

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

The Pretender "se diferencia de sus predecesores en su franqueza de tono y letras. Esto le vino bien al álbum y abrió a Jackson Browne a una audiencia más amplia que antes, y se atribuye principalmente al valor de producción que difiere de todos los trabajos anteriores.


En ocasiones, la producción defrauda en el álbum, en canciones como "Daddy's Tune", donde simplemente están sucediendo demasiadas cosas.  Sin embargo, hay tantas buenas melodías en este álbum para no quejarse demasiado.  La composición es sólida en su mayor parte, y la pista del título final es increíblemente poderosa, posiblemente su mejor canción.


 "Sleep's Dark and Silent Gate" finalmente se abre a la pérdida de su esposa y el cuidado de su hijo, y él y los más cercanos se complementan personalmente. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

En 1973, Jim Croce encontró el pináculo del éxito de su carrera y todo el alboroto y el tiempo en la carretera que acompaña a tal éxito.  Entonces, después de lanzar el exitoso álbum Life and Times y terminar la grabación del seguimiento, I Got a Name, Croce decidió que se retiraría de la música para pasar un tiempo valioso con su familia después de la gira de ese álbum.  Desafortunadamente, Croce murió en un accidente aéreo el 20 de septiembre de 1973, luego de un concierto en la gira Life and Times en Louisiana.


Originario de Filadelfia, la carrera musical de Croce comenzó tocando en fiestas de fraternidad en la Universidad de Villanova.

Lanzó su álbum debut autofinanciado, Facets en 1966, que agotó su edición limitada de 500 copias.  Poco después, Croce comenzó a actuar a dúo con su esposa Ingrid y la pareja emigró a la ciudad de Nueva York para grabar su álbum de 1969, Jim & Ingrid Croce.  Siguieron esto con una extensa gira universitaria de dos años en la que estimaron que condujeron más de 300.000 millas en zigzag por el país.

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domingo, 26 de septiembre de 2021

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS 46 (Quincenal)

De todos los primeros álbumes de estudio de Bruce Springsteen, The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle es posiblemente el que contiene la menor cantidad de grandes melodías, pero aún posee gran parte de la encantadora ingenuidad de su debut, y quizás Springsteen solo lo necesitaba.  de unas pocas palabras tranquilizadoras en su oído con el fin de recomponerse lo suficiente como para hacer un esfuerzo concertado para convertirse en el tipo de estrella de rock que debería ser, en lugar de lo que pensaba que debería ser.  Con su entusiasta pero a veces torpe mezcla de rock and roll, pop endeudado de callejón de hojalata y una maestría musical demasiado técnica que roza demasiado cerca del jazz para su comodidad, es obvio que Springsteen o alguien cercano a él necesitaba dominar el arte de la autoevaluación.  control.  La cosa es que The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle simplemente no serían tan adorables si no se esforzaran tanto, y con su próximo álbum, Springsteen y la E Street Band lo sacarían del parque.


Álbum muy sólido de Eric Clapton después de una producción previamente desigual y mediocre.

Hay muchas buenas canciones aquí, y enumerarlas todas sería una tarea injustificada.

Solo escucha el álbum y estoy seguro de que estarás de acuerdo conmigo en que casi todas las pistas son geniales, quizás con la única excepción de una versión innecesaria de "Hound Dog".

 Para mí, este es su mejor álbum desde 461 Ocean Boulevard, y fue un gran álbum.


Seguro que el lanzamiento de Iron Maiden en 1983, Piece Of Mind, es más débil que el álbum que lo precedió y el que lo sucedió.  Pero, sin embargo, sigue siendo un álbum de Iron Maiden, todavía increíble, y aún lleno de gemas clásicas de Iron Maiden.  Gemas como The Trooper, que es una de sus obras maestras de conciertos de todos los tiempos, y gemas como Flight Of Icarus, que posiblemente sea su mayor épica de estilo progresivo.  Piece Of Mind podría ser débil para Iron Maiden, pero patea la mayoría de los otros álbumes de Heavy Metal.


In Deep ", el cuarto álbum de la banda, se lanzó originalmente en Epic Records en 1973. Después de una excursión de rock progresivo bastante exitosa desde el punto de vista comercial, la banda volvió a un sonido más original y estructuras más rockeras.

Aunque los chicos llegaron al top 20 en Inglaterra con el realmente bueno "God Gave Rock and Roll to You" y también pudieron ingresar a las listas de éxitos en los EE. UU., La banda ya había pasado su cenit / White and Ballard cada uno contribuyó con cuatro canciones al álbum, siendo Rod Argent y Chris White los más sutiles.


Abacab es el último álbum de Genesis que podría ser considerado "progresivo" por cualquier tramo de la imaginación.  Si bien todavía hay algunos arreglos complicados y elementos inusuales en la música, la banda, en este punto, se inclinaba fuertemente hacia el reino del pop.  Aún así, no es un gran paso por debajo de Duke.  La música de Abacab se las arregla para abrazar descaradamente el pop pero conservando un sentido saludable de valor artístico.


Motivos de peso para regocijarse y dejarse arrullar por el que todo el mundo considera su obra maestra. Quizás esperara algo más, pero no puedo decir que el disco me haya decepcionado. Tiene ganchos más que suficientes más allá de la prodigiosa voz de la de Alabama, más allá de su manera de involucrarse en la canción, más allá, en definitiva, del enorme gusto de una de las voces más bellas y penetrantes que hayan existido. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Después de dos álbumes de rock corporativos insípidos y de bajo precio, David Bowie decidió que la mejor manera de revitalizar su motivación y musa era someterse a un relativo anonimato durante un tiempo como miembro de una banda.

Así que formó Tin Machine, una ruidosa banda de hard rock compuesta por la sección rítmica de finales de los 70 de Iggy Pop (Hunt y Tony Sales) y Robert Fripp, como Reeves Gabrels en la guitarra.

Pero para escapar de su sonido comercial de los ochenta, abrazó el más ronco de los clichés del rock: la banda de hard rock juvenil, con miembros intercambiables, letras francamente politizadas y sexualizadas, y un sonido enraizado en el blues y el rock clásico.

Es el tipo de cosas que cualquier encarnación de Bowie de los setenta habría rechazado.

