Adicto a la música en general y devorador de libros de la historia del pop, el rock, el soul, el jazz... Este grupo lo creé con una finalidad divulgativa, como una referencia para aquellas personas interesadas en conocer y transmitir algo más sobre lo que escucha. Lo que me hubiera gustado encontrar a mí cuando me empecé a aficionar a la música, de haber existido internet...
Absolutamente brillante, esta banda tiene que ser una de las bandas más subestimadas de los años sesenta. Solo tuvieron un par de éxitos menores en los años sesenta, principalmente debido a la mala gestión y la mala suerte, pero se reformaron para hacer este álbum, que luego fue inexplicablemente archivado hasta su lanzamiento en 2004. Lay The Ghost y la canción principal Psychedelic Rose son nada menos que un genialidad y solo muestran lo grande que podría haber sido esta banda.
Nadie duda de que Zappa es uno de esos músicos excéntricos y únicos que aparecen muy de vez en cuando y este Absolutely Free no hace más que confirmar su reputación, sonando absolutamente aislado en el panorama musical de 1967, con sus collages sonoros en los que se puede encontrar desde el pop más simple hasta experimentos vanguardistas, nunca tomándose las cosas en serio y con una irreverencia e imaginación desbordante. Pero otra cosa es llegar a disfrutar esta música que resulta tan fragmentada, poco convencional y carente de sentido que me termina dejando irremediablemente perdido. La única canción que mantiene una estructura constante es “Invocation and Ritual…”, la que con sus incesantes pasajes instrumentales es por lejos lo mejor del álbum.
¡Esta música es absolutamente GRANDE, PROFUNDA, MAJESTUOSA e INOLVIDABLE! Es mi álbum favorito de Vangelis. ¡Incluso una de las mejores canciones de la New Age jamás hecha!
En primer lugar, la música está orientada a los teclados flotantes sinfónicos y las voces (opera+coro): esos ingredientes se reúnen en un estado de ánimo increíblemente intenso, ritual y melodramático.
Lo importante que hay que mencionar es que esta música te traerá emociones increíbles: pasión, amor, asombro, sueño, recuerdo y romance. No sé por qué este no es un disco de banda sonora.
Todo es extremadamente eco y ruidoso, sorprendentemente sostenido, dando una atmósfera poderosa, mítica y legendaria: suena como si celebraras la llegada de un héroe triunfante y su heroína de la mitología griega.
Para aquellos que ya conocen a Vangelis, digamos que el ambiente se acerca ligeramente al de Jerusalén (Carros de fuego).
Las voces misceláneas suenan un poco como el artista pop de la New Age. Además, esas voces y coros omnipresentes te recordarán una ceremonia religiosa en una vasta catedral.
También hay algunos secuenciadores de percusión y bajo, que le dan una dimensión mágica al conjunto.
¡Extremadamente recomendado!
On Stage fue un seguimiento inmediato de From Memphis to Vegas / From Vegas to Memphis , que también contó con grabaciones en vivo.
Sin embargo, a diferencia del lanzamiento anterior, este álbum se centró en canciones que, en ese momento, no estaban asociadas con Elvis.
El álbum incluye el sencillo número uno en todo el mundo " The Wonder of You ", que encabezó tanto la lista de canciones de adultos contemporáneos de Estados Unidos como la lista de música británica.
Otras selecciones incluyen " See See Rider ", " Yesterday ", " Polk Salad Annie " de Tony Joe White , " Runaway " de Del Shannon y una versión de " Let It Be Me ". "See See Rider" se convertiría en el número de presentación frecuente de Elvis en sus conciertos hasta su última actuación en el (ahora desaparecido) Market Square Arena en Indianápolis, Indiana, el 26 de junio de 1977, mientras que "Polk Salad Annie" también se convirtió en un parte regular de su repertorio. El álbum se destaca por no mostrar el nombre de Elvis en ninguna parte de la portada.
No me malinterpretes, el estilo de guitarra vocal murmurante y relajado y sin esfuerzo de Hooker me ha enganchado, pero tenía que haber algo mal para que él fuera el único representante en su campo en mi colección durante muchos años. De hecho, era visible por su presencia.
Hooker se ha convertido en algo así como un icono y un estadista mayor. Ha sido redescubierto por una generación destetada en bocados de sonido musical para anuncios y de repente, como B.B. King, es el hombre con el que a otros les gustaría que los vieran tocando en el escenario. Para acomodar a esta nueva celebridad, Hooker lanzó una serie de álbumes que consisten en nuevo material y versiones regrabadas de canciones de la primera parte de su carrera. El sanador lo ve compartiendo el escenario con Carlos Santana, Bonnie Raitt, George Thorogood, Los Lobos, Robert Cray, Canned Heat y Charlie Musselwhite. Es un esfuerzo realizado, pero son los arreglos más simples - "Baby Lee", "My Dream", "Sally Mae" - los que conservan el mayor poder.
Melodía, melodía, melodía. Armonía. Pop elegante, grandes arreglos y producción de George Martin, todos los fans de los Beatles saben quién es. Una bienvenida aparición como invitado de Michael Jackson en dos pistas, "Say Say Say", un éxito digno. El bajo de jazz es Stanley Clarke un invitado, por supuesto que Paul toca la mayor parte del bajo en Pipes of Peace y muchos otros instrumentos como le encanta hacer. Muy buenas voces de fondo (comprueba los créditos para los muchos diferentes).
A Micheal Jackson le debe haber encantado la forma en que Paul McCartney escribe música, con todos los ganchos pop bien colocados. Este álbum está lleno de ellos. Creo que Jeff Lynne de ELO debe tener cada pequeña pieza musical que Paul haya escrito. Este es un álbum pop agradable de Sir Paul.
Dirige Respect una cineasta poco conocida, Liesl Tommy, responsable hasta el momento de algunos capítulos en series como Jessica Jones o La señora Fletcher.