Ciertamente, el álbum en sí es una escucha más agradable que los dos álbumes anteriores de Bowie.  Gabrels, a pesar de todos sus excesos, puede ser un guitarrista apasionante, y de vez en cuando se le ocurren algunos coros memorables ('Prisoner of Love', 'Amazing', 'Baby Can Dance').  Aún así, la única razón para escuchar a Bowie en primer lugar es escapar de la banalidad del tipo de música adoptada por Tin Machine. 

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sábado, 25 de septiembre de 2021

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Si bien Pieces of the Sky fue oficialmente su segundo álbum, tuvo el efecto de un debut dinámico de la relativamente desconocida Emmylou Harris a principios de 1975. Este disco lanzó a Harris al escalón más alto de los artistas country y se destacó por su ecléctica selección de versiones.  y composiciones dedicadas que mostraron el talento de esta cantante y ofrecieron un enfoque fresco del género en general.  De hecho, este álbum aclamado por la crítica a menudo ha sido citado por influir en un cambio en la música country hacia sus raíces folk / americanas, así como un precursor en el género emergente de "Outlaw Country".


Originaria del sur de Estados Unidos, Harris emigró a la ciudad de Nueva York para unirse a la escena folclórica de Greenwich Village de finales de la década de 1960.  Pronto grabó su álbum debut con influencias folk Gliding Bird, que tuvo poco éxito comercial después de su debut en 1969, pero encontró una nueva vida después del éxito posterior de Harris.  En 1971, Harris fue recomendado a Gram Parsons, quien estaba buscando una vocalista con quien colaborar en su disco para Reprise Records.  Pronto Harris realizó una gira como miembro de la banda de Parsons, The Fallen Angels, y la pareja colaboró ​​en un segundo álbum de estudio, Grievous Angel (lanzado póstumamente en 1974).  Trágicamente, Parsons murió de una sobredosis de drogas en septiembre de 1973.

A raíz de la desaparición de Parsons, Reprise se centró en Harris como solista y fue emparejada con el productor canadiense Brian Ahern.  El álbum que se convertiría en Pieces of the Sky se grabó en Los Ángeles y Silver Spring, MD y contó con una impresionante variedad de músicos para respaldar a Harris.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

No hay duda de que este es uno de los mejores esfuerzos de Nazaret.

Para una banda que a menudo se pasa por alto que no obtuvo muchos éxitos (a pesar de tener una carrera muy larga), ¡el álbum es como el infierno!  Comenzando con el conocido y constantemente versionado "Hair of the Dog", el álbum tiene un gran comienzo, antes de entrar en lo más destacado del álbum, "Miss Misery".  La voz de Dan McCafferty es increíble en todo momento, especialmente en "Beggars Day", donde golpea un coro increíblemente poderoso, que suena como una versión más profunda y rica de Axl Rose, quien parece claramente inspirado por la voz de McCafferty, llegando tan lejos como  para cubrir Nazaret en "¿El incidente de los espaguetis?".  "Beggars Day" se desangra directamente en "Rose in the Heather", ofreciendo un instrumental que se reproduce más como la conclusión de la pista anterior que como una pista separada.  El álbum se cierra con "Whisky Drinkin 'Woman" (me decepciona que los escoceses no usaran la ortografía escocesa del whisky), un tema de blues con un ritmo funky, y "Please Don't Judas Me", que es  una bonita canción que realmente se centró en la voz de McCafferty, pero que probablemente continúa de manera repetitiva durante un poco más de lo debido.

Pero esa es una pequeña crítica a un gran álbum.  Si todo lo que sabes es "Hair of the Dog" y "Love Hurts" (que ahora aparece en el álbum en lugar de "Guilty), entonces te debes a ti mismo ver este álbum de un gran grupo de hard rock pasado por alto.

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viernes, 24 de septiembre de 2021

SUREÑOS DEL NORTE AL SUR 72

North Mississippi Hill Country Blues: ¿El último reducto?

 

Si se consulta cualquier libro de blues escrito anteriormente a la década de 1990, poco o nada encontrará del estilo North Mississippi Hill Country Blues también llamado North Mississippi style o Hill Country style. North Mississippi Hill Country,  región muy cercana al Delta, se conocía por ser la zona de origen de Mississippi Fred McDowell, quien gozó de bastante éxito durante los años 60 en la época del Blues Revival, y poco más. Mississippi Fred McDowell poseía un estilo muy personal de tocar el blues y en especial  la slide guitar. Lo que no se supo en su momento es que su estilo, a pesar de ser muy propio, estaba enmarcado dentro de una tradición y que la influencia de McDowell, así como la tradición musical de la cual él procedía, perviviría décadas después de su muerte.

Se ha apuntado como una de las razones del olvido de esta región a que las autopistas estatales llegaron a esta parte del estado en un periodo tardío. Así, mientras que investigadores, como por ejemplo los Lomax, padre e hijo, ”descubrieron” grandes bluesmen del Delta en la década de 1930, Fred McDowell no fue “descubierto” hasta 1959. 


Pero, ¿Qué es lo que diferencia el North Mississippi Hill Country Blues de otros estilos de blues? El North Mississippi Hill Country Blues tiene una cadencia repetitiva e hipnótica. Se podría decir que el North Mississippi Hill Country Blues es el más africano de todos los estilos de blues y la música de Junior Kimbrough es la que mejor se ajusta a esta definición. Hay incluso quien dice que el North Mississippi Hill Country Blues es anterior al Delta blues. Aunque se pueden encontrar diferencias entre ambos estilos, también es cierto que hay muchos parecidos. La razón es que ambas zonas están cercanas y que los bluesmen siempre se han caracterizado por viajar. De esa forma, esos músicos errantes a la vez que iban sembrando influencias recolectaban otras.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Las cosas habían sido difíciles para los Hollies desde la partida de Graham Nash, pero se recuperaron para los anémicos Hollies Sing Hollies con un esfuerzo sorprendentemente robusto.  Desafortunadamente, Distant Light no se basa en esos éxitos.  Comienza con una reminiscencia y los siguientes cuarenta minutos parecen un elogio.


El álbum está casi desprovisto de energía.  "Long Cool Woman" salta del disco, pero incluso esta canción suena extrañamente silenciada.  Del mismo modo, el bonito "Cable car" parece ceder a mitad de camino, como si las palabras simplemente ya no importaran.  Hay más cosas en la portada del álbum que en el disco real.  Para cuando la banda canta "It's over, well over, and we can't revive what's past...”en la pista final, no hay razón para no creerles.

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jueves, 23 de septiembre de 2021

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Genesis continuó su migración progresiva del progresivo al pop rock con su undécimo álbum de estudio, Abacab, lanzado en 1981. Las composiciones aquí hacen un uso intensivo de secuenciadores y técnicas de estudio, combinadas con melodías prístinas para forjar un sonido fresco y amigable con la radio para esta década de 1980.  versión trío del grupo.  El resultado apuntó a Genesis en una dirección distinta, donde los fanáticos del pop descubrieron a la banda de más de una década por primera vez como un grupo contemporáneo y amigable con la radio para la década de 1980.


 Genesis se retractó de un quinteto original hasta convertirse en un trío luego de la partida del guitarrista Steve Hackett.  A partir del álbum de 1978 And Then There Was Three, Mike Rutherford asumió las funciones de guitarra y bajo.  Duke de 1980 se convirtió en el primer álbum que encabezó las listas de éxitos del grupo en su Reino Unido natal, ya que el álbum generó tres sencillos para la radio.  Más tarde ese año, Phil Collins grabó su álbum debut en solitario, Face Value, que se convirtió en un éxito mundial tras su lanzamiento a principios de 1981. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Déjà Vu es sin duda el mejor álbum de Crosby, Stills, Nash y Young.

Podría decirse que es el mejor álbum de Electric Folk de todos los tiempos.

Es una obra maestra total, no hay nada parecido a una mala canción.  Es simplemente una obra maestra folk rockera tras otra.

Déjà Vu no tiene una, ni dos, ni cuatro, sino cinco canciones absolutamente perfectas, cinco.  ¿Cuántos álbumes pueden reclamar eso?  Continúe, enseñe a sus hijos, indefensos, Woodstock , todo sin defectos.

Este álbum es una instantánea perfecta de un solo momento en el tiempo.

Lo último del optimismo juvenil de la década de 1960 dando paso al cinismo hastiado de la década de 1970.

Déjà Vu da voz a la muerte de una década convulsa y al nacimiento de otra.  Es imprescindible para cualquier verdadero fanático del Rock.

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miércoles, 22 de septiembre de 2021

DIRECTISIMO 2

The Neville Brothers, que debutaron con un elepe homonimo en el que se incluyeron dos de sus legendarias nevillizaciones de temas ajenos, 'Dancing Jones', de Leiber & Stollery, y 'Washable Ink', de John Hiatt. Tres años despues publicaron 'Fiyo On The Bayou', la primera de sus obras maestras, con lucidas interpretaciones de clasicos locales ('Iko lko') y temas autoctonos ('Brother John', 'Hey Pocky Way'), completadas por un puñado de delicatessen para gourmets musicales: 'Mona Lisa', 'The Ten Commandments Of Love', 'Sitting In Limbo'. 


Lamentablemente, su propuesta no cuajo comercialmente, y The Neville Brothers buscaron refugio en el calor del club Tipitina, donde registraron un par de miticos elepes en directo, 'Nevilleization' y 'Live At Tipitina’s Vol II', publicados, respectivamente, en 1984 y 1987. 

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CLÁSICOS DEL ROCK 62 (Semanal)

Crest of a Knave es toda una curiosidad debido a un hecho bastante absurdo de que ganó el premio Grammy en la categoría de heavy metal rock, probablemente un alto jurado decidió que el título de la canción "Steel Monkey" tiene algo que ver con la metalurgia del rock.  La otra cosa muy curiosa de este álbum es que más que a menudo la voz de Ian Anderson empezó a sonar como la de Mark Knopfler.  Es cierto que hay muchos solos de guitarra pesados ​​y lamentosos en el álbum, pero las canciones todavía están llenas de trucos electrónicos baratos, por lo que hace que Jethro Tull se parezca más a Black Sabbath convertido en synth-pop y liderado por Mark Knopfler.  Al decir todo lo anterior, me sorprende la frecuencia con la que Crest of a Knave funciona bien y algunos pasajes de flauta envían hormigas corriendo sobre mi piel.


La voz de Denny, a veces frágil y otras veces elevándose a algo discreto y poderoso, es siempre apasionada, pero llena de anhelo por algo.  Por qué, no estoy seguro: amor, tal vez, o el hogar, o la sencilla vida en el campo que tan bien retrata en Sweet Rosemary.  Es lo que creo que la gente ve en Tea for the Tillerman de Cat Stevens;  tiene la misma sensación de delicada moderación, como si expresar su deseo con demasiada vehemencia pudiera romperlo.


Primer álbum de esta banda que escuché.  Y debo decir que resultó ser un buen disco.

Todas las canciones son rápidas, son muy duras y pesadas y las letras son del estilo típico de Motörhead.  Lemmy es Lemmy.  No hace falta decir más sobre él.  Un buen disco de heavy metal con mucho sonido de rock and roll pesado y sentimiento sucio.


Álbum de debut en solitario del vocalista principal de The Zombies.  Este no es totalmente como su grupo anterior, apoyándose mucho más en el pop barroco que en la música beat / R & B del debut de The Zombies y el pop psicológico de su segundo álbum, aunque los matices de su grupo anterior brillan.  Colin ofrece sus primeras canciones escritas aquí, junto con material de otros compositores selectos y todo conduce a un álbum realmente hermoso.

Este es un gran álbum con muchas pistas fantásticas.

Necesita más escuchas con seguridad.


Un lanzamiento conmovedor de 1970 de Syl Johnson, un artista asociado con Chicago y Southern Soul.

En esta ocasión, un Chicago Soul muy bonito, con algunas vibraciones Funky y un contenido político potente (especialmente en el tema principal, que es ... wow).  Uno podría relacionar esto con sus contemporáneos que tomaron un enfoque más político, pero uno debe tener en cuenta que esto se publicó antes de What's Going On de Marvin Gaye.  Lamentablemente, este álbum no recibió mucha atención en su día (ni siquiera hoy).