El resultado es más que correcto aunque pesa sobre el desarrollo cierto convencionalismo que se repite en demasiadas biografías de artistas –los sufrimientos infantiles, las dificultades maritales, el éxito y la degradación, la redención– y aquí ese hilo conductor carece, digamos, de momentos de impactantes que queden impresos en la memoria. Quizá falta identificación con los personajes y también se resiente algo el conjunto debido a los abruptos y extensos saltos en el tiempo.
Liesl resalta la reivindicación personal de Aretha para superar las circunstancias que le tocó vivir, con cierto toque feminista, en donde los principales hombres de su vida quedan bastante mal (padre estricto y manipulador, marido violento) y que se apuntala con la estudiada y oportuna presentación de algunas de sus canciones célebres, como “Respect”, “Sweet Sweet Baby”, “Ain’t No Way”, “Chain of Fools” o “Think”. Por el contrario, otros aspectos más íntimos de su vida, como el cuidado de sus hijos, queda completamente olvidados.
Sin embargo, funciona su personalísimo ofrecimiento de su dolor a Dios en esa mítica grabación de 1972 recogida en la película Amazing Grace, estrenada en las pantallas casi cincuenta años después.
Aquellos dos días de canciones espirituales dieron como resultado el disco de góspel más vendido de la historia y supone un digno colofón de la película.
De cualquier forma, aun con sus defectos, los amantes de la música no pueden perderse Respect.
31.10.1970-6.11.1970
Cuando el volumen 4 surgió en octubre de 1970, la preeminencia de Motown era inquebrantable, con una impresionante variedad de grandes éxitos con los que almacenar cada nueva colección. Los clásicos de Tamla de todos los tiempos que estaban en el álbum incluían "I Want You Back", "I Can't Get Next To You", "Someday We'll Be Together" y "Cloud Nine".
El resultado fue el numero 1, una carrera de 40 semanas y la continuación de una serie que produjo otro número 1 con el volumen 5. Los volúmenes originales continuaron hasta la novena edición en 1974, con tres más añadidos a principios de la década de 1980. Estos recuerdos muy británicos de la popularidad transatlántica de Motown fueron recordados con tanto cariño que fueron reeditados por la etiqueta Spectrum de Universal en 1997.
Uno de los grandes LP de los años 70 y, de hecho, de cualquier época. Una mezcla perfecta de soul, funk y jazz, todo producido con amor por los maestros,namley Maurice White y Charles Stepney.
Como si eso no fuera suficiente, la composición de canciones es del más alto nivel sin un solo punto débil. Este disco todavía suena tan fresco como cuando se lanzó en 1975.
Se estrena con dos de las mejores canciones de todos los tiempos del género, siendo la canción principal un máximo especial.
La banda también está apretada como el infierno y suena como si hubieran tocado juntos para siempre.
Al igual que con todo el trabajo que cuenta con Charles Stepney, hay muchos arreglos de cuerda maravillosos (así como intrincados trabajos de coro) en el fondo que llenan el sonido y agregan una dimensión adicional.
Esta es realmente una escucha esencial para cualquiera que tenga un interés pasajero en el soul o funk.
24.6.1967-30.6.1967
Headquarters fue el primer álbum de su discografía donde tocaron la mayoría de los instrumentos del disco y escribieron la mitad de las canciones. Desde el combo country/rock de "You Told Me" hasta el fenómeno psicodélico de "Randy Scouse Git", Headquarters se enorgullece de ser diverso.
El disco es extremadamente pegadizo y fascinante sin tener miedo de experimentar. Me di cuenta de lo único que es el disco en comparación con sus contemporáneos.
Claro, el disco toma influencia de otros grupos en ese momento, pero el álbum decide sabiamente combinar country, rock, power pop y psicología a veces en una canción para crear una paleta sónica única. "Sunny Girlfriend" es un ejemplo de todos estos elementos que se unen en una sola canción.
La canción cuenta con un hi-hat abierto inverso, un riff de guitarra inspirado en el country, una batería apretada y una línea de bajo que le da a la canción su fuerte potencia.
Esta es mi primera experiencia con Huey Lewis y The News, y definitivamente fue una primera impresión increíble.
La forma en que Huey y los chicos logran mezclar blues, pop rock e instrumentales funk con las voces pop de Huey crea un sonido muy satisfactorio.
Aunque este es notablemente un álbum pop, no se vuelve molesto, cada pista suena lo suficientemente diferente de la última como para no parecer repetitiva.
Este álbum también tiene una mezcla increíble, todas las partes individuales están en el nivel correcto para que puedas escucharlas todas claramente, pero no eclipsan los aspectos más importantes.
Algo que disfruto mucho de Sports es que, aunque cada pista tiene uno o dos momentos en los que la pista de acompañamiento se queda en silencio y es solo la voz áspera pero suave de Huey, no es exagerada, por lo que cada momento todavía se siente especial.
El primero de los seis álbumes publicados por el duelo folclórico se cubre en absoluto misterio.
Solo intenta escribirlo en cualquier motor de búsqueda de Internet y descubre que no hay mucho al respecto.
Las circunstancias que motivan este acertijo me parecen variadas. No intentaré dar ninguna explicación seria a la pregunta.
Solo señalaría que su sonido, sus canciones no invitan a la popularidad. Su sonido es quebradizo, la sensación, sucia y oscura como la portada. ¿Esa sangre está ahí?
Podría ser fácilmente. Y todo lo que tiene dentro también podría. No es un álbum folk típico.
Tampoco es rockero.
Es más bien un disco para ser absorbido por esa Escocia oculta y que perdió Inglaterra.
Los que no aparecen en el catálogo o mapa de ninguna agencia de viajes. Y para invocar el páramo hacen uso de antiguas sonoridades eléctricas y letras amargas y desencantadas.
Solo echa un vistazo al evangelio de la abadía nórdica de "La Cruz del Calvario", para tomar un ejemplo obvio.
En la Navidad suenan los villancicos de toda la vida, pero proponemos que sea el rock con sus diferentes versiones quien suene en las calles, se cuele en las fiestas, en las casas o en los bares.
Algunos son originales, otros muy poco respetuosos con la tradición, hay una gran variedad, pero todos tienen algo que los hace peculiares.