Elvis Presley regresó en noviembre de 1970 con otro magnífico lanzamiento de álbum.  That’s The Way It Is era un título un poco mal etiquetado, ya que pretendía ser la banda sonora del documental del mismo nombre.  Este álbum solo contenía cuatro pistas en vivo, mientras que las otras ocho eran del estudio.  Se desconoce por qué RCA no emitió las actuaciones en vivo de la película.  Sin embargo, That’s The Way It Is sigue siendo un excelente lanzamiento ya que presenta once canciones que nunca habían aparecido en su catálogo hasta ese momento.

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martes, 21 de septiembre de 2021

1957’s # 1 UK ALBUM

Tommy Steele Story y Rock You Sinners (ambos lanzados en junio de 1957) fueron las primeras películas británicas que se construyeron alrededor del rock'n'roll.  Steele ya era una celebridad nacional y había tenido un papel como invitado en una película de misterio de 'B', Kill Me Tomorrow (m. Terence Fisher, 1957).

Anglo Amalgamated (entonces principalmente un distribuidor de películas 'B') le presentó al cantante un documental en blanco y negro de bajo presupuesto con un rodaje máximo de cuatro semanas.  "¿Qué tal la historia de un joven marinero que toma la guitarra y lo hace en el rock and roll?"

The Tommy Steele Story transmite claramente el proceso de hacer un ídolo pop, sin la sordidez y el cinismo que acompañaría a muchas historias posteriores y además de promover discos, la película es un ejercicio de construcción de imágenes.

A diferencia del joven Elvis Presley, Steele aparece como una presencia asexual completamente no amenazante. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

La primera vez que escuché “ I've Lost You” hasta ese momento no había sido fan de Elvis . Conocía sus canciones probablemente podía tararear media docena de sus melodia de memoria , pero no tenía el menor interés en ellas.Me encontraba escuchando la prematura FM mientras esta oda a un matrimonio que se derrumba era relatada ,cuando me di cuenta de que una canción de Elvis -una puta canción de Elvis - podía ponerte los pelos de punta -Esta canción habla de Priscilla -Su matrimonio se cae a pedazos y él no quiere admitirlo y lucha por no perderla. 

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lunes, 20 de septiembre de 2021

1957’s # 1 USA ALBUM

El álbum de Navidad de Elvis (también reeditado como It's Christmas Time) es el tercer álbum de estudio y el primer álbum de Navidad del cantante y músico estadounidense Elvis Presley , una edición limitada de lujo, lanzado el 15 de octubre de 1957 y grabado en  Grabadoras de radio en Hollywood.  Ha sido reeditado en numerosos formatos diferentes desde su primer lanzamiento.

Pasó cuatro semanas en el n. ° 1 en la lista Billboard Top Pop Albums, y fue el primero de los dos álbumes con temas navideños que grabaría Presley, el otro es Elvis Sings the Wonderful World of Christmas. 

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS


“In Deep ", el cuarto álbum de la banda, fue lanzado originalmente en Epic Records en 1973. Después de una excursión de rock progresivo comercialmente exitosa, la banda regresó a un sonido más original y estructuras más rockeras.

Me gusta mucho estos chicos llegaron al top 20 en Inglaterra con el realmente bueno "God Gave Rock and Roll to You" y también pudieron ingresar a las listas de éxitos en los EE. UU.

La banda ya había pasado su cenit / White y Ballard contribuyeron cada uno con cuatro canciones para el álbum, con Rod Argent y Chris White siendo los más sutiles. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Soul duro y funky de Chicago que expresa el mismo tipo de protesta política que hicieron Marvin Gaye y Curtis Mayfield en ese momento, pero que no recibió el mismo tipo de atención.

Lo cual es realmente una lástima porque la canción principal es un inmenso aullido de dolor respaldado por un ritmo lento y profundo.  “concrete reservation” and “walk a mile in my shoes” expresan la angustia de la experiencia afroamericana de finales de los sesenta.

Algún cantante de este tipo, su estilo es más duro que el de Marvin o Curtis, pero funciona bien ya sea que se use con grandes arreglos o cortes de banda más ajustados.  Es bueno verlo obtener algunos de los elogios que merecía en ese momento.  Solo la horrible versión de The Beatles 'come together' lo detiene.

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domingo, 19 de septiembre de 2021

SALÓN DE LA FAMA 1 1986 (Quincenal)

José Sánchez y Antonio Martínez


El 23 de enero de 1986, los legendarios artistas James Brown, Elvis Presley, Ray Charles, Sam Cooke, Little Richard, Chuck Berry, Fats Domino, Jerry Lee Lewis, Buddy Holly y The Everly Brothers fueron incluidos en la primera clase del Salón de la Fama del Rock & Roll en el Waldorf Astoria Hotel de la ciudad de Nueva York. Lo que se esperaba que fuera solo una cena con discursos de aceptación se convirtió en una histórica jam session orquestada por el promotor Bill Graham con Berry, Lewis, Domino, Billy Joel, Keith Richards y Ron Wood de The Rolling Stones, Neil Young, Steve Winwood, John Fogerty y Chubby Checker. Paul Shaffer dirigió la "World's Most Dangerous Band" (desde Late Night with David Letterman) incluyendo al saxofonista David Sanborn, el guitarrista Sid McGinnis, el bajista Will Lee y el batería Steve Jordan.


Lo más destacado incluyó a Winwood interpretando "Gimme Some Lovin' (The Spencer Davis Group) en el órgano, Forgery tocando "Proud Mary"' por primera vez en 14 años, y Checker cantando y bailando "The Twist". Berry dirigió el acto final, caminando por el escenario hasta su clásico "Roll Over Beethoven" mientras Joel, Lewis, Fogerty, Richards, Young y Winwood tocaban detrás de él.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

A Colin Blunstone le rescató de su empleo alimenticio en una compañía de seguros el éxito tardío de "Time of the Season", el apoteósico single de Zombies que debía tener demasiado larga la mecha. El caso es que Rod Argent y Chris White ya se habían involucrado en otra banda (Argent) y que Blunstone se veía tan inseguro de prosperar como solista que publicó algunos sencillos de tanteo, bajo el seudónimo Neil McArthur. Funcionaron muy decentemente en cuanto a repercusión. Así que Blunstone dio el paso adelante, bajo el amparo de Argent y White en producción, composición de algunos temas (inicialmente destinados al inédito "R.I.P." de Zombies) y respaldo instrumental en los temas "animados".


Sin embargo si ese registro pop más convencional y luminoso fuera exclusivo en "One Year", el álbum resultaría de grata escucha, reconfortante, pero menor. Lo que lo ha convertido en pieza de culto son las canciones presididas por los maravillosos arreglos de cuerda de Chris Gunning. Indescriptiblemente ricos, con un poder evocador sublime y absolutamente apropiados para converger con las suaves y muy emocionales prestaciones vocales de Blunstone. No dejan de conectar en cierto modo con algunas de las facetas más admiradas de Zombies: la pastoral, la psicodélica, la chispeante. 

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sábado, 18 de septiembre de 2021

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS



El debut de la formación clásica (Dickinson en la voz, Murray y Smith en guitarras, Harris en el bajo y el recién llegado Nicko McBrain en la batería), y un compendio de canciones que a estas alturas son infaltables en el repertorio de la banda.

Piece of Mind tuvo la difícil de misión de suceder a tres discos exitosos e increíbles, pero logra cumplir su cometido. Ya desde la intro de batería de “Where Eagles Dare” nos damos cuenta que estamos ante un gran disco, que merece toda nuestra atención.

El bajo galopante nos guía en singles inmortales como “The Trooper”, o la vertiginosa “Die with Your Boots On”, mientras que la voz de Dickinson se mantiene en muy buena forma en “Flight of Icarus” y “Revelations”. Sin rodeos, esta es una de los álbumes que confirma el gran momento que pasaba la doncella. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Honestamente, es un álbum mejor que Iron Fist, por ejemplo, y realmente lo disfruto.  Es una marca Motorhead simple y rápida de heavy'n'roll.  Claro que no presenta números tan buenos como en Orgasmatron o Killed by Death, pero Eat The Rich lo maquilla bastante bien.

También me gusta la canción principal, Stone Deaf in the USA, The Wolf, Traitor, Dogs, All For You y solo Blackheart y Boogeyman son un poco peores.


No es el mejor álbum de Motorhead que existe, pero es totalmente agradable y lo recomendaría incluso para aquellos que recién están comenzando su viaje a través del increíble catálogo de la música de Lemmy

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viernes, 17 de septiembre de 2021

SUREÑOS DEL NORTE AL SUR 71

Hay tipos que nacen para ondear banderas, uy sí… rojas, blancas y azules; y cuando la banda toca himnos patrióticos, ellos te apuntan con sus cañones. No, yo no lo soy, no soy hijo de un senador, no, no soy uno de esos afortunados. Hay tipos que han nacido forrados de dinero, incapaces de ayudar a nadie; y cuando el recaudador de impuestos llama a sus puertas, siempre están lloriqueando. No, yo no lo soy, no soy hijo de un millonario, no, no soy uno de esos afortunados. Hay tipos que heredan ojos salpicados de estrellas, gente que te envía a la guerra; y cuando preguntas hasta cuánto hemos de dar, te responden «más y más y más». No, yo no lo soy, no soy hijo de un militar, no soy uno de esos afortunados. 


Letra Fortunate Son. CCR


En 1969 y con el desastre humano ocasionado por la guerra de Vietnam como telón de fondo, los Creedence publican una canción en la que Fogerty ya dispara con bala contra quienes cree responsables: «Fortunate son», su 4º single de oro . 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

 


Probablemente el mejor álbum en solitario de Sandy, solo muchas canciones hermosas que muestran diferentes facetas de su talento.


“It'll take a long time”es una hermosa canción guiada por la guitarra de Richard Thompson,”For nobody to hear es algo un poco diferente para ella y presenta una tabla de trompetas funky de Alain Toussaint y casi lo logra.  'tomorrow is a long time' es una versión encantadora y campestre de la canción de Dylan con Linda Thompson uniéndose a ella en la voz, mientras que la acapella 'quiet joys of brotherhood' muestra que puede llevar una canción solo con su voz.


La segunda mitad también tiene algunas ventajas, la balada de piano orquestada de “the Lady”recuerda a Joni en su exuberante pena y el altísimo 'escuchar, escuchar' tiene que ser una de sus mejores interpretaciones.  Pero todo el álbum es un placer, su escritura está en su mejor momento aquí y, a pesar de la diversidad, es un disco muy accesible.

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jueves, 16 de septiembre de 2021

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

La fuerza de Clapton no es su composición o su voz, sino su forma de tocar la guitarra de blues.  Con varios éxitos de radio, fantásticos remakes y artistas invitados como Phil Collins, Robert Cray y George Harrison,

Journeyman es un clásico.


La pista que abre , "Pretending", es probablemente la canción más "pop" del álbum, pero también incluye más guitarras que "lamentan" que en otras pistas.  Le sigue la balada "Anything For Your Love".

Las canciones de amor lentas no son el punto fuerte de Clapton, pero esta es lo suficientemente pegadiza.  "Bad Love" agrega la batería de Phil Collins a la guitarra de Clapton.

Con un ritmo tradicional, esta es otra canción pop, pero con un toque diferente.

La pista tiene un nivel de energía muy alto con una gran pausa instrumental a mitad de la canción.

El tono luego cambia con "Running on Faith", otra balada, pero una de sus mejores.

La canción tiene un ritmo de blues y la guitarra se adapta al estado de ánimo de la canción.

Las voces de acompañamiento del coro se suman a la reverencia del sonido. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Antes de este álbum la pausa en su carrera le dio a Anderson a considerar qué dirección quería que tomara Jethro Tull en el futuro, después de todo, algunos fanáticos habían expresado su decepción con Under Wraps y el aparente abandono de Tull de su sonido tradicional.

Cualquiera que sea el caso, Anderson ahora tenía un rango vocal más limitado y tuvo que encabezar un álbum que convenció a los fanáticos de que no se habían peleado con las guitarras.