Para no llegar a aburrirnos con esas canciones repetidas una y otra vez cada año, aquí hay una amplia selección.
¡FELICES FIESTAS!
🎼🍾🥂🎼
Antonio Martínez y José Sanchez
El Salón de la Fama del Rock and Roll anunció sus elegidos en 2019, y la clase entrante incluye a Radiohead, Janet Jackson y Stevie Nicks, que serán incluidos como artista en solitario por primera vez. Nicks fue inducido anteriormente en 1998 como miembro de Fleetwood Mac. "Por ahora solo diré que he estado en una banda desde 1968", dijo en un comunicado
Jackson, aclamada por haber "construido una carrera tan innovadora que es inmediatamente identificable por su nombre", dijo en su propia declaración que está feliz de unirse a sus hermanos. Los Jackson 5, Jackie, Jermaine, Marlon, Michael y Tito, fueron reconocidos por el Salón de la Fama en 1997, y Michael Jackson fue incluido de nuevo como artista en solitario en 2001.
Los artistas son elegibles para ser nominados para el Salón de la Fama del Rock and Roll 25 años después de lanzar su primer sencillo o álbum. Los Zombies, también en la lista de este año, han estado esperando el honor desde 1989 y han sido nominados en otras tres ocasiones. Parece que en la cuarta vez sono la flauta.
Aquí está la lista de elegidos de 2019:
• The Cure• Def Leppard• Janet Jackson• Stevie Nicks• Radiohead• Roxy Music• The Zombies
Bueno, un seguimiento de Bat Out of Hell tiene que palidecer en comparación, pero no me gusta descartar esto como decepcionante solo porque esto no es un "Bat Out of Hell II", de hecho, sería casi imposible hacer un "Bat Out of Hell II" (oh, bueno...).
Este es un álbum fuerte por sí solo. Me doy cuenta de que tiene una sensación general más oscura y algo de amargura, también me doy cuenta de que Todd Rundgren ya no está produciendo, pero afortunadamente Jim Steinman sigue siendo el principal a cargo de las canciones y la ejecución. "Dead Ringer for Love" es una canción increíble, con Cher haciendo voces a dúo, un diddy de Rock'n'Roll de los años 50 que ilumina las cosas en el estado de ánimo oscuro general que mencioné. "Read 'Em and Weep" es mi otro favorito, Barry Manilow también lo grabó más tarde y "Everything Is Permitted" es un cierre épico que tampoco habría estado fuera de lugar en el debut.
Luego también hay algunas letras extrañas de nuevo, especialmente en "More Than You Deserve" y un espeluznante interludio de Steinman hablado.
Parece que la mayoría de las canciones tratan de amor y relaciones y se lleva a la cima de nuevo, pero, por supuesto, no tan redonda como en el debut. Si esto hubiera aparecido antes de Bat Out of Hell, la gente diría que está entrenando para la perfección, pero ahora solo se considera un seguimiento indigno.
Si le das una oportunidad, hay muchas cosas buenas que encontrar aquí...
Soy un viejo fan de Queen y escuché sus viejos álbumes hasta la muerte cuando era adolescente. Fue entonces cuando nos aparecieron, con resultados mixtos, en su mayoría frustrantes. Luego vino Innuendo, el álbum que sabía que podían hacer, si tan solo fuera el momento adecuado.
Créeme, este álbum supera a toda su producción anterior. Esta es su cumbre. No importa Bohemian Rhapsody y todo eso, por maravilloso que sea. Esta es la música de su alma, un álbum de sustancia real. Al igual que Ian Curtis diez años antes, Mercury parece haber dejado todo tipo de pistas en el camino. Las letras gotean la vida a través de los desgarradores pensamientos de la muerte. Ciertamente, esta vez no se pudo acusar a la banda de una superficialidad extravagante.
El álbum todavía me pone la piel de gallina, todas las canciones (aparte de los rockeros, tal vez, pero luego sonrío por su tontería noble y desvergonzada).
Siempre me ha gustado este álbum y todavía lo disfruto de vez en cuando. La banda tenía un buen sonido y podría haberse subido fácilmente al segundo nivel de su género metal. En cambio, se mantuvieron a favor de bandas como Keel y Twisted Sister. TS nunca lanzó un álbum tan consistente como este, tampoco lo hizo Keel, por lo que tirar a la basura Icon es injusto. Tenían algunas buenas canciones en su debut "(Rock On) Throught The Night", "On Your Feet", "Under My Gun" y "Rock & Roll Maniac" vale la pena escucharlas.
“Disco de culto”: Dícese del álbum raro y poco conocido por la gran audiencia, ignorado en el momento de su edición y que con el paso del tiempo ha sido reivindicado por el público.
Si esto es así, no tengo ninguna duda: “No parole for Rock and roll” no es un disco ‘de culto’: es EL disco de culto. Porque, siendo sinceros ¿alguien se enteró de la publicación del álbum en su momento? Este que escribe por lo menos, no. En aquel lejano Octubre de 1983, bastante tenía con asimilar ‘Power & The Glory’ de SAXON, ‘Piece of Mind’ de IRON MAIDEN o ‘Metalmorfosis’ de BARON ROJO. Supongo que esta podría ser una explicación para el hecho de que semejante obra maestra quedase relegada a un segundo o tercer plano, y he podido comprobarlo buscando material para el dosier de prensa: los discos con que tuvo que lidiar “No parole for Rock’n’roll” eran capaces de tumbar cualquier expectativa, y más la de un grupo como este. ¿Por qué digo esto? Bien, no olvidemos que la carrera de Graham Bonnet había sido (y así continuó) errática e inestable. Terminó mal en RAINBOW, terminó mal con M.S.G. y el campo del heavy metal le era completamente ajeno, cosa de la que además se jactaba. ¿Qué metalhead de la época en su sano juicio iba a arriesgarse con ALCATRAZZ teniendo a SCORPIONS, JUDAS PRIEST o IRON MAIDEN publicando sus mejores discos? ¿Qué fan del hard rock de toda la vida iba a confiar en este grupo teniendo a WHITESNAKE o RAINBOW editando discos magistrales?.
Mi álbum en vivo favorito, mi segundo álbum favorito de Dire Straits y uno de mis álbumes favoritos de todos los tiempos.
De verdad, esta es una de las mejores actuaciones en vivo que he escuchado y probablemente seguirá siendo así en un futuro previsible. Nada ha capturado nunca la energía que Mark capturó el resto de Dire Straits esa noche en Londres. Prefiero las versiones en vivo de las canciones a sus grabaciones originales de estudio para casi todas las pistas del álbum. La versión de 10 minutos de Sultans of Swing es obviamente la estrella del espectáculo, mostrando algunos de los mejores trabajos de guitarra de todos los tiempos.
En 1967 se forma «Smash», grupo emblemático del rock español y pionero del rock andaluz. Graban varios LPs y dan conciertos en todo el territorio nacional. Tras la disolución del grupo Smash viaja a Estados Unidos donde estudia música, se inicia como compositor escribiendo una ópera rock, «Behind the stars» que se estrena en la Academia de la Música de Brooklin, New York.
Colabora como músico de estudio en «Good Vibrations studio» entrando así en contacto con músicos de Jazz, Rock, Folk, etc. Entra a formar parte de la «Yoga Symphony Orchestra» y forma un grupo con Diwan Mothihar, célebre sitarista indú, Arthur Volh, violín con los que dan varios conciertos.
En 1974, vuelve a España con dos músicos americanos (Arthur Volh y Todd Purcell) grabando dos discos como solista con composiciones suyas: «A la vida y al dolor», Movie Play, 1975 y «Vericuetos», MP, 1976. En 1979 graba un disco que fusiona el cante jondo con el sitar («Gualberto y Agujetas»).
En 1983 trabaja como productor, arreglista y asesor musical en Columbia Records. El mismo año graba el disco «Puente mágico», para sitar y guitarra flamenca con Ricardo Miño. A partir de 1987 se introduce en el mundo de la informatica musical creando su propio estudio, lo que le permite grabar música para cine y televisión.
En 1990 vuelve a los escenarios como intérprete (sitar, guitarra eléctrica) usando el soporte informático como acompañamiento. El primer concierto inaugura el I Ciclo de Nueva Música de la Universidad de Sevilla. Posteriormente lo interpreta en repetidas ocasiones bajo el patrocinio de la Fundación Luis Cernuda y dará lugar a la grabación del disco «Sin comentario». En el 2008 él mismo es galardonado con el reconocimiento de la Delegación de Gobierno de la Junta de Andalucía como “premio a su aportación a la cultura andaluza. Actualmente sigue tocando tanto en solitario como con Ricardo Miño así como con diversas formaciones de carácter clásico rockero o flamenco y haciendo música para documentales y películas.
No diré mucho ahora mismo porque compré este álbum, pero no lo he tocado mucho desde entonces. Esta es la progresión de Rick Wakeman en su trayectoria , y tu álbum conceptual básico con apariciones de estrellas: una ópera de rock que podrías decir, una historia de rock progresivo, una secuela de la saga. Y como tal, puede parecer un poco pretencioso, con la Orquesta Sinfónica de Londres, el Coro de Cámara Inglés y algunos versos prosaicos poéticos espléndidamente hablados por Patrick Stewart.
El viaje de regreso al centro de la Tierra me parece un esfuerzo algo elevado, pero aún así encantador. Me encanta escuchar a Justin Hayward cantar, ¡y "Still Waters Run Deep" es una delicia liquescente! Es lo más destacado del álbum para mí. Aprecio poder escuchar a Rick tocar los teclados también, y me gusta "The End of the Return", aunque de alguna manera me recuerda un poco a una vieja melodía ELP, probablemente alguna melodía clásica. También hay "Buried Alive" cantado por Ozzie Osbourne, otro punto culminante del álbum.
John Krasinski ha entregado la mejor película de terror de los últimos años con esta 'Un lugar tranquilo (A Quiet Place)' gracias en mayor medida a ser fiel a su esencia en todo momento: ser una película de escala pequeña pero de emociones grandes gracias a que esta protagonizada por personajes con los que nos identificamos y que nos importan. El preocuparnos por alguien que esté en peligro, el convertir algo tan cotidiano y presuntamente inevitable como el ruido en la verdadera amenaza de la película o el plantear tan bien un escenario tenebrosamente cerca de nuestros tiempos (2020, por la película) que aunque tenga a monstruos como teloneros de fondo nos entra como real es lo que hace a esta película tan buena.
La película se marca un 'Dunkerque (Dunkirk)' y arranca en el meollo de la cuestión. Si bien lanza pistas y utiliza el clásico efecto de los recortes de periódico cortados aquí y allá para darnos algo de contexto, esto lo veo personalmente como un acierto pues al limitar las respuestas provoca más angustia. El miedo a lo desconocido es algo primario en todos nosotros. También el mantenernos en jaque y cruzando los dedos porque nadie haga ruido -pues el más mínimo ruido, significa la muerte- es la idea más brillante que se ha tenido en estos tiempos, así como lo que nos mantiene en asfixiante tensión contenida.
1969 fue un año complicado para Pink Floyd, con una banda sonora dispareja como More y la fallida experimentación de Ummagumma, pero el cambio de década trajo nuevos aires a un grupo en el que Roger Waters todavía no ejercía ese dominio aplastante. Con Atom los Floyd continúan buscando nuevas fórmulas, lo que queda reflejado en la ambiciosa “Atom”, instrumental de 23 minutos que pese a toda la grandilocuencia que le aportan los coros y la orquesta es una fascinante experiencia progresiva y una de las pocas en ese estilo que no tiene pasajes realmente tediosos. No ocurre lo mismo en “Alan”, un fragmentado tema que sólo hacia el final logra despegar con un sólido pasaje instrumental.
Pero Atom no es sólo experimentación y complejas aventuras épicas, y es que desde los días de Barrett que el grupo no lograba una consistencia melódica como en las 3 canciones “breves” del álbum.