El álbum resultante fue Crest of a Knave, un álbum que aparentemente tomó nota de lo que otras estrellas de rock de mediana edad habían tenido éxito en los últimos años, y le dio un giro distintivo de Tull.

Esto significó que hay algunos riffs extrañamente al estilo ZZ Top repartidos por Crest of a Knave, pero la referencia más fácilmente identificable es Dire Straits, particularmente en los números más sutiles del álbum, y particularmente en la longitud de "Budapest", y el hecho de que Anderson  El rango vocal lo hizo sonar extrañamente similar a Mark Knopfler, solo destaca esto.

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miércoles, 15 de septiembre de 2021

ORIGINAL O COPIA, QUÉ MÁS DA 1

"Nobody Knows You When You're Down and Out"  escrita por Jimmy Cox en 1923, relata la peripecia de un millonario durante la época de la Ley Seca, la fugacidad de la riqueza material y de los amigos que vienen y van con ella. Fue grabada y  popularizada por Bessie Smith en 1929. Esto la convirtió en un estándar de blues y jazz, y numerosos artistas hicieron versiones. Entre ellas destaca  en 1960 la poderosa interpretación de Nina Simone.


"Always on My Mind". En 1972  Gwen McCrae (bajo el título de "You Were Always On My Mind") hizo la primera  versión. Ese mismo año fue publicada por la cantante de country Brenda Lee y por Elvis Presley. En 1987 Pet Shop Boys sacan su apoteósica interpretación. 


"Mr. Tambourine Man" es una canción de Bob Dylan publicada en 1965. La versión del grupo The Byrds alcanzó el número 1 en las listas de éxitos, superando la de su autor.


"Everybody's Talkin'" fue escrita por Fred Neil en 1966. La versión del tema interpretada por Harry Nilsson, se convirtió en un éxito internacional en 1969, al ser incluida como tema principal de la banda sonora de la película Midnight Cowboy, protagonizada por Jon Voight y Dustin Hoffman. El sencillo alcanzó los primeros puestos en las listas de éxitos norteamericanas, y obtuvo un Grammy.


Manuel Alejandro es el autor de "Se me va", una de las más hermosas canciones de amor de nuestra música. La voz apasionada de Bambino la convirtió en un clásico. Emociona también la interpretación de Los Elefantes. 

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DIRECTISIMO 1

A pesar de que The Spiders from Mars era una gran banda de estudio (y hay tres álbumes completos que lo demuestran), Bowie siempre sostuvo que la única forma de apreciar realmente de lo que eran realmente capaces era experimentarlos en el escenario en vivo.

Mientras que el álbum en vivo de Ziggy Stardust: The Motion Picture se grabó en 1973 y se lanzó en 1983 con gran éxito, una grabación mucho más representativa y enérgica fue el bootleg Live Santa Monica '72, que se grabó durante una gira decadente financiada con dinero.  tomado prestado del sello RCA Records, con el fin de convencer al público estadounidense de que Bowie era indiscutiblemente un gran negocio.


 Grabado originalmente para una estación de radio estadounidense, la falta de pulido sónico en Live Santa Monica '72 es en realidad su gran fuerza, ya que la banda gruñe y ruge a través de una serie de sus mejores temas.

Bowie esponja la línea extraña, Bolder y Woodmansey disparan a toda máquina y el trabajo de guitarra de Ronson es nada menos que ampollas.  Ah, y el teclista contratado Mike Garson está allí en alguna parte, su interpretación se ve abrumada por el poder de una de las mejores bandas de rock en vivo que jamás haya existido. 

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CLÁSICOS DEL ROCK 61 (Semanal)

La sombra de este disco atemporal es legendaria,y hoy podemos rastrearla en las obras de Fleet Foxes o Band of Horses.

Un disco de esos que no se parecen a nada ni a nadie,magico y ensoñador de verdad.Con la plana mayor californiana (y especialmente la de Frisco),echandole una mano se marca un disco para la leyenda.

Folk,country,psicodelia,pero sobre todo musica " a la Crosby",un compositor siempre a la busqueda de algo diferente tanto en melodia como en tratamiento vocal.

Una de esas joyas de los 70 a redescubrir.


¡Country, blues, pop, sonido de memphis, jazz, rock, swing, todos juntos sin principio ni fin! Afortunadamente, el cambio de estilo musical justificó a Tim Hauser, quien se enfrentó a la banda después de este experimento fallido, eliminó a Gene Pistilli y se volvió hacia el musical. género que los estableció!  Para aclarar que las canciones no están mal, el estilo y la elección están fuera de lugar, la mejor canción es "one more time around rosie".


Con este lanzamiento de 1974, los fanáticos de Hawkwind se sorprendieron un poco con el nuevo sonido de la banda.  Con la llegada del teclista / violinista Simon House, Hawkwind agregó un toque sinfónico a su paleta sonora y aumentó la maestría musical algunas muescas en el proceso, pero aún siendo capaz de rockear ferozmente como antes.  La adición de los melotrones giratorios y el violín solo mejoró las atmósferas espaciales / trippy de la banda.


La música y la muerte son una combinación preocupantemente potente.  Por alguna extraña y morbosa razón, los álbumes suenan mejor cuando el artista en cuestión está muerto.  ¿Pearl sería considerada un clásico si no estuviera tan ligado a la muerte de Janis Joplin?  ¿Seguiría existiendo semejante mitología en torno a The Doors si Jim Morrison hubiera completado su impresionante transformación en un viejo y gordo ermitaño?  Demonios, una pequeña dosis de muerte fue todo lo que se necesitó para engañar a la gente haciéndoles pensar que Nevermind era algo más.


Cuando se lanzó Surf's Up en 1971, obtuvo las mejores críticas generales sobre la carrera de The Beach Boys.  Unos 35 años después, me parece mucho más difícil créemela .  Sí, no se puede negar que es un disco muy bueno: más ambicioso y más adulto que Sunflower, más en sintonía con su época.  Sin embargo, tampoco se puede negar que muchos de sus mejores momentos no son exactamente nuevos: son más tomas descartadas de Smile, desempolvadas y renovadas.  Y el álbum en su conjunto es un poco desigual una palabra que veo mucho cuando reviso los álbumes de Beach Boys).