En 52 minutos Pink Floyd recuperó el tiempo perdido y produjo su mejor álbum desde los lejanos días de Piper, aunque tristemente nunca más volverían a hacer algo a este nivel.
Un álbum increíble y a menudo infravalorado. The Selecter ha creado un pop brillante sin esfuerzo;es divertido, pegadizo y optimista.
Pero ciertamente no hay nada desechable aquí. Entre la voz fuerte y redondeada de Pauline Black y un sonido muy en capas hay una sensación de urgencia, inquietud y desesperación.
Sin decir mucho, resume sucintamente el sentido de alienación juvenil en la Gran Bretaña Thatcherita. Muchas pistas de este álbum combinan un sonido sutil pero oscuro, influenciado por el horror, con obvios retrocesos a las raíces jamaicanas de Ska. ¡Muchas cubiertas aquí, pero sin relleno! El hecho de que The Selecter cambie drásticamente de este sonido hace que el álbum sea aún más único.
17.6.1967-23.6.1967
Después de dos álbumes de vagar más por el territorio del jazz suave, los Tijuana Brass vuelven a un conjunto de canciones más rápido para Sounds Like. Parte de la influencia latina también regresa.
Los aspectos más destacados aquí incluyen una interpretación de "Gotta Lotta Livin' to Do", "Wade in the Water" y "Casino Royale", este último el tema del desastre de una parodia de James Bond del mismo nombre. Curiosamente, aunque fue el mayor éxito del álbum, es básicamente la orquesta de Burt Bacharach para la película con Alpert poniendo una pista de trompeta.
Aún así, ¡este es un regreso un poco bienvenido al sonido de! ¡¡Voy a lugares!! Después de que las cosas parecían estar un poco desinspiradas durante un tiempo.
Si tuviera que nombrar solo un disco de doom metal como el mejor, definitivamente esta sería mi elección. Aunque el sonido de este álbum está lejos de ser ideal, todo lo demás es perfecto. Los riffs lentos y de ritmo medio inspirados en el sabbath son épicos, las letras inspiradas en la fantasía sobre magos y la magia oscura, las malditas almas, los paisajes infernales y la soledad eterna crean una atmósfera mística.
No te pierdas otras obras maestras tenues como el mejor esfuerzo de la era Messiah Marcolin Nightfall (1987) o su mejor con el incomparable Robert Lowe, Death Magic Doom (2009).
La primera vez que escuché "Foreigner Suite" fue tras la recomendación del libro Discos Inquietos de Sergio Guillen Barrantes.
Me impresionó mucho la forma en que suena, y me gustó especialmente el final alegre de la pieza de más de 18 minutos. De hecho, es una "Suite" en el verdadero sentido con un movimiento introductorio, varios temas y una pieza final claramente definida. Como en una suite clásica, las piezas tienen su propia identidad, pero se combinan para formar una sola unidad. Es realmente una de las mejores obras de Cat Stevens. El problema es que el resto del álbum se cae. "The Hurt" es realmente la única canción que vale la pena mencionar de las otras cuatro canciones del álbum. Aún así, la "Suite para extranjeros" es tan impresionante que hace que valga la pena comprar el álbum
Histeria fue el quinto y último disco de Tino Casal. Lo publicó en 1990, después de Neocasal (1981), Etiqueta negra (1983), Hielo rojo (1984) y Lágrimas de cocodrilo (1987). Pero no logró el éxito esperado. No contenía hits claros como Champú de huevo, Eloise o Embrujada. Eso sí, se adelantó a los Fugees más de dos décadas haciendo su propia versión de Killing me softly de Roberta Flack. Adaptada al español se llamó Tal como soy.
Después de la escasa repercusión de Histeria, dejó de lado la música temporalmente. Lo que en principio iba a ser un paréntesis... se cerró abruptamente.
En 1989 Tino Casal editado su último disco oficial porque, por desgracia, en 1991 moriría víctima de un accidente de tráfico.
No me importa reconocer que siendo un admirador de su obra, es un artista que no tengo en formato físico.
Dicen los trianeros que no son sevillanos, que son de Triana. Triana, la banda, no es rock andaluz ES el rock andaluz. En este álbum no se van tanto por peteneras como en sus primeros trabajos, pero el nivel sigue siendo excepcional. Rock, pop y flamenco con ese toque progresivo que tan bien entendieron los... trianeros.
Llegó el día, también cultiva sensaciones más amable como la espolvoreada por “ “Desnuda la mañana “, “ Querida niña “, o “ De una nana, siendo niño “ un nuevo alarde, progresivo y preciosista, de los que tanto gustaba Triana en sus días de gloria
Con el movimiento de la nueva ola despegando en pleno vuelo a principios de los 80, el grupo de dúo de synthpop de Marc Almond y David Ball, también conocido como SOFT CELL, encontró un éxito instantáneo con su álbum debut NON-STOP EROTIC CABARET. Impulsado y sostenido por el éxito mundial "Tainted Love", que es una versión del número pop estilo Supremes de 1964 de Gloria Jones. La canción también ha sido versionada por innumerables artistas desde que SOFT CELL la convirtió en una de las pistas de new wave más reconocibles de la historia. Aunque esa canción terminó su cadena de éxitos en los EE. UU., en el Reino Unido el álbum tuvo mucho más impacto y tuvo los 5 mejores sencillos con "Bedsitter" y "Say Hello, Wave Goodbye".
"Everclear” tiene un ambiente vaporoso, como si la producción hubiera tomado lugar en un invernadero, y Eitzel modula su voz en un tono similar al de Davyd Sylvian.
Aun siendo posiblemente el mejor album de AMC acusa los fallos habituales de sus otros discos: el relleno y la falta de un tono general entre las canciones. Sólo AMC podría poner delante de sus dos grandes canciones agónicas, un rockabilly mongoloide como “Crabwalk”. En este marco de variedad incoherente, entran los típicos intentos rockeros de Eitzel, aceptables pero indistinguidos. No obstante, cuando se dedica a lo que mejor hace -lamentos emocionales bien narrados- brilla como pocos. Una buena selección de este tipo de canción, sacada de los discos Engine, California y Everclear, podría hacer una obra maestra. Desgraciadamente en la realidad hay varios discos irregulares y poco coherentes.
Una de las pocas reinas vocales del jazz, Ella Fitzgerald (1917-1996), fue una persona inspiradora que, contra todo pronóstico, ascendió de la pobreza extrema a la fama gracias a sus inmensos talentos.
En un mundo donde las vocalistas solían ser hermosas chicas estilizadas, la inimitable voz de Ella y el indomable sentido del swing le valieron un lugar por encima del resto y en casi ningún momento se convirtió en el principal atractivo de la orquesta Chick Webb.
A partir de entonces, cantó y grabó con muchas de las figuras de jazz más importantes y fue venerada como una leyenda viviente durante el resto de su vida.
Esta notable actuación no editada anteriormente, grabada en Alemania en 1974, muestra a Ella acompañada por viejos amigos y colaboradores. Ella canta "Just a Lucky So and So" y "Now's the Time" respaldado por el gran Roy Eldridge en la trompeta y Eddie "Lockjaw" Davis en el saxo tenor, y está respaldada por la espléndida sección rítmica de Tommy Flanagan, Joe Pass, Keter Betts y Bobby Durham.
Los más grandes, los más copiados, los más reverenciados y, seguramente, lo más influyentes de los últimos 30 años. Es imposible entender el rock-metal moderno sin reconocer lo que Michael Allan Patton & Co. han hecho por este género que tantísimo amamos.
"The Real Thing" es el tercer álbum de estudio de Faith No More, y nunca un cambio de vocalista había supuesto tanto en una banda. Se trata de la primera grabación con el grandioso e incomparable Mike Patton al frente, el que para muchos es considerado como el mejor y más virtuoso vocalista de la historia de la música rock. Él se encargó de envenenar el ya de por sí peculiar sonido de la banda con una sólida y efectiva amalgama a medio camino entre el funk, el hip hop, el soul, el hardcore, el punk y, como no, el heavy metal.
Lanzado en 2018, "Dock Of The Bay Sessions" es un álbum de 12 canciones que hace la pregunta: "¿Y si"? Todas estas canciones han salido antes, pero este álbum imagina lo que el álbum Otis Redding habría lanzado si no hubiera muerto el 10 de diciembre de 1967. Las notas de la portada de Bob Stanley están escritas como si Otis estuviera vivo y este disco se publicó en 1968.
De todos modos, todo esto es genial, la mayor parte está en mono y suena genial. Todas las canciones fueron escritas o coescritas por Otis y, a diferencia de muchos de sus álbumes originales, obtenemos los créditos adecuados.
En cuanto a si este habría sido el álbum que Otis habría lanzado, es pura especulación, por supuesto. Pero es una idea interesante y probablemente uno de los mejores 31 minutos que es probable que escuches. Y con disculpas al Rev Green, Otis sigue siendo mi cantante de soul favorito.
En Netflix España “DESDE CERO”
Hay algunos espectáculos que se te meten en la piel y te ofrecen una variedad tan amplia de emociones que no puedes evitar enamorarte de ellas. El tipo de espectáculo que te da esas emociones de sentirse bien a la vez que también te ofrece ese buen llanto quejumbroso. Bueno, tal vez incluso dos.
La adaptación de Netflix del bestseller del New York Times From Scratch es esa serie, que no se avergüenza de manipular ligeramente y ofrecer una buena cantidad de endulzura de problemas muy graves.
Sin embargo, una cosa con la que no puedes discutir es lo entretenida que puede ser toda la experiencia, lo que es un crédito a protagonistas carismáticos y un profundo banco de actores talentosos
10.10.1970-16.10.1970
Ya está más que dicho que Paranoid fue la consolidación del sonido Sabbath al dejar de lado las influencias blues de su debut. Aquí el grupo se ve en su mejor forma, entregando muchas de las mejores canciones de su repertorio, y no sólo me refiero a las famosas “War Pigs” o “Iron Man”, sino a otras menos conocidas pero igualmente sólidas como la aletargada “Electric Funeral” y la furiosa “Fairies Wear Boots”, en las que están presentes todos los ingredientes que definieron el sonido del grupo, con los colosales y potentes riffs de Tommy Iommy, la insana voz de Ozzy y una contundecia instrumental inigualable.
El éxito de “Paranoid” ayudó indudablemente a la enorme popularidad que tuvo el álbum, pero más allá de ser una muestra reducida de la propuesta del grupo, está lejos de ser uno de los momentos definitivos. La nota discordante la pone “Planet Caravan” con su perturbadora atmósfera y enfoque casi folk con sus percusiones, discretas guitarras y piano. La breve descarga instrumental en “Rat Salad” con el obligatorio solo de batería es el único desperdicio, pero no alcanza a empañar esta obra titánica, fundacional e inspiradora como pocas.
El primer álbum de Gualberto es realmente excelente. Las tres primeras canciones (“Canción de la primavera”, “Canción del agua” y “Canción de la nieve”) son muy bonitas (especialmente la tercera, que es hermosa) baladas de tendencia popular, que recuerdan un poco a Nick Drake o Harmonium.
Las cosas “serias” comienzan con la cuarta pieza (“Canción del arco iris”) y el uso muy inteligente que se hace del sitar y las tablas. Pero la pieza de elección de esta primera cara es la que la cierra, “Canción de las gaviotas”: es un puro placer y sin duda del nivel de los mejores álbumes de folk progresivo inglés de los años 70, especialmente en su segunda parte, donde la canción se vuelve completamente en espiral.