RAGE IN EDEN puede no ser tan atractivo instantáneamente como VIENNA, pero es mucho más complejo y ambicioso.  Los arreglos son sutiles;  las letras contienen mucha profundidad;  y el tono enérgico y algo extático de VIENA es reemplazado por algo pensativo, de mal humor, algo casi deprimente, de hecho.  Puede que falten los aires triunfantes de "Astradyne" y similares, pero el intenso contenido lírico y el arreglo dolorosamente hermoso de "Accent on Youth" o "Death in the Afternoon" compensan con creces esta pérdida.

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martes, 14 de septiembre de 2021

1957’s # 1 UK ALBUM

El tercer álbum de Elvis, que funciona en parte como la banda sonora de su primera película importante, está plagado de los mismos problemas que su segundo disco, se siente como un intento de capitalizar el estrellato de Elvis mientras agrada a la mayor cantidad de gente posible.

Hay un gran rock and roll temprano aquí (en "Mean Woman Blues", por ejemplo), también tiene mucho peso en las baladas, baladas que se escribieron específicamente para la película, y específicamente para atraer a un público que no estaba interesado  en el Rock&Roll.

También hay una versión de "Blueberry Hill" porque, aparentemente, pensaron que también debería funcionar para Elvis.

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Con su lado experimental mostrado, Ultravox va donde seguiría el synthpop ... una ola europea muy temperamental y fluida ... hacia el Edén.

Puro clásico y aún no ha sido igualado por ninguna banda desde entonces.  The Voice es una obra maestra que mezcla destellos clásicos de brillantez.  Death in the afternoon trae un lavado de sintetizadores y ritmo sincopado que hace latir el corazón y el alma y rogar por ser atravesado ... todo el mejor álbum de sintetizador 'conceptual' de todos los tiempos. 

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lunes, 13 de septiembre de 2021

1957’s # 1 USA ALBUM

Durante más de 20 años, Victor Young compuso algunas de las músicas más queridas que Hollywood haya producido, con la música de más de 300 películas y una serie de éxitos del pop como compositor e intérprete.

La vuelta al mundo en 80 días fue su obra maestra: la banda sonora de una película ganadora de un premio de la Academia, incluida la "Mejor banda sonora" para su compositor y la "Mejor película" en general.

El LP de la banda sonora original pasó 10 semanas en la cima de las listas, convirtiéndose en el álbum número 1 de 1957.

Sin embargo, este álbum clásico se ha publicado en disco compacto solo una vez, muy brevemente.

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50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

A solo unos meses vista de su debut, el salto cualitativo es impresionante. Por un lado una E-Street Band aún sin bautizar deja claro desde el comienzo su apabullante maestría y talento. Conjuntada, eficaz y poderosa. Realmente insuperable.

Por otra parte el talento como compositor y cantante de Springsteen empieza a despuntar.

A falta de los clásicos que rebosan en "Born to Run" (1975) el de New Jersey se entretiene en largos desarrollos para contar sus historias que empiezan a ser auténticos relatos urbanos de calidad. Canciones largas y épicas que vuelan muy alto.

Ahora solo faltaba depurar el torrente, filtrarlo y refinarlo pero lo gordo ya estaba aquí, en un disco explosivo, en una pequeña gema a reivindicar por mucho tiempo que pase. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Nunca he sido un BB fan,más bien lo contrario.Pero este disco (como era "Sunflower") es mágico,comenzando por su elocuente portada.

Y es que contiene mis dos canciones favoritas de Brian ('Till I die,sentida y sublime,y "Surf's Up",una minisinfonia de cuatro minutos,destilado perfecto de todas las virtudes de este hombre.) Así mismo se encuentra el mejor tema de siempre de Carl,ese "Feel flows"con un interludio instrumental fascinante.O la balada nostálgica "Disney girls",tan quebradiza,tan frágil.


El resto no desentona,haciendo del disco un compendio variado al máximo,cubriendo todas las facetas de los chicos playeros,abarcando todo el crisol de sentimientos y de influencias del grupo.


Media hora maravillosa,desde lo bueno hasta lo sublime. Solo me sobra la fácil apropiación que Mike Love hace en "Student demostrativo time" del legado Leiber-Stoller.El resto,magnífico. 

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domingo, 12 de septiembre de 2021

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS 45(Quincenal)

Muy subestimado, contiene las mejores composiciones en vinilo de The Sweet, tanto musicalmente como con las letras.  'She gimme lovin' es una de las canciones más difíciles jamás grabadas por The Sweet, la interpretación de Brian Connely es sobresaliente.

Este álbum se acerca más al género que usamos para designar como heavy metal.

Al mismo tiempo, el disco tiene muchos puntos tiernos, como el intermedio a la flauta en 'Windy City' y Laura Lee, que se acumula con mucha calma.  Por otra parte, 'Funk it up' tiene un ritmo excelente que solo Sweet pudo crear.  La variedad de canciones del álbum es desconcertante, incluso hoy, cuando lo escucho en CD.


Underworld tuvo su momento en que hizo brillar lo que tocaba, que no se repetía, que asimilaba lo que había ido oyendo para ordenarlo a su gusto en el timeline. Podía hacer durar sus canciones lo que quisiera sabiendo que la gente no se saltaría el corte. Cuadraba de lleno en la religión del after y del recinto cerrado. De la puesta de sol y de su salida. Supieron hacerlo, dar de lleno y vendernos un aire que podía respirarse. Eran otros tiempos. Y no nos dolían los huesos.


Kansas no está lleno de rock progresivo como Genesis.  Siempre fueron una banda de hard rock progresivo.  Ellos, junto con bandas como Jethro Tull y Rush, fueron pioneros en la fusión del progresivo y el hard rock, básicamente sentando las bases para el metal progresivo que se haría popular en años posteriores.  No sé por qué bandas como esta son tan criticadas aquí.

Para aquellos a los que les gusta AOR / hard rock, este es un lanzamiento histórico.  Disfrutar.


Una curiosa portada que involucra plátanos, perritos calientes y ... un pepinillo (?) Envuelve este maravilloso álbum de blues-rock lleno de soul.  Siempre animado por las extrañas divagaciones y los gloriosos lamentos del difunto gran Charlie Allen, seguramente un contendiente para uno de los mejores vocalistas de la época.  Los aspectos más destacados incluyen un tributo a la recolección de moras y el muy ingeniosamente titulado 'Love Love Love Love Love'.