¡Magnífico! La segunda cara comienza con un muy buen “Terraplén” con acentos andaicos (mezcla de flamenco y música árabe, siempre con sitars y tablas) y le sigue una de las cumbres de esa cara, el muy pelada “Prisioneros” ,sin duda la pieza más “progresiva” del álbum y sin duda una de las referencias de lo que “Tarantos (para Jimi Hendrix)” continúa en esta vena de rock progresivo con acentos flamenco, con un magnífico violín y una guitarra acústica y luego eléctrica igualmente inspiradas. El álbum termina con un toque muy íntimo, con un “Diálogo interior” de gran belleza, donde de nuevo el violín responde a la guitarra acústica. Es un álbum que se aprecia de forma lenta pero segura, así que dale el tiempo que se merece. Muy recomendable
11.2.1967-16.6.1967
Su álbum anterior, simplemente The Monkees, vendió cinco millones de copias. Sus giras fueron grandes éxitos. Cuando salieron con otro álbum, lo llamaron directamente More Of The Monkees. Sabían que le estaban dando a la gente lo que querían. Dicho esto, creo que 1967 fue cuando los Monkees comenzaron a recibir más críticas de la prensa rockera. Todo el mundo sabe ahora que los Monkees fueron fabricados en gran medida y no tocaron sus propios instrumentos en el registro, pero también hay un contexto más amplio. Otras grandes bandas, como su obvia inspiración. Los Beatles se estaban ramificando y haciendo música más grande y experimental, mientras que las canciones de los Monkees seguían siendo tan simples como podían ser. Tal vez nadie se dio cuenta de esto más que los propios Monkees. Todo esto es cierto, pero sigo pensando que las buenas canciones son buenas canciones independientemente de la innovación, y hay un montón de ellas aquí.
Hay mucho más piano en este disco de lo que podrías escuchar de los MG. Booker también canta, y bueno en eso, en las pistas de apertura y cierre del lado uno, y hay una voz invitada de Judy Clay en "Children, Don't Get Weary".
Destacan principalmente por la versión no individual del gran éxito de MG "Time is Tight", "Tank's Lament" y "We've Got Johnny Wells" también son pistas más Destacadas. También vale la pena señalar que la ingeniería y la grabación de esta banda sonora parecen estar bien, ya que la banda suena tan bien como nunca en esta compañia Stax. El Hammond B3 de Booker realmente grita y brilla aquí.
Recomendaría The Hip-Hug Her antes de este, pero esta es una buena salida de los Memphis Gentlemen.
Summer Breeze de Seals & Crofts es un disco muy edulcorado .
Ya con un par de grandes canciones en "Hummingbird" y "Funny Little Man", el álbum se establece como uno bastante melodioso.
Más adelante en el disco, de una manera formulada, Seals & Crofts intentan recrear lo que hizo que estas canciones se hinchan tan bien con un éxito variable. Mientras que el Americana-n "Fiddle in the Sky" y el influyante "The Euphrates" no son malas adiciones a la lista de canciones, siendo el primero particularmente bueno. Otras canciones como "East of Ginger Trees", "Advance Guards" y "Yellow Dirt", aunque buenas pistas cada una, terminan siendo bastante simplificadas.
Antonio Martínez y José Sánchez
Durante la 33ª ceremonia anual de inducción al Rock and Roll Hall of Fame, celebrada el 14 de abril en el Auditorio Público de Cleveland, Graeme Edge, de The Moody Blues, expresó los pensamientos de muchos de los miembros de la clase 2018.
Reconociendo el tiempo que les demandó ser finalmente nominados, gracias en parte a una agresiva campaña de los fans de la banda, Edge, el miembro más viejo de la noche con 77 años, dijo: “Pasaron tantos años que se volvió (un sentimiento) algo amargo… Cuando finalmente se dio, me di cuenta de que significaba mucho para mí”.
Los Moodys, junto con sus compañeros Bon Jovi, The Cars y Dire Straits (y las fallecidas Nina Simone y Sister Rosetta Tharpe) habían sido ignorados durante años para su ingreso al Rock Hall. La ceremonia de ese año puso las cosas en su lugar.
La ceremonia del sábado también introdujo una nueva categoría: The Rock and Roll Hall of Fame Singles honró seis canciones que Little Steven Van Zandt dijo “dieron forma al rock ‘n’ roll”. Los primeros en ser incluidos en la categoría fueron “Rocket 88” de Jackie Breston and His Delta Cats (1951), “Ray Rumble” de Ray Men (1958), “Louie Louie” de The Kingsmen (1963), “A Whiter Shade of Pale” de Procol Harum” (1967) y “Born to Be Wild” de Steppenwolf (1968).
A comienzos de la década del ochenta tiene unos momentos dignos de recordar: Winning y Hold On, más roqueras que latinas.
En los años noventa, gracias en parte a que fue elegido por la revista Billboard —algo así como la Biblia de la industria musical— como el primer artista del milenio, resurge el interés por Santana.
Su carrera se reactiva de inmediato: en 1999 produce el disco Supernatural, un éxito sorpresivo y el más grande de su carrera.
Colaboraciones musicales con artistas de varias tendencias y épocas le permiten vender millones de álbumes y tener éxitos en sencillo como Smooth, con Rob Thomas, el cantante de Matchbox 20.
Mantiene esta línea hasta comienzos del nuevo milenio, mientras la estatura del guitarrista nacido en México traspasa las fronteras. Santana, sin duda alguna, es una leyenda de enormes proporciones.
“No Soltaré el Timón" supone el cuarto álbum en solitario del hoy multiinstrumentista, Antonio Smash. Con el grupo que le da su apellido artístico, fue su jovencísimo batería, en los primeros 70. Cuando Sevilla y Barcelona se conectaban por un hilo imaginario de ilusión, esperanza, libertad y buen rollo. Y con los que volvió a rememorar buenos momentos en 2003. "Jardín Secreto" (2002), "Balas de Amor" (2012) e "Intronauta" (2016) son sus anteriores trabajos. Pero su carrera está plagada de nombres que ya forman parte de la música eterna de aquí. Goma, Granada, Pata Negra, Silvio y Luzbel, Kiko Veneno, Lole y Manuel, Alba Molina, Coz, Gas, Flamenco, Barra Libre o Luis Auseron han contado con sus servicios. Ahora se expresa a su modo y a su aire desde El Tardon, su barrio sevillano de siempre.
Desde la psicodelia al flamenco, y todo lo que puede encontrarse por en medio, forman el núcleo creativo de Antonio Rodríguez Smash. No suena del 2019, éste disco
Al igual que con otros álbumes de The Orb, hay pistas aquí que (para mí) parecen demasiado largas, demasiado complejas, demasiado extensas para referirse a "canciones". Towers of Dub y Blue Room son obras maestras, ambas duran al menos 15 minutos y nunca me canso de escuchar ninguna de ellas.
Blue Room se siente casi como si tuviera una historia, como si estuvieras escuchando la música de algún programa de televisión que alguien está viendo en la otra habitación, y Towers of Dub es melódica de principio a fin.
Todo el álbum fluye como un álbum conceptual, todas las pistas encajan y tienen transiciones perfectas de una a la siguiente; cada pista es un punto culminante.
Con Arthur los Kinks cierran los 60’s y completan una de las trilogías de álbumes más brillantes de la historia, con Jimi Hendrix, Beatles (66-67) y Dylan (65-66) como únicos competidores. Si Village Green fue la obra maestra pop del grupo, Arthur lo es en un estilo pop/rock, y es que desde mediados de la década que el grupo no usaba de manera tan recurrente las guitarras, con un Dave Davies particularmente activo en “Victoria” y en tres de las canciones más largas del álbum (“Australia”, “Mr. Churchill Says” y “Arthur”) y en las que por primera vez superan los 5 minutos de duración.
Otra de las novedades del álbum en la presencia de vientos en varias canciones que se suman al siempre presente y ya característico clavecín. Ray Davies continúa entregando maravillas pop como “Some Mother’s Son”, “Shangri-La” y “Young And Innocent Days”. Tal como en sus trabajos anteriores no hay puntos bajos en Arthur y si bien ninguna canción logra la perfección de joyas como “Village Green” o “Waterloo Sunset”, el nivel de consistencia es tan alto que los 48 minutos se van muy rápido.
¡Excelente álbum en directo! Me recomendaron que creyera en Phish, jaja, pero lamentablemente después de que se disolvieran. No importa, todo lo que he oído es genial, y este es un gran álbum en vivo. Más de 2 horas de interferencia de alta energía y el sonido es muy claro.
Siempre había oído que Phish eran los sucesores de los Grateful Dead... Soy un incrédulo desde hace mucho tiempo, y puedo ver de dónde vienen, pero tengo que decir que Phish es mucho más amplio musicalmente. Si son los sucesores, también son los superados en muchos sentidos. No, siempre me encantará GD, pero estos tipos me dejarán boquiabierto. Mis favoritos personales aquí son "Stash", "Chalkdust Torture", "Tweezer" y "Simple", pero oye, todo está bien.
El monumento que Wilson tenía en su mente a mitad de los sesenta ha ido alimentándose de su propia leyenda. Gestado en 1966 y no llevado a la realidad hasta 2004, esta es la historia de un disco maldito y totémico
Son numerosas las ediciones pirata del disco perdido de los Beach Boys. Por eso se hacía necesaria una versión canónica aprobada por el propio Brian. La versión definitiva de una obra que no ha hecho más que caldear los sueños húmedos de los fanáticos de la banda californiana. Y esta versión definitiva, como mínimo, hace honor a su leyenda. A pesar de los pesares, de lo marciano de sus armonías, el disco triunfa en la creación de un todo coherente que da prestigio a eso que llamamos música popular. Por sus infinitas capas de sonido, sus arreglos prístinos obra y gracia del enorme Van Dyke Parks, sus coros celestiales. Un disco con el que Wilson no se ha limitado a vivir de las rentas y que cobra vida con cada escucha para llevarnos a un tiempo más brillante, más colorido y más feliz. Y sabemos que es mentira, pero a todos nos gustan estas mentiras. Una y otra vez.
Tratan de repetir la jugada con el segundo disco y casi lo consiguen. Formalmente hay poca variación. Ya nos lo anuncia la introducción, que imita la de MCMXC a.D. (90), y es igual de innecesaria. En apariencia se limitan a cambiar los monjes por cantos tradicionales mongoles y mantienen ese ambient de corte doméstico y facilón.
No obstante, sí que hay diferencias, y es precisamente en las innovaciones donde se le ven las costuras a este disco. Para empezar, un misticismo ingenuo y simplonamente positivo, no solo en la música, sino también en las letras. También se percibe un uso más generalizado de las guitarras eléctricas que incluso llegan a crear pequeñas tormentas AOR en algún solo. Y por último, hay un acercamiento al pop que en algunas melodías vocales ("Out from the Deep", "Silent Warrior") puede recordar a los últimos Pink Floyd.
Todo ello aderezado con un regusto de bohemia urbana. Y ciertamente esa atmósfera tiene encanto
Estamos en Harlem en los años 50. Clubs de jazz donde excelentes y prometedores cuartetos tratan de ganarse la vida con la música.
Tiendas de discos donde se habla sobre Thelonius Monk, John Contrane o Sonny Rollins. Y amores imposibles difíciles de controlar.
Es encantador que Sylvie se dé cuenta de que realmente está enamorada de Robert viéndole tocar el saxo. Como si la música fuera una celestina.
19.9.1970-2.10.1970
Es uno de los mejores álbumes en vivo jamás grabados y, además, es uno de los mejores álbumes de dos guitarristas jamás grabados. La asombrosa interacción de la guitarra entre Keith Richards y Mick Taylor eleva totalmente cada canción de este álbum mucho más allá de las versiones de estudio anteriores grabadas. Esta es una captura perfecta de los Rolling Stones en la cima de sus poderes. Mi única queja contra el álbum es la versión en vivo de Under My Thumb, que fue, con mucho, la mejor versión de la canción que los Stones hicieron, específicamente para su gira, que no se incluyó en el álbum. Pero la demoníacomente poderosa versión apocalíptica de la tormenta de fuego de Sympathy For The Devil compensa con creces ese flagrante error.