La portada del álbum refleja sorprendentemente bien lo que se encuentra dentro de Jollification: pop azucarado con melodías pegadizas, arreglos de sintetizador y una voz encantadora que canta canciones inofensivas pero hermosas.  Pero no pienses en el álbum como desechable.  De lo contrario.  Los arreglos son bastante inteligentes y el álbum es lo suficientemente emocionante y variado como para que cada vez que vuelvo a él descubro algo nuevo.


La magia en este álbum ocurriría sin embargo en el proceso de producción, para los fanaticos de Stooges es notorio que el estilo de la banda se mantiene en su esencia, pero la rejuvenecida voz de Iggy y las precisas mezclas que hizo David Bowie de 7 de los 8 temas, hacen de este LP uno de los conceptos más interesantes de los setenta, y la entrada en definitiva del sonido Punk que absorberían prontamente muchas bandas, sobretodo las ubicadas al otro lado del atlantico. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Albert Einstein dijo una vez que "sólo había dos cosas infinitas: el universo y la estupidez humana". A esta lista se suma un tercer elemento, cuyos subconjuntos es imposible memorizar de principio a fin y que mueve masas, no solo de dinero y reconocimiento, sino también de estados anímicos y emocionales. De entre los miles de millones de discos publicados en la Historia de la Música es muy difícil seleccionar unos cuantos afortunados, pero hay ocasiones en las que surgen cantantes y canciones que cambian la vida de una persona; o al menos sus perspectivas emocionales y sentimentales de esa fantástica burbuja que rodea a un maravilloso mundo que es la música. 

Con estas líneas iniciales, sobra decir que "Songbird" de Eva Cassidy es uno de esos álbumes que han hecho historia en mi cabeza. Cómo descubrí a tan increíble solista es hoy pura incógnita, pero es tan arrolladora la fuerza musical de Eva Cassidy que uno no puede menos que dejarse trasladar por el fraseo limpio y la voz tan personal de Eva a un mundo tan maravilloso (del "Wonderful World" hablaré en su respectiva crítica). 

Ya desde el inicio del disco nos encontramos con el que es, sin duda alguna, el álbum más personal e interesante de Eva Cassidy, un recopilatorio publicado poco después de la inesperada muerte de la cantante como causa del cáncer. El talento suele identificarse siempre con la composición propia, y es muy cierto, pero una buena versión también es fundamental a la hora de reconocer el talento. Con tan solo un par de temas originales, publicados en su disco "Somewhere", la carrera de Eva Cassidy se dedicó íntegramente a las versiones de temas muy intimistas y que se adecuaban perfectamente a su timbre y su personalidad musicalmente enigmática. El que podría ser considerado su "single" de "Songbird" (que no lo es) es quizá el tema más sobrevalorado del disco ("Over the rainbow"), pese a que es una inolvidable versión, a fin de cuentas. Aquellos que esperen reconstrucciones idénticas de temas rock, folk y jazz que se alejen lo más posible de este álbum, ya que las diez canciones de "Songbird" son versiones muy personales. Diría que incluso prefiero la versión de Cassidy en "Fields of gold" que la del propio Sting (el plato fuerte del disco), y sus interpretaciones en "Autumn leaves", "Songbird" y "Wayfaring stranger" son más que sobresalientes. 

El disco son cuarenta minutos de pura delicia auditiva, un paseo impecable por el folk y el jazz más personal de la mano de una de las divas con carrera póstuma más importante, Eva Cassidy. 

Sencillamente, impresionante.

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UN AMIGO DE BALDE

Que bien sonaba cuando tu lo decías porque se decía con sinceridad.

Así eras amigo,lo demostraba cuando teníamos ese ratito de charla que a veces se alargaba en las salidas y entradas de nuestro garaje porque además eras hasta buen vecino,servicial y buena gente.

Es de esta amistad que se ha quedado en menos días de convivencia debido a la vida ajetreada de trabajos distintos y ahora llegada la hora cercana al reposo de la jubilación te fuiste dando ejemplo de buena persona.

Sin hacer ruido y sin molestar te marchaste hace  ya un año.

Ángel siempre te llevaré en el corazón.

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sábado, 11 de septiembre de 2021

50 AÑOS EN LA VIDA DE UN COMPRADOR DE DISCOS

Álbum tremendamente importante, no sólo por la influencia que ejerció en innumerables bandas de heavy metal, punk y muchos de sus derivados, sino además por lograr ser revolucionario en una época en que costaba serlo. ‘Raw Power’ no tiene muchos precedentes, ni siquiera en los mismos álbumes anteriores de los Stooges se puede adivinar a lo que llegarían. 


Lo que hizo Iggy Pop y su banda fue retomar la fuerza y crudeza del rock and roll y el garaje y llevarlo a límites imposibles, con muchísima distorsión y volumen al máximo, dejando a un lado el virtuosismo y los clichés que estaban estancando a buena parte del heavy metal. 


“Search and Destroy”, “Your Pretty Face is Going to Hell”, “Shake Appeal” y “Death Trip” son pura potencia decibélica, con un Iggy Pop escupiendo toda su rabia y la atronadora guitarra de James Williamson, la otra pieza clave para lograr ese sonido subversivo que no va ser igualado. 

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DISCO CLÁSICO DE ROCK DEL DÍA

Aunque los dos álbumes de estudio anteriores de Hawkwind fueron excelentes, ninguno logró capturar el poder y la fuerza de su set en vivo;  Hall of the Mountain Grill, sin embargo, logró esto de manera magistral.

El álbum yuxtapone algunos de los materiales más complejos e intrincados que se han cocinado hasta la fecha, como la canción principal, condimentada hasta el infinito con las contribuciones de violín y melotrón delicadamente manejadas de Simon House, con algunos de sus rockeros más pesados, como Lost, escrito por Lemmy.

Johnny, que añade un toque psicodélico de rock espacial a la oscura historia de un adicto a las drogas fuera de control.

Este y el posterior Warrior On the Edge of Time representan el pico absoluto del trabajo de estudio de Hawkwind. 

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